Festival de Cannes 2012

El Poster Oficial del Festival de este año con Marilyn Monroe soplando una vela.

Como todos los años, la ceremonia de clausura del Festival de Cannes acaparó la atención de todos los cinéfilos del mundo. En su edición número 65, la lista de competidores a la tan prestigiosa Palma de Oro incluía a autores de la talla de David Cronenberg y Abbas Kiarostami. La crítica especializada, como ocurre siempre, se animó a hacer predicciones sobre los ganadores de esta edición del Festival. Desde un inicio había consenso en que el director Michael Haneke había vuelto a sorprender con su película Amour, pero también sonaban fuerte Holy Motors de Leos Carax, Post Tenebras Lux de Carlos Reygadas y Moonrise Kingdom de Wes Anderson.

Al final la decisión del jurado coincidió con la crítica y fue Amour de Michael Haneke la que se alzó con la Palma de Oro del Festival de Cannes 2012.

A continuación un pequeño resumen de esta ceremonia en la cual estuvieron como es de costumbre algunos de los nombres más importantes del cine actual y en el que el glamour podía sentirse en el aire.

El Presidente del Jurado Nanni Moretti da unas palabras en la Ceremonia de Clausura del Festival, junto al Jurado en pleno.

El Jurado de la edición 65 del Festival de Cannes estuvo presidido por el director italiano Nanni Moretti, que en el 2001 ganó la Palma de Oro del Festival por la película La Habitación del Hijo. El jurado también  estuvo conformado por el actor Ewan McGregor, la actriz Diane Kruger, la actriz Hiam Abbas, la directora Andrea Arnold, la actriz Emmanuelle Devos, el director Alexander Payne, el director Raoul Peck y el diseñador de modas Jean-Paul Gaultier.

Michael Haneke sostiene la Palma de Oro junto a los dos protagonistas de su película Amour, los legendarios Emmanuelle Riva y Jean-Louis Trintignant

El director austriaco Michael Haneke recibe por segunda vez en su carrera la Palma de Oro, en el 2009 la había recibido por la película The White Ribbon, que llegó como La Cinta Blanca a nuestras salas. Además, en el 2005 ganó el Premio al Mejor Director por Cache y el Premio Grand Prix en el 2001 por la genial La Pianiste que protagonizara Isabelle Huppert.

Haneke se convierte en uno de los pocos directores en ganar dos veces la Palma de Oro, uniéndose a un grupo formado por Francis Ford Coppola, Bille August, Emir Kusturica y los hermanos Dardenne.

En las otras categorías hubo algunas sorpresas. El premio Grand Prix cayó en manos de Matteo Garrone por la cinta Reality. El director mexicano Carlos Reygadas se llevó el premio al Mejor Director por Post Tenebras Lux. 

Los premios en actuación también fueron una sorpresa, dado que muchos nombres de Hollywood fueron dejados de lado. El Premio al Mejor Actor se lo llevó Mads Mikkelsen por la cinta Jagten o The Hunt dirigida por Thomas Vinterberg. 

Mientras que el Premio a la Mejor Actriz se lo llevaron Cristina Flutur y Cosmina Stratan por el film Beyond the Hills del rumano Cristian Mungiu, que además se llevó el Premio al Mejor Guión. Finalmente, el legendario Ken Loach se alzó con el Premio del Jurado por su cinta The Angel's Share.

La actriz Gong Li le presenta a Mads Mikkelsen el Premio al Mejor Actor.

Cristian Mungiu recibe el Premio al Mejor Guion de manos de Natassja Kinski.

Alec Baldwin les presenta el Premio a la Mejor Actriz a Cristina Flutur y Cosmina Stratan.

El mexicano Carlos Reygadas recibe el Premio al Mejor Director de manos de Tim Roth y de Leila Bekhti 

Matteo Garrone posa con el Premio Grand Prix obtenido por Reality

Ganador hace unos años de la Palma de Oro, el veterano Ken Loach se llevó el Premio del Jurado en esta  edicion de Cannes.

A pesar de no haber recibido premio alguno, muchas de las cintas presentadas en Cannes llaman la atención cuando la temporada de premios llega a Hollywood. Veremos cuáles de ellas logran llegar hasta el final. Sería más que justo que Haneke gane por fin un Oscar que le ha sido injustamente esquivo por ejemplo.

A los peruanos nos queda esperar y rezar para que las distribuidoras y cadenas de cine traigan algunos de los títulos presentados y premiados en Cannes, hecho que desgraciadamente ocurre muy poco.

Drive - El Escape

Mientras que en estos días se lleva a cabo el Festival de Cannes, ha llegado a nuestra cartelera una cinta que justamente fue estrenada en ese festival el año pasado. Drive (2011), está dirigida por Nicholas Winding Refn y es definitivamente de lo más interesante que vamos a ver en nuestros cines estos días.

