Lista Oficial del Festival de Cannes 2012

Michael Haneke posa junto a Isabelle Huppert y la Palma de Oro que ganó el 2009. Este año vuelve al ruedo.

Todos los años, después de la entrega anual del Oscar, la industria del cine entra en una especie de temporada de descanso artístico. Son pocos los títulos interesantes que aparecen en estos dos meses posteriores a la gran noche del cine. Pero las cosas empiezan a calentar la mañana que se anuncian las películas que competirán por la tan ansiada Palma de Oro del Festival de Cannes. De esta manera se empieza la carrera de premios y festivales que durará hasta febrero del próximo año.

Hoy día, se presentaron las 20 películas que competirán en este importante festival. Démosle una vista a algunos de los títulos y los directores que se verán este año en la Riviera francesa de Cannes.

Películas en Competencia (20 films)

Rust and Bone de Jacques Audiard

Holy Motors de Leos Carax

Cosmopolis de David Cronenberg

The Paperboy de Lee Daniels

Killing Them Softly de Andrew Dominik

Reality de Matteo Garrone

Love (Amour) de Michael Haneke

Lawless de John Hillcoat

In Another Country de Hong Sang-soo

Taste of Money de Im Sang-soo

Like Someone in Love de Abbas Kiarostami

The Angel’s Share de Ken Loach

Beyond the Hills de Cristian Mungiu

After the Battle (Baad el Mawkeaa) de Yousry Nasraliah

Mud de Jeff Nichols

You Haven’t Seen Anything Yet de Alain Resnais

Post Tenebras Lux de Carlos Reygadas

On the Road de Walter Salles

Paradise: Love de Ulrich Seidi

The Hunt (Jagten) de Thomas Vinterberg

-          Después de ver la lista de directores que se presentaran en Cannes, creo que no cabe duda que este ha dejado de ser un Festival que apueste por directores nuevos. Por el contrario, se ha convertido en el espacio perfecto para que cintas de autores consagrados encuentren la plataforma para ser exhibidas, lo cual lógicamente no hace que el festival sea menos en ningún modo.

-          De igual manera, no cabe la menor duda que Cannes se ha consolidado como el festival de cine más importante del mundo, al que acuden la crema y nata del cine mundial.

-          Ansío con muchísima anticipación la gran mayoría de cintas a presentarse en Cannes. Por ejemplo está Cosmopolis del gran David Cronenberg, un director de culto que no recibe el crédito que se merece y que es notable tanto en sus cintas de ciencia ficción como en sus dramas recientes como A History of Violence (2005), Eastern Promises (2007) y A Dangerous Method (2011).

-          Lee Daniels se consagró con la dolorosa Precious en el 2008, ahora estará en Cannes con The Paperboy, una thriller de suspenso protagonizado por John Cusack y Nicole Kidman.

-          La última película de Andrew Dominik fue la muy buena The Assasination of Jesse James by the Coward Robert Ford (2007), esta vez lo volvemos a ver dirigiendo a Brad Pitt en Killing Them Softly.

-          Michael Haneke probablemente esté entre mi top 10 de directores favoritos y quizás en el Top 10 de los mejores directores que trabajan en la actualidad. La última vez que estuvo en Cannes se llevó la Palma de Oro por la brillante The White Ribbon o La Cinta Blanca como llegó a nuestras salas en el 2009.

-          Abbas Kiarostami es otro de esos directores que despiertan pasión. Hay mucha anticipación para ver su Like Someone in Love.

-          En la lista tenemos a dos veteranos como el inglés Ken Loach y el francés Alain Resnais, cuyos trabajos no dejan de ser interesantes a pesar de tener casi medio siglo tras las cámaras.

-          El rumano Cristian Mungiu sorprendió al mundo entero en el 2007 con la brillante 4 luni, 3 saptamani si 2 zile o como llegó al Perú, 4 meses, 3 semanas y 2 días, probablemente una de las mejores películas que trate el tema del aborto. Una obra maestra que ese año se llevó la Palma de Oro.

-          El toque latino lo ponen el mexicano Carlos Reygadas y el brasilero Walter Salles con On the Road.  Esta última es una cinta de producción norteamericana protagonizada por Viggo Mortensen y es una de las favoritas entre las seleccionadas. Recordemos que Salles saltó a la fama mundial con Central Station en 1998 y fue atraído a Hollywood después de su Diarios de Motocicleta (2004)

-          Los documentales del austriaco Ulrich Seidi siempre llaman la atención, ahora vuelve a la ficción con Paradise: Love.

