Los Globos de Oro

Arnold Schwarzenegger con el Globo de Oro que ganó en  1977
 por Stay Hungry

Todos los años, Hollywood y sus estrellas se paralizan por dos meses ante la denominada Temporada de Premios. Durante estas semanas, grupos de críticos, los distintos sindicatos y otros colectivos entregan premios a lo que han considerado lo mejor del año pasado. La temporada de premios termina con el más importante de ellos y quizás al cual giran alrededor todos los demás, el Oscar.

Nadie duda que el Oscar es el galardón más trascendental del cine, más aun cuando en años recientes cada vez hay más premios en la industria; sin embargo ha habido una ceremonia que se ha ido ganando un lugar especial dentro del mundo del celuloide, esa es la entrega de los Globos de Oro. Aclaro que se ha ido ganando, porque en sus inicios los Globos de Oro eran un premio más, sin mayor relevancia; pasaron varias décadas hasta que la industria los empezó a tomar en serio.

Dentro de la jerga fílmica, es usual escuchar que el Globo de Oro es el hermanito menor del Oscar. No solo porque no ha podido quitarle el protagonismo al Premio de la Academia, sino porque pareciera que el Globo de Oro busca parecerse al hombre dorado en la elección de sus nominados y ganadores. No es coincidencia que casi siempre los ganadores de ambos premios sean los mismos. Podría decirse que dentro de la carrera por ganarse un Oscar, ayuda mucho haberse ganado antes un Golden Globe.

Ben Affleck y Matt Damon ganarian el Globo de Oro por el guion de Good Will Hunting en 1998, unas semanas después también se llevarían el Oscar. Affleck esta nominado este año por Argo.

Pero quien entrega los Globos de Oro? La respuesta a esa pregunta permite entender mucho mejor el sentido del premio. Los Globos de Oro son el premio oficial de la HFPA (Hollywood Foreign Press Association) en español  la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood. Y quienes forman este grupo? Los medios de comunicación de todo el mundo tienen periodistas, comentaristas y reporteros acreditados en Hollywood, quienes son los que transmiten las noticias del negocio del cine a sus respectivos países. Estos hombres de prensa extranjeros son quienes forman la HFPA. No llegan a ser ni 200, no son personas que trabajan dentro de la industria y tampoco se trata de críticos de cine. Son básicamente un grupo de reporteros que les gusta el cine y que desde hace 70 años decidieron tener su propio premio.

Pero como ya se mencionó, el Globo de Oro se ha ido ganando un lugar dentro de la temporada de premios. A su favor está que a pesar de todo, su entrega ha tenido continuidad y no ha desaparecido como muchos otros galardones que fueron apareciendo. Si bien es cierto, no ha podido escapar de la sombra del gran Oscar, la industria aprovecha la entrega de los Globos de Oro como oportunidad para tener una ceremonia que no tiene la rigidez del protocolo de la Academia.

También es verdad, que la industria no se toma muy en serio al Globo de Oro, así va ser muy raro que en el tráiler de una película diga Ganador o Nominado al Globo de Oro antes del nombre del algún actor o director; sin embargo siempre veremos que de ser el caso, un ganador del Oscar siempre pone su laurel antes de su nombre.

Otra particularidad del Globo de Oro es que no solo premia al cine, ya que tiene categorías para lo mejor de la televisión. De igual modo, un detalle del Globo de Oro es que a diferencia del Oscar, divide sus premios en dos, las películas dramáticas por un lado y las comedias o musicales por otro. Así tenemos que por ejemplo, hay dos Mejores Actrices del Año, una en drama y la otra en comedia o musical.

Esto ha permitido que exista más variedad entre los ganadores del Globo de Oro que en otro premio de cine, sobre todo ante un Oscar que se muestra tan resistente a acoger a las comedias entre sus ganadores. Cuando uno revisa la lista de ganadores del Globo de Oro en su historia, se encontrará con gratas sorpresas que no llamaron la atención de otro premio más que este. Sin embargo, es cierto también que la HFPA tiene una marcada tendencia a nominar y premiar figuras consagradas antes de apostar por nuevos talentos e irónicamente han sido muchos talentos extranjeros los que han sido dejados de lado por el Globo de Oro dándole ese lugar a algún nombre de prestigio.