La película gira en torno a la figura de un conductor sin nombre, personaje interpretado por Ryan Gosling. Desde el inicio el director juega al misterio con su personaje, no sabemos quién es en realidad. Primero lo vemos como el conductor de un automóvil en un robo para luego verlo como doble de acción en la realización de una película. El conductor no es un personaje carismático, Gosling prácticamente no emite palabra alguna sino hasta bien avanzada la historia. Lo único que escuchamos de él es a través de la voz en off que va relatando secuencias de lo que estamos viendo.

Mientras Winding Refn va presentando al personaje, también va presentando a Los Ángeles como una ciudad atrapada en su inmensidad, saturada por sus propias luces pero llena de sombras. La película empieza con la escena del escape luego de un robo, Gosling conoce todas las calles de la ciudad, evita ser atrapado pero al mismo tiempo reta a la policía a que lo persigan. Busca la acción en lo que hace, manteniendo siempre el rostro inamovible y solo con un mondadientes en la boca.

Gosling empieza siendo el Steve McQueen de Bullitt, aquel que se encuentra a si mismo únicamente dentro de su vehículo. Cuando está en otros lugares parece un fantasma que no sabe qué hacer. Es realmente cuando esta frente al timón cuando vive.

La historia luego presenta a Irene, su vecina. Una bella madre joven que tiene a su esposo en prisión y que encuentra en el conductor anónimo a la figura masculina ausente. En ese momento, el personaje de Gosling empieza a evolucionar, lo vemos tratando de vencerse a sí mismo y buscando ese espacio familiar ausente en su propia vida.

Incluso en esos momentos, es a través de la velocidad que el conductor manifiesta lo que siente. Los vemos paseando en las pistas que fueron el escenario de la recordada carrera de John Travolta en Grease (1980).

Pero el director sabe que en Los Ángeles estamos frente al boulevard de los sueños rotos. Y el sueño que empieza a construirse llega a su fin cuando el esposo de Irene sale de la cárcel y el conductor busca ayudarlo en el problema que tiene con unos jefes mafiosos de la ciudad.

El giro que da la historia es de 180 grados, todo tipo de romanticismo queda atrás y estamos ante una película violenta, donde la lealtad no es una palabra que se encuentra en el diccionario. En este momento el papel de Gosling recuerda mucho al Vengador Anónimo que interpretaba Charles Bronson en Death Wish (1974).

Su misión es evitar que Irene y su hijo caigan en manos de la mafia y para eso asume el rol del héroe sangriento. En ese momento, vemos que detrás de la tranquilidad del rostro del conductor se esconde un asesino brutal. De igual manera, conocemos a los jefes mafiosos que quieren su cabeza. Los actores Ron Perlman y Albert Brooks interpretan a dos big shots que parecen salidos de una película de los años 80. Pero es Bernie Rose, interpretado por Brooks, el más interesante de ellos, al igual que el conductor es un hombre despiadado que es capaz de sonreír y matar al mismo tiempo.

El desenlace de la historia puede ser sacado de una tragedia griega, donde los personajes han perdido identidad. No existen héroes ni antihéroes, solo existe violencia.

Nicholas Winding Refn dirige la película de manera excepcional. No busca momentos de acción muy largos sino cortos pero bien estructurados. Alternando las tomas externas con la visión misma del personaje del conductor. Por momentos se recurre a planos pausados en los cuales la emoción se contiene para luego concluir en un momento impactante.

De igual modo, el director utiliza a Los Ángeles como una ciudad con tantos claroscuros como las personas que viven en ella. En la ciudad la ley no existe, la policía solo se escucha por la radio, son los jefes de la mafia los verdaderos dueños de la calle. En estos momentos, Winding Refn recuerda al Martin Scorsese de Mean Streets (1972) o Taxi Driver (1976), es decir nos muestra lo peor de esta ciudad que tiene todo tipo de psicópatas viviendo en ella.

Otro factor que hace de Drive una película interesante es ese espíritu ochentero que se siente en todo momento. Como si la ciudad no hubiera progresado y se hubiera estancado en esa época de luces fosforescentes, casacas llamativas y canciones que mezclan el rock con el pop.

El manejo de las escenas violentas es notable, Winding Refn continúa la tradición de grandes como Tarantino o Cronenberg para esos momentos brutales. El elemento humano de la película está a cargo de Irene, interpretada por Carey Mulligan, a quien Winding Refn utiliza como un ángel que se desplaza por la pantalla y que contrarresta con su dulzura la dureza de la trama. Una vez más, Mulligan da una actuación notable, su talento solo es equiparable a su belleza.

Pero la película le pertenece a Ryan Gosling, que está muy bien en todo momento. Al control del personaje, convertido en todo un justiciero urbano. Pero la mejor actuación de la cinta es la de Albert Brooks como Bernie Rose. Su papel le da un nuevo rostro al mal, pasando del carisma inicial, de la confianza que nos da cuando lo vemos apostar por su amigo a la brutalidad cuando lo vemos ensuciar sus manos con sangre. En todo momento, con la seguridad que esa es su vida, que pertenece a una “familia” que quizás sea tan violenta como él. Gran actuación de Brooks a quien no se veía en pantallas recientemente.