A pesar de no estar en competencia, hay otros títulos interesantes entre lo que se verá en Cannes 2012. Por ejemplo, la última tragicomedia del brillante Wes Anderson y Me and You del legendario Bernardo Bertolucci.

Es una pena que la mayoría de películas latinas no estén en competencia y hayan sido relegadas a la categoría de Una Cierta Mirada (Un Certain Regarde).

Un último dato, el año pasado fue en Cannes donde The Artist o El Artista empezó su carrera hacia el Oscar, la cinta le dio a Jean Dujardin el premio a Mejor Actor en el Festival y desde su estreno empezó a llamar la atención de la crítica.

La lista completa de cintas a presentarse en Cannes a continuación:

Función de Estreno

Moonrise Kingdom de Wes Anderson

Función de Clausura

Therese Desqueyroux de Claude Miller

Un Certain Regard (17 films)

Miss Lovely de Ashim Ahluwalia

La Playa de Juan Andrés Arango

Les Chevaus de Dieu de Nabil Ayouch

Trois Mondes de Catherine Corsini

7 Days in Havana de Laurent Cantet y Benicio Del Toro

Le Grand Soir de Benoit Delepine y Gustave de Kervern

Laurence Anyways de Xavier Dolan

Después de Lucia de Michel Franco

Aimer a Perdre la Raison de Joachim Lafosse

Mystery de Lou Ye

Student de Darezhan Omirbayev

La Pirogue de Moussa Touré

Elefante Blanco de Pablo Trapero

Confession of a Child of the Century de Sylvie Verheyde

11.25 The Day He Chose His Own Fate de Koji Wakamatsu

Beasts of the Southern Wild de Benh Zeitlin

Fuera de Competencia (3 films)

Hemingway & Gellhorn de Philip Kaufman

Madagascar 3 de Eric Darnell

Me and You de Bernardo Bertolucci

Funciones Especiales (5 films)

Polluting Paradise de Fatih Akin

Roman Polanski: A Film Memoir de Laurent Bouzereau

The Central Park Five de Ken Burns

Les Invisibles de Sebastien Lifshitz

Journal de Frande de Claudine Nougaret y Raymond Depardon

A Musica Segundo Tom Jobin de Nelson Pereira dos Santos

Villegas de Gonzalo Tobal

Mekong Hotel de Apichatpong Weerasethakul

Funciones de Medianoche (2 films)

Drácula 3D de Darío Argento

Ai To Kamoto de Takashi Miike

Las Peores Ganadoras del Oscar a Mejor Película

Un ejercicio constante de todas las revistas y blogs de cine es la elaboración de listas con películas o con elementos cinematográficos. Estos rankings buscan reflejar los gustos de quienes las elaboran y siempre están sujetas al debate. Una lista nunca debe ser considerada como un elemento sagrado, sino que justamente debe provocar los comentarios de quienes la leen.

La revista neoyorquina FilmComment ha elaborado una lista con las 40 Peores Ganadoras del Oscar a Mejor Película. He aquí la lista con mis comentarios al costado de cada título. De igual modo se ha incluido el nombre del director y el año que ganó el Oscar.

1. Crash de Paul Haggis, 2005

Coincido absolutamente. Una película sin pies ni cabeza, con una trama forzada, llena de manierismos visuales. Sin lugar a duda la peor de toda la lista de ganadores del Oscar, más aun considerando que le ganó a dos grandes como son Brokeback Mountain de Ang Lee y Munich de Steven Spielberg. Como será de mala que cuando Jack Nicholson abrió el sobre con el ganador, él mismo puso cara de sorpresa al darse cuenta del resultado. Una vergüenza.

2. Slumdog Millionaire de Danny Boyle, 2008

Nunca fui fanático de esta película que fue un éxito el año de su estreno, sin embargo creo que es exagerado ponerla en segundo lugar entre las peores ganadores del Oscar. Me parece que el premio fue excesivo y obedeció más a lo exótico del tema que a los logros de la propia cinta. De todos modos, considero que sí está entre las peores Oscarizadas.