Otra característica particular de los Golden Globe es su premio honorifico, el cual se entrega todos los años y lleva el nombre del legendario director Cecil B. DeMille. A diferencia del Oscar Honorifico, el Cecil B. DeMille se entrega a una figura importante dentro del cine pero cuya carrera sigue vigente. La lista de ganadores del Cecil B. DeMille es ciertamente mucho más justa que la de otros premios y puede decirse que es uno de los puntos altos que tiene este premio. Este año la ganadora de este honor será Jodie Foster.

Rosalind Russell mira el legendario perfil de Alfred Hitchcock
después de entregarle el  premio Cecil B. De Mille

Este domingo 13 se celebraran las boda de titanio de los Globos de Oro, ya no son la ceremonia a la que ningún nombre de peso asistía; por el contrario se trata de un premio que se ha ganado un nombre propio. A continuación, algunos detalles y records de este premio en sus 70 años de existencia.

Jack Nicholson con el premio que ganó por About Schmidt (2002)

Ganadores Históricos

Película con más Globos de Oro: Doctor Zhivago (1965), Love Story (1970), The Godfather (1972), One Flew over the Cukoo´s Nest (1975) y A Star is Born (1977), todos estos títulos ganaron 5 premios.

Actor con más Globos de Oro: Jack Nicholson tiene 6, todos por actuaciones en cine.

Actriz con más Globos de Oro: Meryl Streep tiene 8, 1 de ellos por TV y los otros por cine.

Meryl Streep el año pasado ganando por The Iron Lady (2011)

Nominados Históricos

Película con más Nominaciones al Globo de Oro: Nashville (1975) obtuvo 9 nominaciones pero solo ganó en una categoria, le siguen Cabaret (1972), Bugsy (1991) y Titanic (1997),  todos con 8 nominaciones.

Actor más Nominado: Jack Lemmon con 22 nominaciones, pero algunas de ellas por actuaciones en TV. Le sigue Jack Nicholson con 19 nominaciones, todas por actuaciones en el cine.

Actriz más Nominada: El record lo tiene Meryl Streep con 27 nominaciones en su carrera, algunas tambien fueron por actuaciones en TV.

Previa a las Nominaciones al Oscar 2013



Ganadores Tim Robbins y Sean Penn junto a Clint Eastwood,
con los Oscar que ganaron por Río Mistico en 2003

 

Mañana la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunciará las nominaciones al Oscar de este año. El anuncio lo harán el anfitrión de la ceremonia, el comediante Seth MacFarlane y la actriz Emma Stone.

La industria del cine espera con anticipación el anuncio de la Academia, porque representa el punto de llegada de una carrera en la cual los estudios han tratado de publicitar sus películas dentro de los miembros votantes del Oscar, así mismo los distintos grupos de críticos y otros premios ya han presentado sus propias elecciones, tratando de influenciar en algo la lista de nominados a la estatuilla dorada.

Que se puede esperar para mañana? La respuesta es que todo puede pasar, la Academia tiene acostumbrados a sus seguidores a sorprender con algún nominado en alguna categoría que nadie preveía. De igual modo, no sorprende que muchas veces se pasen por alto algunos nombres que realmente estaban entre lo mejor del año pasado.

Pero hay algunas cosas ciertas. La película de Steven Spielberg, Lincoln, probablemente reciba el mayor número de nominaciones, calculo que 12 o 13; convirtiéndose en una de las mas nominadas de todos los tiempos. Las nominaciones a Mejor Película, Director para Spielberg, Actor para Daniel Day Lewis y actores secundarios para Sally Field y Tommy Lee Jones son un hecho.

Otro título que sonará fuerte mañana es Argo de Ben Affleck, me imagino que serán 6 nominaciones las que reciba aunque pueden ser más. Lógicamente Affleck tiene la nominación fija a Mejor Director pero sería una gran sorpresa verlo dentro de los finalistas en la categoría de Mejor Actor.