El producto final es una película casi poética. Una cinta de acción pero que refleja un gran gusto por parte de su director. Es ciertamente, una película de autor. Nicholas Winding Refn se ganó el Premio al Mejor Director el año pasado en el Festival de Cannes por esta cinta, un honor más que merecido. 

Shame - Placeres Culpables

Placeres Culpables es el antojadizo título con el que se ha estrenado en nuestra cartelera Shame (2011), la última película del director Steve McQueen. La primera escena de la cinta muestra al protagonista de la misma con el torso desnudo y echado en la cama, con un rostro inmovible que refleja una impasividad que denota que estamos ante un hombre con problemas. Desde ese momento sabemos que la historia va girar en torno a lo que ocurre entre esas sabanas y los sentimientos que evoca Michael Fassbender.

Los primeros minutos, McQueen de manera atrevida desnuda a su personaje, nos muestra sus manías y lo presenta como un hombre preso de algo que no puede controlar. Durante varios momentos, la película se desenvuelve entre la acción de Brandon y su interacción con su ciudad Nueva York. En estas escenas no hay diálogos, ni música que acompañe las imágenes que estamos viendo. Sin embargo, se va entendiendo el instinto sexual natural que posee el protagonista.

Mientras el film va avanzando vamos descubriendo aquellas perversas costumbres que nos van revelando la adicción sexual que tiene Brandon. Lo natural empieza a convertirse en salvaje. Sus hábitos giran en torno a toda distorsión sexual, pornografía, prostitutas, sexo casual, voyerismo y demás se presentan ante la audiencia de manera descarada, sin prejuicios morales e incluso para algunos gustos de manera escandalosa.

Pero la cinta es un estudio de personalidad completo, por lo cual McQueen recurre al personaje de Sissy, la hermana de Brandon, para entender más aun a su protagonista. Así como hizo al inicio de la cinta con el papel de Brandon, lo primero que vemos de SIssy es su desnudez. El director de esa manera demuestra que no se piensa guardar nada y que la desvergüenza va estar presente en adelante.

Brandon y Sissy son dos individuos urbanos, que tienen en Nueva York la ciudad perfecta para ellos, aquella donde al parecer el pudor no es parte del ambiente. Es interesante como siempre se recurre al subterráneo para los escenarios, como quien evoca la clandestinidad que existe debajo de la ciudad. Clandestinidad además que está presente en la enfermedad de ambos hermanos.

Pero Brandon y Sissy son también dos personas totalmente dañadas, y la película los presenta de esa manera. De apariencia pálida, con emociones distorsionadas, que esconden una tórrida historia que los ha convertido en los fantasmas que son. Porque si bien es cierto la historia nunca muestra cual es el pasado que ha convertido a ambos en lo que son, el momento en el que Sissy canta New York, New York refleja que ha existido un punto de quiebre o quizás varios en los pasados de los dos que los cambió totalmente. Esto también puede verse en la escena en la que ambos están viendo dibujos animados en televisión, los cuales aparecen borrosos, como si su infancia fuera igual de confusa.

El clímax de la cinta viene cuando la enfermedad de Brandon se descontrola y lo vemos buscando placer ante su propia incapacidad de tener sentimientos reales. La degeneración a la que llega es impresionante, lo obliga a encerrarse en sí mismo, trae consigo heridas en su rostro y concluye con la desgracia de su hermana. Al ver estos momentos recordaba mucho la actuación de Ray Milland en The Lost Weekend (1945) del genial Billy Wilder, donde el director con planos encerrados nos mostraba el laberinto de la adicción al alcohol que tenía su actor.

En el caso de Shame, la brillante actuación de Michael Fassbender como Brandon está acompañada de esa misma atmosfera intoxicante, llena de luces citadinas y largos planos que acompañan los movimientos del actor. En el papel de Sissy, Carey Mulligan también muestra una excelente actuación, demostrando que su notable actuación en An Education (2009) era solo el inicio de la que creo será una de las carreras más interesantes del futuro.

A ambos actores los vemos entregar el alma en la cinta, pero sin caer en la exageración sino en una naturalidad fría que ameritaban los personajes. El trato que McQueen le da a sus actores y en general a toda la cinta recuerda mucho a un John Cassavettes en sus mejores momentos como Faces (1968) y sobretodo A Woman Under the Influence (1974). Así tenemos escenas en las que el lente se distorsiona a propósito y donde los close ups juegan un rol fundamental para crear el ambiente de la narración.

Aunque creo que la cinta tiende a perderse por momentos, sobre todo al final cuando vemos el deterioro final del protagonista. Me parece que el resultado final es una cinta que cumple con su propósito, el cual es mostrar una adicción que es tanto enfermedad personal como de una sociedad. El final de la película hace el intento de ser redentor, pero el director acierta en dejar a la audiencia con la duda sobre el futuro de Brandon.