3. Chicago de Rob Marshall, 2002

De acuerdo. Es increíble que le haya ganado a dos películas excepcionales como Gangs of New York de Martin Scorsese y The Pianist de Roman Polanski. Es un musical entretenido pero ahí queda.

4. Forrest Gump de Robert Zemeckis, 1994

De acuerdo. Más allá de los efectos especiales, no es más que una novela de 3 horas que fuerza las lágrimas a como dé lugar. Ese año cualquiera de las otras nominadas era de lejos mejore película, sobretodo Pulp Fiction de Tarantino y The Shawshank Redemption.

5. A Beautiful Mind de Ron Howard, 2001

De acuerdo. Otra película que apela a la sensibilidad extrema para ganar premios.

6. Gladiator de Ridley Scott, 2000

No muy de acuerdo. Es un espectáculo interesante, sin embargo ese año debió ser de Traffic de Steven Soderbergh o de Crouching Tiger, Hidden Dragon de Ang Lee: ambas son cintas superiores.

7. American Beauty de San Mendes, 1999

En desacuerdo. A pesar que la crítica no la trata bien, a mí sí me parece una película interesante.

8. Shakespeare in Love de John Madden, 1998

De acuerdo totalmente, yo la pondría en el segundo lugar de la lista. Una comedia simple, sin mayor ambición, con un trato mediocre. Estuvo nominada al lado de dos obras geniales como Saving Private Ryan y The Thin Red Line de Terrence Malick.

9. Braveheart de Mel Gibson, 1995

De acuerdo. Un intento fallido de volver al cine épico.

10. Titanic de James Cameron, 1997

En desacuerdo. No soy de los críticos de Titanic, le reconozco la capacidad para poner en escena un espectáculo con aires clásicos. No me parece una mala película sin embargo le ganó a L.A. Confidential de Curtis Hanson que es mejor película.

11. Driving Miss Daisy de Bruce Beresford, 1989

De acuerdo. A pesar que soy fanático de Jessica Tandy o Morgan Freeman, esta película pudo haber sido fácilmente una cinta para televisión.

12. Dances with Wolves de Kevin Costner, 1990

En desacuerdo. Como en Titanic, le reconozco la ambición por traer un género que estaba muriendo. No me parece una mala película aunque yo hubiera votado por Goodfellas de Scorsese ese año.

13. The Greatest Show on Earth de Cecil B. DeMille, 1952

De acuerdo. DeMille era un genio pero esta es para mi gusto una de sus películas menos vistosas. Ese año debió ganar High Noon de Fred Zinnemann.

14. The King’s Speech de Tom Hooper, 2010

De acuerdo. Debió ganar The Social Network de David Fincher.

15. The English Patient de Anthony Minghella, 1996

De acuerdo. Se repite la fórmula de sentimentalismo con película de época que parece ser fija para ganarse un Oscar últimamente.

16. Amadeus de Milos Forman, 1984

En desacuerdo. Es una de las mejores películas de la década del 80. Grandes actuaciones, una visión espectacular de la época por parte del director.

17. Around the World in 80 Days de Michael Anderson, 1956

De acuerdo. Me parece demasiado larga y poco estructurada.

18. Chariots of Fire de Hugh Hudson, 1981

De acuerdo. Otra cinta que apela al sentimentalismo heroico de gente común.

19. Gandhi de Richard Attenborough, 1982

De acuerdo. Es un biopic simple, que no aporta nada nuevo, se queda en el relato sencillo de la vida de Gandhi.

20. Mrs. Miniver de William Wyler, 1942

En desacuerdo. Me encanta esta película de propaganda del viejo Wyler. Grandes actuaciones y una visión realista de la Guerra.

21. Terms of Endearment de James L. Brooks, 1983

En desacuerdo. La mezcla de drama y comedia se logran con éxito en esta cinta con buenas actuaciones y un guion encantador. Tengo que admitir que es una de mis favoritas.

22. The Lord of the Rings: The Return of the King de Peter Jackson, 2003

De acuerdo. Siempre creí que la trilogía en general estaba sobre apreciada. Son películas con muchos efectos especiales y nada más.

23. The Sound of Music de Robert Wise, 1965

En desacuerdo. The Sound of Music es una muestra de cómo se hacía cine en el Hollywood clásico. Un musical familiar para todas las edades.