Life of Pi o Una Aventura Extraordinaria, que está en nuestras carteleras, también estará entre lo mejor del año. Se espera su presencia sobretodo en las categorías técnicas, que sumadas a las nominaciones a Mejor Película y Mejor Director para Ang Lee, pueden hacer que este film logre 9 nominaciones aproximadamente.

Según mis predicciones, calculo que tanto Django Unchained de Quentin Tarantino y Zero Dark Thirty de Kathryn Bigelow recibirán 8 nominaciones cada una, incluyendo Mejor Película. Bigelow parece fija como nominada a Mejor Director, lo cual sería histórico al ser la primera mujer en estar nominada por segunda vez en esta categoría, pero Tarantino no es tan seguro, así hay varios directores en el bolo.

Entre los actores que sonaran mañana están Naomi Watts por The Imposible, Jessica Chastain por Zero Dark Thirty, Anne Hathaway y Hugh Jackman por Les Miserables y ojalá que Joaquin Phoenix en The Master. La francesa Los Intocables es fija como Mejor Película Extranjera al igual que Amour de Michael Haneke, ganadora del Festival de Cannes el año pasado.

En fin, una vez anunciadas las nominaciones empieza la carrera hacia el Oscar, la cual tendrá un momento importante este domingo en los Globos de Oro. Mañana veremos que sorpresas nos trae la siempre impredecible Academia.

Ralph El Demoledor

Desde finales de la década del 20, Walt Disney fue indubitablemente el rey del cine de animación en el mundo. Su estudio produjo las más memorables y recordadas películas animadas de las que haya recuerdo en el mundo del celuloide. El mismo Walt Disney era el motor detrás de sus películas, siempre buscando historias sencillas acompañadas de innovaciones técnicas que atraigan a la gente a las salas de cine.

Walt Disney fue un pionero y su nombre quedará en la perpetuidad como una de las personas más importantes en la historia. Tras la muerte de Disney a mediados de la década del 60, su estudio empezó a caer y sus cintas animadas empezaron a ir perdiendo su brillo. En los 90 hubo un resurgimiento con The Beauty and the Beast (1990), Aladdin (1992) y The Lion King (1994). Pero en la última década las cintas de Disney se veían opacadas por las mucho mejor logradas películas de Pixar como Wall-E (2008),  The Incredibles (2004) o Up (2009), además de los esfuerzos de cineastas independientes como Tim Burton y la creciente fuerza de cintas basadas en mangas orientales.

La última película de Disney es Ralph el Demoledor o Wreck-It Ralph (2012), película basada en un personaje de videojuego que desea dejar de ser el villano para convertirse en héroe. En su peripecia, conoce a una niña que es avatar en otro videojuego y que al ser considerada una falla, no puede participar en su mundo.

Los personajes de Disney siempre han sido parias de sus grupos, Dumbo, Bambi, Pinocho y hasta la Cenicienta eran seres que no encajaban, que eran marginados por alguna razón. Ralph y Vanelope entran en esta línea de figuras animadas que no se hallan y que van en busca de su identidad.

La historia parte una premisa acertada, sin embargo el desarrollo del relato cae en varios desaciertos. En vez de apostar por una narración simple, la trama se complica demasiado, prolongándose innecesariamente. La moraleja que viene acompañada al final parece demasiado forzada por los excesivos esfuerzos que se hacen para llegar a ella. No hay duda que se trata de un film que es disfrutable pero que está lejos de las cintas clásicas de Disney.

Los mejores momentos de la película son cuando se nos presentan a personajes de videos juegos conocidos como los de Street Fighter o al viejo PacMan, en esos momentos nuestros recuerdos se ven plasmados en la pantalla. Desgraciadamente estos momentos son escasos y no fueron explotados del todo. Wreck-It Ralph es la última cinta de animación del 2012 que veremos en nuestra salas, en un año que no ha sido muy bueno para el cine animado; con la única excepción de Frankenweenie (2012) de Tim Burton, las demás películas animadas de este año ha sido poco más que mediocres.