Para muchos Shame será una película fuerte que puede herir susceptibilidades, pero sin lugar a dudas esta entre lo mejor que se ha estrenado recientemente. La vergüenza a la que hace alusión la traducción del título en ingles está presente a lo largo de esta película que solo es apta para mayores de edad.

Los Vengadores

The Avengers del director Joss Whedon está en camino a convertirse en una de las películas más taquilleras de todos los tiempos. La expectativa de ver juntos a los superhéroes más populares de Marvel ha llamado la atención incluso de aquellos que no son seguidores de los comics.

Se puede decir que esta es la cinta debut de Whedon, conocido únicamente por haber dirigido episodios de algunas series de televisión como Glee o The Office. A pesar de ello el resultado final de The Avengers es positivo. Se trata de una cinta que cumple todos los requisitos de un buen blockbuster; es decir una historia puesta a disposición del brillo de sus personajes y de las escenas de acción.

Pero The Avengers a diferencia de otras cintas recientes como la saga de los Transformers, apuesta por la no saturación y más bien por un desarrollo que busca entretener más que impresionar. Por el contrario, la cinta carece de las profundidades en estilo y concepto que sí tienen las recientes entregas de Batman dirigidas por Christopher Nolan.

Pero creo que el mayor éxito de The Avengers es que permite que todos los superhéroes aparezcan importantes, otorgándole a cada uno de los actores que los encarnan la posibilidad de lucirse. No esperen ver un estudio de la personalidad de cada uno de los protagonistas porque sería imposible hacerlo en un film de 2 horas. Es un espectáculo en el que cada uno cumple un rol específico y de manera correcta.

Si bien es cierto la cinta tiene sus desaciertos, también existen momentos fuera de la acción que son rescatables sobre todo aquellos en que los superhéroes entran en juegos de palabras para ridiculizar sus poderes. Desde mi punto de vista, son Iron Man y Hulk quienes son mejor interpretados dentro del grupo. En el caso de Tony Stark, Robert Downey Jr. es el actor perfecto para encarnar al irónico y engreído multimillonario. Mientras que la inclusión de Mark Ruffalo, un gran actor, hace de este el mejor Hulk que yo haya visto hasta el momento. La actuación de Ruffalo le otorga mas realidad y cierta frescura al monstruo verde, a diferencia de las anteriores versiones de este personaje.

En general, The Avengers es un blockbuster con buen gusto que colma las expectativas de los fans y de la cual podrían sacarse buenas lecciones para otras cintas que buscan atraer público con historias absurdas acompañadas de exagerados efectos especiales.

El Árbol de la Vida

Hay películas que se caracterizan por su ambición, la mayoría de ellas fracasan en el intento de lograr todo lo que buscan poner en la pantalla. Pero también están aquellas pocas que logran su cometido y se convierten en hitos inmediatamente. The Tree of Life de Terrence Malick pertenece a este segundo grupo de películas ambiciosas.

Los primeros minutos de la cinta son un recorrido de imágenes que buscan mostrar la majestuosidad de la creación, entendida esta como una creación divina. Pareciera que estamos ante el relato del Génesis bíblico a través de los ojos de la naturaleza, creando formas a partir de la oscuridad y proyectando a través de fenómenos naturales lo que fue el inicio de la existencia del mundo.

Pero no es un documental televisivo, Malick asocia esta idea de la creación con la propia vida humana. La creación del mundo en paralelo a la creación de la persona. Pero la historia humana no busca ser majestuosa sino por el contrario bastante doméstica. La atención se concentra en una familia de clase media norteamericana, el esposo interpretado por Brad Pitt es un hombre que busca el éxito y que representa todo el estereotipo del paternalismo más estricto.

Por otro lado, está la madre y esposa interpretada por Jessica Chastain. Ella parece ser una figura de fortaleza sobrehumana, casi llena de gracia. Su presencia son chispazos de belleza, tiene los mejores momentos de la cinta, aquellos cargados con mayor humanidad. Y también están los tres hijos, donde pareciera que estamos ante la historia de Caín y Abel, donde el hermano mayor se ve consumido por la naturaleza humana y pecadora que lo aleja de todo aquello que representa la madre y la idea de Dios que le ha sido enseñada.

La película de Malick no es una cinta común, el relato no es lineal, alterna las imágenes de las escenas cotidianas con aquellas de paisajes y escenarios naturales  que simbolizan aquellos sentimientos que se quieren presentar. Los diálogos son cortos y se ven acompañados de un relato en voz en off que mezcla citas bíblicas con pensamientos aislados.

Lo notable de la película es esa ambición de mostrar en imágenes lo compleja que es la relación entre el hombre común y Dios. En como los seres humanos buscamos la divinidad pero no podemos comprenderla. El personaje de Sean Penn, que es el niño ya adulto, parece estar atrapado toda su vida en esa búsqueda. En el nacimiento de su hermano, lo vemos tratando de llamar la atención de la madre. Como niño lo vemos formando un carácter indomable como respuesta a la represión del padre. Ante la muerte del hermano, pidiendo respuestas a Dios sobre su propia vida.