24. Ben Hur de William Wyler, 1959

En desacuerdo. Es una película excepcional, que combina el espectáculo con el drama histórico. Las escenas de acción son perfectas. Creo que está entre lo mejor del Oscar.

25. Rain Man de Barry Levinson, 1988

De acuerdo. Otra cinta simple, sin mayor ambición.

26. Million Dollar Baby de Clint Eastwood, 2004

En desacuerdo. Está entre lo mejor que ha hecho Eastwood recientemente, una película de autor, con notas personales, una imagen maravillosa y buenas actuaciones. Es uno de los Oscar más justos de los últimos años.

27. Cimarron de Wesley Ruggles, 1931

En desacuerdo. Me parece una cinta interesante, a pesar de su sencillez. Creo que es una precursora de cintas como Gone with the Wind o Jezebel.

28. Rocky de Sylvester Stallone, 1976

Totalmente de acuerdo. Yo la pondría en tercer lugar. Rocky es la quintaesencia de la película que busca hacer llorar por hacer llorar.

29. No Country for Old Men de Joel & Ethan Coen, 2007

En desacuerdo. Una obra maestra, genial por donde se vea. Los hermanos Coen en su mejor momento. No debe estar en esta lista.

30. Out of Africa de Sydney Pollack, 1985

De acuerdo. Otra cinta romántica con una historia de época.

31. Tom Jones de Tony Richardson, 1963

De acuerdo. Es una comedia hilarante y atrevida pero nada más. Creo que el Oscar fue exagerado.

32. The Deer Hunter de Michael Cimino, 1978

En desacuerdo. Otra obra maestra que quizás esté entre lo mejor del cine de todos los tiempos.

33. Oliver! de Carol Reed, 1968

De acuerdo. Tiene elementos muy teatrales que le restan solidez.

34. Ordinary People de Robert Redford, 1980

De acuerdo. Más allá de la historia y las actuaciones, la cinta nunca se consolida totalmente. Es casi un escándalo que le haya ganado a Raging Bull de Scorsese.

35. Kramer vs. Kramer de Robert Benton, 1979

De acuerdo. Por los mismos argumentos que la anterior. En este caso debió ganar Apocalypse Now de Coppola o All That Jazz de Bob Fosse.

36. The Sting de George Roy Hill, 1973

De acuerdo. No es una mala película pero creo que el Oscar le queda grande.

37. Cavalcade de Frank Lloyd, 1933

De acuerdo. No deja de ser buena, pero este año hubieron nominados de lujo.

38. Platoon de Oliver Stone, 1986

En desacuerdo. Aunque creo que es una de esas películas que está dentro de la zona gris en la lista del Oscar.

39. A Man for All Seasons de Fred Zinnemann, 1966

En desacuerdo. La vida de Santo Tomás Moro es llevada al cine con la pulcritud inglesa que caracterizó su vida.

40. Marty de Delbert Mann, 1955

De acuerdo. Esta película no ha envejecido bien, e incluso para su tiempo se muestra demasiado televisiva, carente de elementos cinematográficos relevantes.

Para mi gusto, las 25 peores ganadoras del Oscar a Mejor Película en orden de peor a mala son:

1. Crash, 2005
2. Shakespeare in Love, 1998
3. Rocky, 1976
4. The Lord of the Rings, The Return of the King, 2003
5. A Beautiful Mind, 2001
6. Rain Man, 1988
7. Chariots of Fire, 1981
8. Going my Way, 1944 (una película pequeña y sencilla protagonizada por Bing Crosby con nada interesante en ella)
9. Braveheart, 1995
10. The English Patient, 1996
11. Forrest Gump, 1994
12. Chicago, 2002
13. Marty, 1955
14. Slumdog Millionaire, 2008
15. Tom Jones, 1963
16. In the Heat of the Night, 1967 (ganó el Oscar más que por los méritos cinematográficos de la película, por el mensaje antirracista del momento)
17. Ordinary People, 1980
18. Gandhi, 1982
19. Out of Africa, 1985
20. Drving Miss Daisy, 1989
21. Gladiator, 2000
22. Around the World in 80 Days, 1956
23. Kramer vs. Kramer, 1979
24. Oliver!, 1968
25. The Sting, 1973

Y ustedes que piensan???