Recomiendo llegar temprano a la sala para ver esta película, el corto animado que presentan antes de la misma está muy bueno y vale la pena verlo tanto o más que al propio Ralph. 

Lo Imposible

Uno de los sub géneros cinematográficos más populares es aquel del cine de desgracias. Sin embargo, Hollywood repite constantemente la misma fórmula en estas películas, que generalmente empiezan con la presentación de los personajes en la normalidad, luego el fenómeno natural o artificial que cambia su status quo y la lucha por la supervivencia luego de ocurridos los hechos.

Este tipo de películas empezaron en la década del 70, con títulos notables como The Poseidon Adventure (1972), The Towering Inferno (1974) y Earthquake (1974). En estas no solo se contaba con un gran reparto de actores sino que se mezclaba de manera eficiente el impacto visual de la catástrofe con las historias humanas que se veían golpeadas por la desventura.

Desde finales de la década del 90 y a propósito de las innumerables predicciones sobre el fin del mundo, Hollywood volvió al género pero dándole mayor importancia a los efectos visuales que a las historias de fondo. Dentro de este grupo de películas súper taquilleras están Independence Day (1996), Armageddon (1998), The Great Storm (2000), The Day after Tommorrow (2008) y otras varias más; dentro de las cuales incluso se puede considerar a Titanic (1997).

Lo Imposible o The Impossible (2012) entra definitivamente en este género de cintas tragedia. La historia gira en torno a la supervivencia de una familia luego del desastroso tsunami ocurrido en vísperas de año nuevo en Tailandia el año 2004.

El director J.A. Bayona, nos relata una historia cargada de elementos sentimentales, con fuertes imágenes visuales que buscan hacer sentir al espectador la tragedia en carne viva. Por momentos la pantalla se torna totalmente oscura y solo escuchamos el agua que corre y golpea, en otros las imágenes de los personajes siendo revolcados por el mar causan impacto. Pero Bayona se aleja de las típicas películas de tragedia contando una historia familiar, donde una madre y un hijo se vuelven cómplices dentro de las peores circunstancias. Son estos momentos y aquellos en los que vemos el reencuentro de personas que han vivido lo mismo, en los cuales la sensibilidad de la cinta llega a su clímax y puede provocar más de una lagrima en quien la ve.

The Impossible (2012) es definitivamente un trabajo ambicioso, pero con varios defectos sobretodo en su narración. Muchas de las escenas son demasiado largas e incluso repetitivas, dejando espacio para momentos de tedio innecesarios. De igual modo, Bayona nunca dibuja por completo a sus personajes, así pareciera que al inicio solo vemos escenas que no hacen más que esperar el momento del tsunami. Aparte de los roles principales de la madre y el hijo, los demás personajes se pierden en el relato. Pareciera que Bayona en su deseo de darle un aire más sofisticado a una película de género, lograra justamente que la estructura central de la historia se pierda en demasiadas ramas.

Lo más notable de la cinta son los aspectos técnicos, como el maquillaje, el sonido, la música de fondo y los muy logrados efectos visuales. También, el trabajo del pequeño Tom Holland es notable y prometedor. Pero la cinta le pertenece a Naomi Watts, que es una de las mejores actrices de nuestros tiempos y cuyo amplio rango de interpretación le permite mostrarse como una madre sensible y como una luchadora al borde de la muerte. Con esta actuación, Watts tiene muchas posibilidades de conseguir una merecida nominación al Oscar la próxima semana.

The Impossible es un buen intento por renovar una cinta de género, pero con defectos que no la hacen completa. Eso sí, no olviden llevar sus pañuelos y tissues cuando vayan a verla, las lágrimas están aseguradas.

Una Aventura Extraordinaria

Las mejores películas son aquellas que logran que el espectador experimente sensaciones que solo el arte puede lograr. Es por eso que el cine que trasciende en el tiempo es aquel que logra estimular, a través de las imágenes en movimiento, los pensamientos y los sentimientos.