Cuando empezamos a verlo, lo vemos encerrado entre grandes edificios de cristales que absorben la luz pero donde pareciera que no hubiera aire. Lo vemos rodeado de gente a su alrededor pero aislado en su propio luto. Sentimos como sus recuerdos de infancia lo persiguen como los perros que perseguía siendo niño.

Es cierto que al final, quedan muchos cabos sueltos pero que no son necesarios para completar la película. Malick usa todas las imágenes que puede para sugerir, para insinuar, para mostrar lo que quiere presentar. Pocas películas recientes se sustentan tanto en el poder de la imagen, en el lenguaje cinematográfico esencial. Los colores son maravillosos, cualquiera de las escenas podría ser un cuadro o una fotografía de galería. En las escenas que muestran a la familia y las historias humanas, Malick usa el mismo estilo que ya utilizó en películas como Badlands o Bound for Glory, es decir representar la intimidad de lo común o adentrarse en el estilo de vida americano tan superficial.

Pero Malick también es un director que sabe presentar historias colosales, como la llegada a América en The New World o la guerra en la brillante The Thin Red Line. En Tree of Life, Malick usa ambos estilos y de manera exitosa.

La fotografía juega un papel importantísimo en la cinta, sobre todo en las escenas familiares. Los cuadros muestran tanto los momentos de encierro emocional como aquellos de libertad e inocencia. Las actuaciones están notables, sobretodo Brad Pitt que se presenta como el ícono norteamericano, un Gary Cooper o un Spencer Tracy. Jessica Chastain también está más que bien en su actuación como la madre, me recordaba a una Liv Ullman o una Bibi Anderson en una de las cintas de Ingmar Bergman, cuya influencia además se siente en toda la película.

La escena final desde mi punto de vista era necesaria. Busca la liberación, el abrazo de la resignación y lógicamente es la aceptación de una voluntad superior a la humana. Tree of Life es una película filosófica, por lo que estoy seguro cada persona que la vea tendrá su propia interpretación. Es una cinta sobre la gracia, sobre el pecado, sobre la religión, sobre el espíritu. Pero no se trata de un relato histórico sino más bien de un viaje a aquellos sentimientos y pensamientos que se tienen cuando ha existido un encuentro con Dios. Hay que ver esta hermosa película que ganó la Palma de Oro el año pasado en el Festival de Cannes y estuvo nominada al Oscar a Mejor Película, ciertamente de lo mejor que he visto en mucho tiempo.

Lista Oficial del Festival de Cannes 2012

Michael Haneke posa junto a Isabelle Huppert y la Palma de Oro que ganó el 2009. Este año vuelve al ruedo.

Todos los años, después de la entrega anual del Oscar, la industria del cine entra en una especie de temporada de descanso artístico. Son pocos los títulos interesantes que aparecen en estos dos meses posteriores a la gran noche del cine. Pero las cosas empiezan a calentar la mañana que se anuncian las películas que competirán por la tan ansiada Palma de Oro del Festival de Cannes. De esta manera se empieza la carrera de premios y festivales que durará hasta febrero del próximo año.

Hoy día, se presentaron las 20 películas que competirán en este importante festival. Démosle una vista a algunos de los títulos y los directores que se verán este año en la Riviera francesa de Cannes.

Películas en Competencia (20 films)

Rust and Bone de Jacques Audiard

Holy Motors de Leos Carax

Cosmopolis de David Cronenberg

The Paperboy de Lee Daniels

Killing Them Softly de Andrew Dominik

Reality de Matteo Garrone

Love (Amour) de Michael Haneke

Lawless de John Hillcoat

In Another Country de Hong Sang-soo

Taste of Money de Im Sang-soo

Like Someone in Love de Abbas Kiarostami

The Angel’s Share de Ken Loach

Beyond the Hills de Cristian Mungiu

After the Battle (Baad el Mawkeaa) de Yousry Nasraliah

Mud de Jeff Nichols

You Haven’t Seen Anything Yet de Alain Resnais

Post Tenebras Lux de Carlos Reygadas

On the Road de Walter Salles

Paradise: Love de Ulrich Seidi

The Hunt (Jagten) de Thomas Vinterberg

-          Después de ver la lista de directores que se presentaran en Cannes, creo que no cabe duda que este ha dejado de ser un Festival que apueste por directores nuevos. Por el contrario, se ha convertido en el espacio perfecto para que cintas de autores consagrados encuentren la plataforma para ser exhibidas, lo cual lógicamente no hace que el festival sea menos en ningún modo.

-          De igual manera, no cabe la menor duda que Cannes se ha consolidado como el festival de cine más importante del mundo, al que acuden la crema y nata del cine mundial.