Proyecto X y El Espía que Sabía Demasiado

Hay dos películas que están en cartelera que no he podido comentar en detalle, pero que no quiero dejar de mencionar.

Project X (2012)

Es una de esas películas que buscan repetir la fórmula de grabar al estilo documental con cámaras domésticas, como lo hizo The Blair Witch Project en 1999. Muchas películas han tratado de seguir este modelo, sobretodo en el género del terror, más recientemente Paranormal Activity (2007). En este caso no vemos una historia sobrenatural con fantasmas y figuras monstruosas; por el contrario tenemos a tres jóvenes que organizan la fiesta que los convertirá en populares dentro de su escuela. La historia es básicamente la que usó Judd Apatow con tanta genialidad en Superbad (2007). Los personajes de esta película parecen réplicas de aquellos tres jóvenes que rompen todas las convenciones con tal de divertirse. El resultado es una cinta entretenida por momentos y exagerada por otros. Los recursos digitales están puestos bajo la disposición de la perdición de esta fiesta que trae consecuencias increíbles y hace reír a la audiencia.

Tinker, Taylor, Soldier, Spy (2011)

Basada en la obra de John LeCarre, esta película es una nueva versión fílmica de este exitoso libro que antes ha inspirado otras películas y series de televisión. Gary Oldman interpreta a George Smiley, un veterano trabajador del Servicio de Inteligencia inglés que busca al espía ruso dentro de su organización. El director Tomas Alfredson representa un juego de ajedrez a través de las imágenes, generando confusión, creando suspenso y sobretodo manejando de manera impecable el trabajo de sus actores. El reparto es de lujo e incluye a Colin Firth, John Hurt, Toby Jones y a Gary Oldman en la actuación que la ha valido una muy merecida nominación al Oscar. Es justamente Oldman el hilo conductor de toda la trama que por momentos se torna demasiado pesada. Oldman controla gestos, al inicio parece ser un actor mudo, no cede ante la tentación de la sobreactuación sino que tiene la sobriedad que le falta a James Bond. Interesante película que desgraciadamente se está viendo relevada en las salas ante opciones de menor calidad.

La Piel que Habito

La Piel que Habito es la nueva película del consagrado Pedro Almodóvar y una de las mejores dentro de su reciente trabajo. En las cintas de Almodóvar siempre se ha buscado presentar características definidas en sus personajes. Así la vida de los personas en sus películas siempre están vinculados a sus traumas, a sus vicios, a sus desviaciones sexuales, a sus perversiones, a sus defectos, a esas características que la sociedad no quiere ver o aceptar.

En La Piel que Habito, la obsesión, la superficialidad y el fetichismo son las columnas sobre las que se construye la película. Antonio Banderas es un cirujano obsesionado con la clonación de la piel, pero sus motivos no son científicos sino personales. Su trabajo busca reemplazar a las mujeres perdidas en su vida. Banderas hace entonces del doctor Frankenstein, aquel que estaba obsesionado con devolverle la vida a un muerto. El Doctor Robert Ledgard de Banderas quiere exactamente lo mismo, crear un ser humano que sea capaz de controlar.

Para ello el personaje emula a otra figura del cine de terror clásica, el Doctor Jekyll y el Mister Hyde de la película de 1932 de Rouben Maomulian. Es decir con una doble personalidad, la del académico consagrado ante la sociedad y como el monstruo violento que es incapaz de ser dominado en la intimidad.

Pero Banderas también puede ser el Scottie Ferguson de James Stewart en la genial Vertigo (1958) de Alfred Hitchcock. Tratando de convertir a una persona viva en la imagen exacta de su mujer muerta. A decir verdad, la influencia del clásico de Hitch se siente en cada escena de la cinta, desde la música muy similar a la banda sonora de Bernard Herrmann y en la saturación de los colores rojos y verdes que resaltan la enfermedad mental del personaje principal. Son justamente las formas, las imágenes que están dentro de la casa y los colores, los que acompañan la necrofilia que sabemos que estamos presenciando.

También está presente la influencia de otra gran película de Hitchcock que es Rebecca (1940), sobretodo en la presencia de esa mansión inmensa que esconde una historia oscura en sus paredes. Pero también en el personaje de Marilia interpretada por la gran Marisa Paredes, que nos hace recordar a la aterradora Señora Danvers de Judith Anderson, aquella que en su distorsionado amor es cómplice de la obsesión de su amo/hijo y se encarga de llevar las riendas de la casa como quien protege el fantasma de la esposa muerta.