Una Aventura Extraordinaria o en su título original Life of Pi (2012), que traducido significa La Vida de Pi, es una de esas películas que no se olvidan fácilmente; no solo por el trasfondo increíble de su historia sino por el espectáculo visual que se ha experimentado.

Pi es un joven indio cuya familia trabaja en un zoológico. Los problemas económicos hacen que Pi deba viajar al occidente para buscar un mejor porvenir, sin embargo la desventura hace que el barco naufrague, siendo Pi uno de los pocos sobrevivientes junto a otros animales entre ellos un tigre. Desde ese momento la cinta narra una historia de supervivencia tan alucinante como alucinada, llena de momentos emocionantes e inspiradores.

Life of Pi está dirigida por Ang Lee, que puede ser uno de los pocos directores actuales a quien sí se le puede considerar un genio. Lee es un maestro en contar historias humanas, muchos de los dramas que ha dirigido son películas casi perfectas y que van desde los dramas familiares como The Ice Storm (1997) a la historia de amor más controversial de la última década como lo fue Brokeback Mountain (2005), pasando por adaptaciones literarias como Sense and Sensibility (1996) y la genial y poco recordada Lust, Caution (2007) que quizás sea una de las mejores obras de la historia del cine romántico-erótico. Pero el Taiwanés Lee es también un maestro de la imagen, en el año 2000 revolucionó el cine de acción y de artes marciales con la impresionante Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000), que en el Perú se vio como El Tigre y el Dragon, sin lugar a duda una obra maestra.

En Life of Pi, el director Lee mezcla la narración dramática con el espectáculo visual. Para eso crea imágenes digitalizadas de manera impresionante, acompañadas de una música con influencias hindúes y la actuación de actores poco conocidos. Si el año pasado The Tree of Life (2011) de Terrence Malick fue la experiencia religiosa en el cine, este año ese sitio lo ocupa esta película. Desde un inicio sabemos que estamos ante un relato espiritual, que provoca crear dudas sobre la fe y que opone al hombre frente a una naturaleza que le es esquiva y a la vez cotidiana.

Ambas películas tienen en común que al final logran con su objetivo, es decir que han dejado una huella en el espectador que no es fácil de olvidar. Como dice una crítica gringa, no es una película para ver sino una película para vivir.

Estoy seguro que Life of Pi arrasará en las categorías técnicas de los Oscar que se vienen, además de una segura nominación a Mejor Película. Una recomendación es que hay que ver la cinta en 3D, para poder apreciar en toda su magnitud la calidad de las imágenes. Una Aventura Extraordinaria es de las primeras películas que tenemos en cartelera que veremos en la próxima temporada de premios así que hay que disfrutarla. Totalmente recomendable.

Moonrise Kingdom

Hay directores de cine que han hecho de su estilo de hacer películas, una especie de sello personal que se repite en cada una de sus cintas y que, a pesar de ser repetitivo en algunos aspectos, no deja de ser interesante. Es el caso por ejemplo de las cintas oscuras y góticas de Tim Burton, David Cronenberg nos tiene acostumbrados a sus escenas viscerales con un drama casi grotesco. El genio de Quentin Tarantino radica en el cine pop al que nos tiene acostumbrados, usando influencias personales de la televisión y del cine, etc.

Dentro de este grupo de grandes directores que han hecho de sus obras una constante de estilo está Wes Anderson. A pesar que su filmografía no tiene más de diez títulos; este joven director nos ha presentado desde su ópera prima, Bottle Rocket (1998), historias con personajes excéntricos, con una trama dramática pero que es en el fondo una comedia satírica con fuertes componentes críticos a la sociedad actual.

Anderson se especializa en contar historias irónicas, donde los personajes encierran mundos interiores que son indescifrables. Donde la aparente belleza que muestran los espacios se ve resquebrajada con la frialdad y crueldad que tienen los seres humanos que los ocupan.