-          Ansío con muchísima anticipación la gran mayoría de cintas a presentarse en Cannes. Por ejemplo está Cosmopolis del gran David Cronenberg, un director de culto que no recibe el crédito que se merece y que es notable tanto en sus cintas de ciencia ficción como en sus dramas recientes como A History of Violence (2005), Eastern Promises (2007) y A Dangerous Method (2011).

-          Lee Daniels se consagró con la dolorosa Precious en el 2008, ahora estará en Cannes con The Paperboy, una thriller de suspenso protagonizado por John Cusack y Nicole Kidman.

-          La última película de Andrew Dominik fue la muy buena The Assasination of Jesse James by the Coward Robert Ford (2007), esta vez lo volvemos a ver dirigiendo a Brad Pitt en Killing Them Softly.

-          Michael Haneke probablemente esté entre mi top 10 de directores favoritos y quizás en el Top 10 de los mejores directores que trabajan en la actualidad. La última vez que estuvo en Cannes se llevó la Palma de Oro por la brillante The White Ribbon o La Cinta Blanca como llegó a nuestras salas en el 2009.

-          Abbas Kiarostami es otro de esos directores que despiertan pasión. Hay mucha anticipación para ver su Like Someone in Love.

-          En la lista tenemos a dos veteranos como el inglés Ken Loach y el francés Alain Resnais, cuyos trabajos no dejan de ser interesantes a pesar de tener casi medio siglo tras las cámaras.

-          El rumano Cristian Mungiu sorprendió al mundo entero en el 2007 con la brillante 4 luni, 3 saptamani si 2 zile o como llegó al Perú, 4 meses, 3 semanas y 2 días, probablemente una de las mejores películas que trate el tema del aborto. Una obra maestra que ese año se llevó la Palma de Oro.

-          El toque latino lo ponen el mexicano Carlos Reygadas y el brasilero Walter Salles con On the Road.  Esta última es una cinta de producción norteamericana protagonizada por Viggo Mortensen y es una de las favoritas entre las seleccionadas. Recordemos que Salles saltó a la fama mundial con Central Station en 1998 y fue atraído a Hollywood después de su Diarios de Motocicleta (2004)

-          Los documentales del austriaco Ulrich Seidi siempre llaman la atención, ahora vuelve a la ficción con Paradise: Love.

A pesar de no estar en competencia, hay otros títulos interesantes entre lo que se verá en Cannes 2012. Por ejemplo, la última tragicomedia del brillante Wes Anderson y Me and You del legendario Bernardo Bertolucci.

Es una pena que la mayoría de películas latinas no estén en competencia y hayan sido relegadas a la categoría de Una Cierta Mirada (Un Certain Regarde).

Un último dato, el año pasado fue en Cannes donde The Artist o El Artista empezó su carrera hacia el Oscar, la cinta le dio a Jean Dujardin el premio a Mejor Actor en el Festival y desde su estreno empezó a llamar la atención de la crítica.

La lista completa de cintas a presentarse en Cannes a continuación:

Función de Estreno

Moonrise Kingdom de Wes Anderson

Función de Clausura

Therese Desqueyroux de Claude Miller

Un Certain Regard (17 films)

Miss Lovely de Ashim Ahluwalia

La Playa de Juan Andrés Arango

Les Chevaus de Dieu de Nabil Ayouch

Trois Mondes de Catherine Corsini

7 Days in Havana de Laurent Cantet y Benicio Del Toro

Le Grand Soir de Benoit Delepine y Gustave de Kervern

Laurence Anyways de Xavier Dolan

Después de Lucia de Michel Franco

Aimer a Perdre la Raison de Joachim Lafosse

Mystery de Lou Ye

Student de Darezhan Omirbayev

La Pirogue de Moussa Touré

Elefante Blanco de Pablo Trapero

Confession of a Child of the Century de Sylvie Verheyde

11.25 The Day He Chose His Own Fate de Koji Wakamatsu

Beasts of the Southern Wild de Benh Zeitlin

Fuera de Competencia (3 films)

Hemingway & Gellhorn de Philip Kaufman

Madagascar 3 de Eric Darnell

Me and You de Bernardo Bertolucci

Funciones Especiales (5 films)

Polluting Paradise de Fatih Akin

Roman Polanski: A Film Memoir de Laurent Bouzereau

The Central Park Five de Ken Burns

Les Invisibles de Sebastien Lifshitz

Journal de Frande de Claudine Nougaret y Raymond Depardon

A Musica Segundo Tom Jobin de Nelson Pereira dos Santos

Villegas de Gonzalo Tobal

Mekong Hotel de Apichatpong Weerasethakul

Funciones de Medianoche (2 films)

Drácula 3D de Darío Argento

Ai To Kamoto de Takashi Miike

Las Peores Ganadoras del Oscar a Mejor Película

Un ejercicio constante de todas las revistas y blogs de cine es la elaboración de listas con películas o con elementos cinematográficos. Estos rankings buscan reflejar los gustos de quienes las elaboran y siempre están sujetas al debate. Una lista nunca debe ser considerada como un elemento sagrado, sino que justamente debe provocar los comentarios de quienes la leen.