Pero a Almodóvar le gustan las tramas complicadas y no las historias lineales. Y en La Piel que Habito recurre a los flashbacks, a contar la misma escena desde puntos de vista distintos. El resultado final es una película perturbadora, escalofriante, emocionante y ciertamente enfermiza para los gustos más conservadores.

La Piel que Habito es además el trabajo de un director que conoce su oficio, que entiende perfectamente el lenguaje fílmico y que seduce e incita con las imágenes y no únicamente con las palabras. El gran éxito de esta película es justamente eso, que a diferencia de muchas de las películas vistas recientemente, esta apuesta por usar recursos fílmicos en vez de sustentarse en la historia misma.

Acá las imágenes cuentan la historia y no la historia se cuenta sola a través de algunas imágenes.

Pero hay que ver La Piel que Habito porque es una película que toca la yugular de temas actuales. La obsesión por la perfección física y las anomalías de los experimentos actuales que buscan controlar a la naturaleza son dos puntos que Almodóvar pone en la palestra para el espectador. Pero la película no saca conclusiones sino que provoca el debate, la reflexión de quien está viendo la historia. Acá no hay héroes ni villanos, no hay víctimas ni victimarios; todos parecen estar inmersos en una sociedad decadente.

También está el comentario sobre la intimidad, por momentos Almodóvar juega con las pantallas que aparecen dentro de la pantalla de cine. Se genera una fantasía en la que las personas somos lo que vemos en la televisión, dejando de lado la humanidad de cada uno. La escena de la inclusión de Zeca vestido de tigre se contrapone con el episodio que Vera ve en su televisor de un leopardo cazando a una liebre en National Geographic.

Estoy seguro que cada persona que ve la película saca su propia conclusión de la misma y se deja seducir por el buen relato de un Almodóvar que no deja de sorprender. La Piel que Habito es de lo mejor que veremos en nuestras salas así que hay que aprovechar para verla.

CINCO MUJERES PARA RECORDAR

A propósito del Día de la Mujer, en este pequeño blog queremos rendirle un tributo a las mujeres recordando algunos personajes femeninos que fueron únicos. Una lista con todas las grandes mujeres que hemos visto en el cine podría abarcar más de cien entradas de este blog, por lo que únicamente he escogido a cinco, todas ellas de películas del Hollywood clásico. Estos cinco personajes representan para mí a cinco mujeres inolvidables, personajes memorables que lograron el impacto que tuvieron por las soberbias actuaciones de las cinco grandes actrices que las interpretaron. No hay un orden en especial simplemente he seleccionado a mis favoritas.

MARGO CHANNING interpretada por Bette Davis en All About Eve (1950)

Muchos especialistas la consideran la mejor actuación en la historia del cine, yo creo que sin lugar a dudas se trata de una de esas actuaciones que nunca se borran de la memoria. Bette Davis era quizás la mejor actriz de Hollywood y ella lo sabía. Es conocida su personalidad arrolladora y dominante, Davis era en pantalla y fuera de ella, una mujer de armas tomar. El papel de Margo Channing le caía a pelo a Bette Davis y se convirtió desde su estreno en 1950 en su sello distintivo, a pesar de las insuperables actuaciones en otras grandes películas como Jezebel (1938), The Little Foxes (1941), Now Voyager (1943) y Whatever Happened to Baby Jane? (1962).

Margo Channing es una actriz de teatro consagrada, una gran dama del escenario. Un día una fanática suya se le acerca y desde ese momento Channing la adopta como su protegida. La trama crece cuando esta muchacha llamada Eve Harrington, interpretada por Anne Baxter, trata de seguir los pasos de su actriz favorita y logra quitarle el protagonismo en el ambiente artístico. All About Eve o Todo sobre Eva que fue el título con el que este clásico del cine llegó al Perú, es una película netamente feminista. La rivalidad entre estas y otras mujeres que aparecen en la cinta nos recuerda la fortaleza femenina. Los hombres son meros instrumentos de decoración, incluso el crítico de teatro que parece controlarlo todo aparece como una sombra que domina únicamente el humo de sus pipas.