En Moonrise Kingdom (2012), Wes Anderson nos presenta una familia tan excéntrica como los Tenenbaums en la genial The Royal Tenenbaums (2001) o los Zissou en la menos brillante The Life Aquatic with Steve Zissou (2004). Pero en esta oportunidad, a esta familia de inconformes los acompañan sujetos igual de caricaturescos, como si todo el pueblo de Rushmore (1998) se hubiera mudado a esta pequeña isla donde se da la historia.

Sam y Suzy son dos niños que están enamorados y que deciden iniciar una vida juntos. Para ello, Sam escapa de un singular y estereotipado campamento de scouts y Suzy debe salir de la familia donde no encuentra más que inconformidad. La historia se va a desarrollar alrededor de este par de niños que muestran una madurez impresionante, sin dejar de lado una inocencia conmovedora.

El director no busca decorar el hecho que sean figuras infantiles, por el contrario explota la inocencia sin llegar al ridículo pero los presenta como unos adultos frente a unos verdaderos adultos que actúan como niños.

Los personajes adultos son los padres de Suzy, interpretados por Bill Murray y Frances McDormand; el líder de los scouts interpretado por Edward Norton, el capitán de la policía interpretado por Bruce Willis, la mujer sin nombre de Servicios Sociales interpretada por Tilda Swinton, y otros personajes más que incluyen al narrador de la historia que aparece como un duende de rato en rato.

Todos estos “adultos” son figuras dolidas, que esconden detrás de una escalofriante pasividad un dolor que los mantiene en la miseria. Mientras se desenvuelven en la pantalla, es inevitable no sentir pena por ellos, sus vidas sin ridículas sin embargo existe una empatía evidente con el espectador.

El estilo de narración de Anderson, incluye planos largos que muestran escenarios completos como la casa de los Bishop, los grandes bosques, el campamento scout y otros. Acompañados de canciones folk que cuentan historias con sus propias letras. El color de la imagen hace alusión a esos tonos pasteles muy de moda en la década del 60 donde se realiza la historia. Para no desvincularse del aire infantil, se recurre a imágenes de cuentos, al uso de mapas para mostrar recorridos y lógicamente a la actuación de varios niños en casi toda la cinta.

El resultado final es delicioso. Anderson nos da una historia de amor como muy pocas veces se ha visto en el cine. Sin un sentimentalismo absurdo sino más bien con elementos de madurez que la hacen atractiva y hasta por momentos repulsiva. No se trata de una película convencional, ninguna obra de Wes Anderson lo es, por lo que algunos espectadores no van a encontrarle sentido a la trama o a la narración en un primer momento.

Pero es una película que hay que ver completa para sacar conclusiones, no hay forma de no enternecerse con estos seres que vemos en pantalla. Todos ellos esconden una simpatía que hay que descubrir y con la que todos se pueden identificar. Moonrise Kingdom es otro de los títulos que tenemos en cartelera que al parecer  será un contendor en los Oscar, por lo que no se la pueden perder. Totalmente recomendable. 

Argo

Ben Affleck es una de esas personalidades del cine que construyeron su fama tanto con sus películas como por su vida personal. Como actor, Affleck tuvo dos etapas en su carrera. Desde su actuación en Good Will Hunting (1997) hasta bien entrada la primera década del nuevo siglo, sus participaciones en el cine no solo eran opacadas por sus constantes matrimonios y divorcios, sino porque ninguna de ellas valía la pena. Luego de esa época de aparente inmadurez, Affleck empezó a buscar papeles que lo desafiaran más, en ese momento lo vimos en cintas como Hollywoodland (2007), donde interpretaba al actor George Reeves y que le valió la Copa Volpi en el Festival de Venecia,  o The Company Men (2010).

A pesar de los premios y menciones, Ben Affleck no es un gran actor, lo cual no significa que sea uno malo. Pero es evidente que la suya no es una carrera actoral que haga temblar a un Pacino o a un Nicholson.  En el año 2007, Ben Affleck se puso detrás de las cámaras y dirigió Gone Baby Gone (2007) y luego The Town (2010), ambas cintas con matices policiales y familiares. Para sorpresa de propios y extraños, las dos películas dirigidas por el actor fueron un éxito a nivel de crítica y en la taquilla.