La revista neoyorquina FilmComment ha elaborado una lista con las 40 Peores Ganadoras del Oscar a Mejor Película. He aquí la lista con mis comentarios al costado de cada título. De igual modo se ha incluido el nombre del director y el año que ganó el Oscar.

1. Crash de Paul Haggis, 2005

Coincido absolutamente. Una película sin pies ni cabeza, con una trama forzada, llena de manierismos visuales. Sin lugar a duda la peor de toda la lista de ganadores del Oscar, más aun considerando que le ganó a dos grandes como son Brokeback Mountain de Ang Lee y Munich de Steven Spielberg. Como será de mala que cuando Jack Nicholson abrió el sobre con el ganador, él mismo puso cara de sorpresa al darse cuenta del resultado. Una vergüenza.

2. Slumdog Millionaire de Danny Boyle, 2008

Nunca fui fanático de esta película que fue un éxito el año de su estreno, sin embargo creo que es exagerado ponerla en segundo lugar entre las peores ganadores del Oscar. Me parece que el premio fue excesivo y obedeció más a lo exótico del tema que a los logros de la propia cinta. De todos modos, considero que sí está entre las peores Oscarizadas.

3. Chicago de Rob Marshall, 2002

De acuerdo. Es increíble que le haya ganado a dos películas excepcionales como Gangs of New York de Martin Scorsese y The Pianist de Roman Polanski. Es un musical entretenido pero ahí queda.

4. Forrest Gump de Robert Zemeckis, 1994

De acuerdo. Más allá de los efectos especiales, no es más que una novela de 3 horas que fuerza las lágrimas a como dé lugar. Ese año cualquiera de las otras nominadas era de lejos mejore película, sobretodo Pulp Fiction de Tarantino y The Shawshank Redemption.

5. A Beautiful Mind de Ron Howard, 2001

De acuerdo. Otra película que apela a la sensibilidad extrema para ganar premios.

6. Gladiator de Ridley Scott, 2000

No muy de acuerdo. Es un espectáculo interesante, sin embargo ese año debió ser de Traffic de Steven Soderbergh o de Crouching Tiger, Hidden Dragon de Ang Lee: ambas son cintas superiores.

7. American Beauty de San Mendes, 1999

En desacuerdo. A pesar que la crítica no la trata bien, a mí sí me parece una película interesante.

8. Shakespeare in Love de John Madden, 1998

De acuerdo totalmente, yo la pondría en el segundo lugar de la lista. Una comedia simple, sin mayor ambición, con un trato mediocre. Estuvo nominada al lado de dos obras geniales como Saving Private Ryan y The Thin Red Line de Terrence Malick.

9. Braveheart de Mel Gibson, 1995

De acuerdo. Un intento fallido de volver al cine épico.

10. Titanic de James Cameron, 1997

En desacuerdo. No soy de los críticos de Titanic, le reconozco la capacidad para poner en escena un espectáculo con aires clásicos. No me parece una mala película sin embargo le ganó a L.A. Confidential de Curtis Hanson que es mejor película.

11. Driving Miss Daisy de Bruce Beresford, 1989

De acuerdo. A pesar que soy fanático de Jessica Tandy o Morgan Freeman, esta película pudo haber sido fácilmente una cinta para televisión.

12. Dances with Wolves de Kevin Costner, 1990

En desacuerdo. Como en Titanic, le reconozco la ambición por traer un género que estaba muriendo. No me parece una mala película aunque yo hubiera votado por Goodfellas de Scorsese ese año.

13. The Greatest Show on Earth de Cecil B. DeMille, 1952

De acuerdo. DeMille era un genio pero esta es para mi gusto una de sus películas menos vistosas. Ese año debió ganar High Noon de Fred Zinnemann.

14. The King’s Speech de Tom Hooper, 2010

De acuerdo. Debió ganar The Social Network de David Fincher.

15. The English Patient de Anthony Minghella, 1996

De acuerdo. Se repite la fórmula de sentimentalismo con película de época que parece ser fija para ganarse un Oscar últimamente.

16. Amadeus de Milos Forman, 1984

En desacuerdo. Es una de las mejores películas de la década del 80. Grandes actuaciones, una visión espectacular de la época por parte del director.

17. Around the World in 80 Days de Michael Anderson, 1956

De acuerdo. Me parece demasiado larga y poco estructurada.

18. Chariots of Fire de Hugh Hudson, 1981

De acuerdo. Otra cinta que apela al sentimentalismo heroico de gente común.

19. Gandhi de Richard Attenborough, 1982

De acuerdo. Es un biopic simple, que no aporta nada nuevo, se queda en el relato sencillo de la vida de Gandhi.

20. Mrs. Miniver de William Wyler, 1942

En desacuerdo. Me encanta esta película de propaganda del viejo Wyler. Grandes actuaciones y una visión realista de la Guerra.