Bette Davis brilló como Margo Channing, su personaje despertaba antipatías y simpatías al mismo tiempo. La odiamos siempre verla salirse con la suya pero odiamos verla ahogar sus miserias en las cortinas de humo de los muchos cigarros que fuma durante el día. El dramatismo teatral que Davis le imprime al papel de Channing hace que la película sea puro entretenimiento. Al final sabemos que la victoria puede demorar un poco pero que mientras más demora, el sabor es mejor.

PHILLYS DIETRICHSON interpretada por Barbara Stanwyck en Double Indemnity (1944)

En el auge el cine negro o film noir, no hubo una mujer que representara mejor el término femme fatale que Barbara Stanwyck como Phillys Dietrichson en Double Indemnitiy (1944). En esta gran película del genial Billy Wilder, Stanwyck se convierte en una mente criminal, una mujer atractiva que está dispuesta a todo con tal de lograr su cometido.

Al inicio la vemos como una infeliz esposa de un hombre mediocre, ella logra conquistar con apenas unas miradas a un vendedor de seguros (Fred McMurray), luego de hacerlo su amante lo convence de hacerlo su cómplice del asesinato de su propio marido para quedarse con el dinero del seguro.

Barbara Stanwyck nunca estuvo mejor que en este papel, cada vez que aparece en la pantalla su sexualidad se hace inminente, se convierte en el centro de todas las escenas. La frialdad de sus gestos cuando la vemos planear el crimen se contrastan con la pasión que le da a las escenas de amor. Stanwyck se convirtió en una mujer de peligro, con el peinado llamativo, en cada movimiento, siempre dejando ver esa vulnerabilidad que la hace mujer. El desenlace de la cinta es impresionante y quizás sea uno de los finales de película más inesperados. Una vez más los hombres son meros accesorios para esta mujer que no duda en conquistar a un hombre con apenas un gesto como quien se cambia de joyas.

Esta actuación le dio a Barbara Stanwyck su tercera y última nominación al Oscar, perdió y quizás sea uno de los errores más escandalosos de todos los tiempos por parte de la Academia.

MILDRED PIERCE interpretada por Joan Crawford en Mildred Pierce (1945)

Así como Bette Davis, Joan Crawford era una de esas mujeres que actuaban dentro y fuera de la pantalla. Una de las actrices más influyentes y poderosas de su época, Crawford le imprimía su personalidad a cada una de sus actuaciones.

Mildred Pierce es una madre soltera que sufre por no poder darle a su hija la vida que ella cree que se merece. Para poder lograr su sueño, se convierte en una próspera empresaria; sin embargo, su hija se convierte en una engreída que empieza a ver el mundo de modo muy sencillo. Al final, madre e hija terminan compartiendo desde el novio hasta la complicidad de un crimen. El desgraciadamente olvidado director Michael Curtiz (que también dirigió Casablanca) nos presenta a estas dos mujeres de modo increíble, pasando del drama familiar a lo film noir, de la historia romántica al drama policial.

La película se sustenta en los grandes hombros de Crawford, que pudo despojarse de su imagen de mujer sensual para convertirse en una mujer por la cual sentimos pena y admiración. El rostro de Crawford siempre tuvo esa capacidad para poder expresar emociones, sus grandes ojos pueden pasar de la alegría del éxito hasta la pena de la decepción. Si bien es cierto sus actuaciones en otras películas como Johnny Guitar (1952) o Grand Hotel (1932) podrían también ser parte de esta lista, es como Mildred Pierce en el papel en el que vemos a esta gran actriz usar todos sus recursos.

Después de ver esta película no sorprende porque Joan Crawford y Bette Davis eran archienemigas en la vida real y ambas gritaban a los cuatro vientos el desprecio que sentían la una por la otra. Crawford ganó su único Oscar por esta película en uno de los momentos más dramáticos de la historia del premio, pero esa es otra historia.

VICKY LESTER interpretada por Judy Garland en A Star is Born (1954)

La gran Judy Garland vivió su corta vida entre estudios de grabación y desgracias personales. Era una mujer vulnerable, cuya juventud había sido robada por los deseos de su madre de convertirla en actriz en la MGM, se casó cinco veces y ciertamente nunca fue feliz. Su adicción a las drogas y sus deseos de controlar su peso hicieron que el inmenso talento que tenía, nunca fuera explotado completamente. Pero su actuación en A Star is Born es sin lugar a duda no sólo la mejor de su carrera sino que compite muy seriamente en quizás ser la mejor actuación femenina de la historia.