En The Town, Ben Affleck mostraba un estilo urbano para dirigir. Con una notoria influencia del cine clásico de acción, aquel que sabe repartir la emoción entre la acción y el drama. No era un thriller como los modernos que solo buscan explosiones sin sentido, pero tampoco era una historia basada solo en diálogos y buenas actuaciones. Era una mezcla de ambos estilos, la cual funcionaba muy bien.

Ese estilo es el que Affleck vuelve a usar en Argo (2012), una película basada en eventos de la vida real que nos relata como un agente de la CIA tiene que producir una película falsa para poder “extraer” a seis fugitivos de un ataque a la Embajada Norteamericana en Irán.

En apariencia se podría decir que estamos ante un thriller político, los primeros cuadros de la cinta nos hacen pensar eso. Pero la historia se va desenvolviendo entre las frías oficinas gubernamentales de la CIA; la claustrofóbica vida de los fugitivos y rehenes y el lujo y banalidad del mundo de Hollywood.

El director consigue hilar todos estos espacios de manera dinámica, obteniendo una película emocionante, con momentos de alta tensión. Sin embargo, la narración no abandona ese espíritu urbano y sombrío mencionado en estas líneas.

Para crear un ambiente donde el espectador se sienta familiarizado, Affleck apuesta por movimientos de cámara rápidos, mezclando escenas de movimiento con mucha gente con escenas cerradas a los rostros de sus actores.

Otro recurso que se utiliza es el uso de fotografías distintas en la imagen. Las escenas de los rehenes o fugitivos tienen una calidad de película documental de finales de los años 70. Mientras que las escenas donde se toman las decisiones o aquellas en Hollywood son filmadas con una nitidez que las hacen modernas.

Para las escenas de emoción, Affleck sigue los pasos de Alfred Hitchcock creando situaciones que cada vez se hacen más complicadas y que tienen al espectador en el límite de su butaca. Y al mejor estilo de Hitch, no cae en la exageración sino en la sutileza, lo cual permite que todas esas ocurrencias sean totalmente creíbles.

El trabajo actoral es muy bueno aunque no es impresionante en su conjunto. El mismo Affleck actúa como el agente Tony Méndez, su actuación es despreocupada y convincente. Pero el show se lo roban Alan Arkin y John Goodman, el primero interpreta al productor Lester Siegel y el segundo hace del ganador del Oscar John Chambers.

Este par de viejos actores son el hilo emocional de la cinta, sus papeles son carismáticos, paternales, entrañables. Son la dosis necesaria de humor para que la cinta no caiga en el tedio, lo cual es justamente la esencia de una actuación secundaria en films como este. Puedo vaticinar nominaciones al Oscar para ambos el próximo año.

Lo único reprochable en Argo, es que en algunos momentos pequeños cae en una innecesaria reflexión sobre lo correcto moralmente. Es evidente que Affleck busca impregnarle un comentario político a su cinta; que permita ver que muchos de los problemas diplomáticos de Estados Unidos podrían resolverse con la cooperación en vez de caer en absurdas decisiones nacionalistas que buscan preservar la imagen de potencia o los intereses personales de los gobernantes del momento. Sin embargo, estos pequeños momentos son aislados y no le restan calidad al resultado final.

Argo es una muy buena película, dirigida con madurez por un Ben Affleck que debe dedicarse a dirigir para lograr una verdadera herencia fílmica. La dirección artística es impecable, todos los escenarios y características de la época están perfectamente recreados. Mientras que la banda sonora contiene éxitos del rock de la época como Dire Straits y esas canciones psicodélicas influenciadas por las películas de ciencia ficción de inicios de los 80.

La crítica especializada en Estados Unidos ya puso a Argo como una de las favoritas para el Oscar del próximo año, lo cual es una razón más para ver esta emocionante, entretenida y muy interesante película que enriquece nuestra cartelera. Totalmente recomendable.