21. Terms of Endearment de James L. Brooks, 1983

En desacuerdo. La mezcla de drama y comedia se logran con éxito en esta cinta con buenas actuaciones y un guion encantador. Tengo que admitir que es una de mis favoritas.

22. The Lord of the Rings: The Return of the King de Peter Jackson, 2003

De acuerdo. Siempre creí que la trilogía en general estaba sobre apreciada. Son películas con muchos efectos especiales y nada más.

23. The Sound of Music de Robert Wise, 1965

En desacuerdo. The Sound of Music es una muestra de cómo se hacía cine en el Hollywood clásico. Un musical familiar para todas las edades.

24. Ben Hur de William Wyler, 1959

En desacuerdo. Es una película excepcional, que combina el espectáculo con el drama histórico. Las escenas de acción son perfectas. Creo que está entre lo mejor del Oscar.

25. Rain Man de Barry Levinson, 1988

De acuerdo. Otra cinta simple, sin mayor ambición.

26. Million Dollar Baby de Clint Eastwood, 2004

En desacuerdo. Está entre lo mejor que ha hecho Eastwood recientemente, una película de autor, con notas personales, una imagen maravillosa y buenas actuaciones. Es uno de los Oscar más justos de los últimos años.

27. Cimarron de Wesley Ruggles, 1931

En desacuerdo. Me parece una cinta interesante, a pesar de su sencillez. Creo que es una precursora de cintas como Gone with the Wind o Jezebel.

28. Rocky de Sylvester Stallone, 1976

Totalmente de acuerdo. Yo la pondría en tercer lugar. Rocky es la quintaesencia de la película que busca hacer llorar por hacer llorar.

29. No Country for Old Men de Joel & Ethan Coen, 2007

En desacuerdo. Una obra maestra, genial por donde se vea. Los hermanos Coen en su mejor momento. No debe estar en esta lista.

30. Out of Africa de Sydney Pollack, 1985

De acuerdo. Otra cinta romántica con una historia de época.

31. Tom Jones de Tony Richardson, 1963

De acuerdo. Es una comedia hilarante y atrevida pero nada más. Creo que el Oscar fue exagerado.

32. The Deer Hunter de Michael Cimino, 1978

En desacuerdo. Otra obra maestra que quizás esté entre lo mejor del cine de todos los tiempos.

33. Oliver! de Carol Reed, 1968

De acuerdo. Tiene elementos muy teatrales que le restan solidez.

34. Ordinary People de Robert Redford, 1980

De acuerdo. Más allá de la historia y las actuaciones, la cinta nunca se consolida totalmente. Es casi un escándalo que le haya ganado a Raging Bull de Scorsese.

35. Kramer vs. Kramer de Robert Benton, 1979

De acuerdo. Por los mismos argumentos que la anterior. En este caso debió ganar Apocalypse Now de Coppola o All That Jazz de Bob Fosse.

36. The Sting de George Roy Hill, 1973

De acuerdo. No es una mala película pero creo que el Oscar le queda grande.

37. Cavalcade de Frank Lloyd, 1933

De acuerdo. No deja de ser buena, pero este año hubieron nominados de lujo.

38. Platoon de Oliver Stone, 1986

En desacuerdo. Aunque creo que es una de esas películas que está dentro de la zona gris en la lista del Oscar.

39. A Man for All Seasons de Fred Zinnemann, 1966

En desacuerdo. La vida de Santo Tomás Moro es llevada al cine con la pulcritud inglesa que caracterizó su vida.

40. Marty de Delbert Mann, 1955

De acuerdo. Esta película no ha envejecido bien, e incluso para su tiempo se muestra demasiado televisiva, carente de elementos cinematográficos relevantes.

Para mi gusto, las 25 peores ganadoras del Oscar a Mejor Película en orden de peor a mala son:

1. Crash, 2005
2. Shakespeare in Love, 1998
3. Rocky, 1976
4. The Lord of the Rings, The Return of the King, 2003
5. A Beautiful Mind, 2001
6. Rain Man, 1988
7. Chariots of Fire, 1981
8. Going my Way, 1944 (una película pequeña y sencilla protagonizada por Bing Crosby con nada interesante en ella)
9. Braveheart, 1995
10. The English Patient, 1996
11. Forrest Gump, 1994
12. Chicago, 2002
13. Marty, 1955
14. Slumdog Millionaire, 2008
15. Tom Jones, 1963
16. In the Heat of the Night, 1967 (ganó el Oscar más que por los méritos cinematográficos de la película, por el mensaje antirracista del momento)
17. Ordinary People, 1980
18. Gandhi, 1982
19. Out of Africa, 1985
20. Drving Miss Daisy, 1989
21. Gladiator, 2000
22. Around the World in 80 Days, 1956
23. Kramer vs. Kramer, 1979
24. Oliver!, 1968
25. The Sting, 1973

Y ustedes que piensan???