Como Vicky Lester, Judy interpreta a una actriz que logra el éxito a costa de su relación con un actor famoso; la historia se complica cuando el hombre que la descubrió que además es su esposo, empieza ver su carrera derrumbarse mientras que la carrera de ella llega a la gloria. Actuando de Vicky Lester, Judy Garland le imprimía un poco de su propia experiencia a esta actriz que se esmera por ser respetada, que hace esfuerzos para luchar en un mundo que quiere explotarla. Pero no vemos una arribista sino una mujer que mientras más triunfa siente más deseos de apoyar a su hombre. De todos los personajes de esta pequeña lista, ninguna tiene la sensibilidad y la fragilidad de Vicky Lester. Garland sabía cómo hacernos romper en llanto con un gesto y con una palabra. Y claro esta ese momento en el que canta The Man who Got Away, que quizás sea una de las canciones más dolorosas de la historia y en la que Garland hace gala de esa voz espectacular y única que poseía. Con esta actuación Judy Garland inventó el término tour de force para las actuaciones, es decir que es una de esas interpretaciones que uno puede sentir que el actor siente a flor de piel.

Judy Garland, que es la madre de Liza Minnelli en la vida real, estuvo nominada al Oscar y también perdió, al día siguiente un periódico puso como titular, SE BUSCA ABOGADO ESPECIALISTA EN ROBOS PARA DENUNCIAR A LA ACADEMIA POR NO HABER PREMIADO A GARLAND. Pero a pesar de eso, la actuación de Judy no envejece y se ha convertido en objeto de estudio por todos los cinéfilos.

SCARLETT O’HARA interpretada por Vivien Leigh en Gone with the Wind (1939)

Hace unos años leí en una revista de cine que un crítico consideraba a Scarlett O’Hara el papel femenino más importante de la historia del cine. Yo estoy de acuerdo. Gone with the Wind o Lo que el Viento se Llevó no sería ni la sombra de ese peliculón que es sino fuera por esta mujer sureña que nos hizo sentir rabia y simpatía como quien se sube a una montaña rusa.

Esta jovencita es al inicio la típica muchachita de familia acomodada que cree que tiene al mundo a sus pies, la diferencia es que Vivien Leigh nos hace creer que Scarlett O’Hara en verdad sí tiene al mundo a sus pies. La vemos caminar por la pantalla, dejando coquetería por donde se mueve; ilusionando a sus pobres vecinos, luchando por convertirse en mujer. Pero en sus escenas con su nana Mammy, gran actuación de la negra Hattie McDaniel, la vemos como una niña encaprichada que no quiere comer y que retoca su pecho para que no le aparezcan pecas.

Durante las casi 4 horas de duración de este clásico, Scarlett evoluciona en esa mujer que se casa tres veces, una de ellas con el novio de su propia hermana. La vemos hacer el juramento de que nunca más pasara hambre. Por momentos creemos que la Guerra Civil es sobre ella y no sobre el país. Finalmente, tenemos a la mujer endiosada, aquella que llama la atención por sus escándalos como por su manera de vestir. A Scarlett la vemos enamorarse del hombre incorrecto y sentimos rabia por ella cuando el hombre correcto trata de conquistarla. El final de Gone with the Wind es tan épico como doloroso, y todo eso se ve reflejado en la actuación de Vivien Leigh, que a pesar de ser inglesa se convirtió en esta belleza sureña estadounidense y nos regaló esta joya como actuación.

Sufrimos, lloramos, reímos, odiamos y amamos a Scarlett; creo que en toda mujer hay algo de Scarlett O’Hara, por eso es que nos impacta tanto lo que vemos en pantallas. El papel de Scarlett O’Hara es considerado el personaje más deseado de la historia del cine, miles de actrices hicieron audiciones para ser escogidas para la película. Estoy seguro que nadie más que Vivien Leigh hubiera podido interpretarla del modo que lo hizo, se ganó un Oscar y se convirtió en una leyenda por cuenta propia. Scarlett O’Hara es el epítome de la mujer en el cine.