12 Años de Esclavitud

Se ha estrenado en nuestras salas una de las películas más importantes del 2013, 12 Years a Slave (2013) dirigida por el británico Steve McQueen. La cinta cuenta la historia verdadera de Solomon Northup, un hombre negro que nació libre y que por el engaño de unos traficantes se convierte en esclavo hasta que vuelve a recuperar su libertad 12 años después.

La historia de la tragedia de Northup se cuenta alternando las escenas del músico cuando era un hombre libre y los terribles momentos que tiene que pasar como esclavo. Durante la cinta, Solomon es injustamente vendido, con una identidad negada, vejado por sus distintos patrones y testigo de los maltratos más inhumanos hacia la gente de su raza.

12 Years a Slave es una película de gran escala, con una narración ambiciosa donde se reconstruye a la perfección el mundo del viejo sur racista donde los grandes campos algodoneros eran manchados con la sangre de quienes los trabajaban. Pero la película es sobretodo un documento histórico de una época llena de contradicciones en un mismo país, donde la cámara se convierte en testigo presencial pero nunca cómplice ni juzgador.

Y es que el gran acierto de 12 Years a Slave es justamente la dirección pulcra y sin prejuicios de Steve McQueen, que también es un hombre de color pero que viene de un país que no sufrió lo horrores del racismo como lo hizo Estados Unidos. McQueen ya había sorprendido a muchos cinéfilos con sus dos cintas anteriores, Hunger (2008) y Shame (2011), en esta última el director se adentraba en las profundidades de la mente pervertida de un hombre adicto al sexo. En 12 Years a Slave, el cineasta muestra al racismo como una distorsión mental generalizada, como si fuera una degeneración de la identidad humana. A través del análisis personal de los más sádicos racistas muestra el análisis colectivo de una sociedad.

Steve McQueen rodeado de su reparto, Chiwetel Ejifor, Michael Fassbender, Lupita N’yongo y Brad Pitt, que también es uno de los productores de la cinta.

La mirada que existe en 12 Years a Slave es desenfadada, honesta, por momentos brutal pero siempre sensible. No hay deseos por maquillar las cosas y tampoco por exagerarlas. El mismo personaje de Solomon Northup es un hombre con matices, que lucha consigo mismo por entender a su gente; no es un activista y por momentos hasta se puede decir actúa de manera egoísta. Y es que Northup, como todos los de su raza, sufrían sobretodo de una soledad cruel; es por eso que en varios momentos la figura de Solomon se muestra aislada en un cuadro de la pantalla, con nada alrededor, solo resalta su cuerpo, su cara o sus heridas en un espacio que parece ser una gran sombra donde el único adorno es la música que lo acompaña.

Pero la historia de Solomon Northup no solo está brillantemente escrita en este guión nominado al Oscar, sino que adquiere forma con la actuación magistral que da Chiwetel Ejiofor. El actor encaja perfectamente en el estilo narrativo de la cinta, su interpretación no busca ser heroica sino más bien realista. La valentía cae por si sola cuando vemos a este hombre enfrentarse a algunos blancos, cuando vemos su sufrimiento al no saber nada de su familia, cuando lo vemos contener sentimientos mientras es engañado, violado y sometido. La figura que crea Ejiofor es épica, tiene un espíritu que rompe el corazón de la audiencia y que sin lugar a duda pasará a la historia como una de las mejores actuaciones de este año.

Ejiofor y Fassbender, interpretan brillantemente las dos caras de una dura realidad.

Pero McQueen saca lo mejor de todo su reparto, vuelve a usar a su actor fetiche Michael Fassbender, esta vez convertido en un sádico y abusivo patrón sureño, que parece sacado de las páginas más negras de la historia. Fassbender está nada menos que brillante, pasa de la paranoia a la violencia más desatada de manera impecable. Es otra gran actuación de uno de los mejores actores que tiene el cine en este momento. Igual de fantástica está Lupita N’yongo como la esclava Patsy, su presencia se roba todas sus escenas y se convierte en el hilo conductor sentimental de la historia. Su fragilidad la hace más identificable y es que en el fondo su historia es la más dolorosa, ya que su situación de mujer la convierte en una minoría dentro de otra. La joven actriz no se amilana ante los grandes actores que la rodean y se convierte en ficha esencial dentro de la historia, toda una revelación.

En estos tiempos, pocas películas despiertan tanto entusiasmo como 12 Years a Slave, una cinta que bordea la perfección y que se convierte quizás en la mejor película sobre la esclavitud que se haya filmado hasta el momento. El verdadero impacto y la calidad de un film se mide con el paso del tiempo, cuando el trabajo logra sorprender y mantener vigencia a pesar de lo alejado de su estreno; pero hay películas que son obras maestras desde que son vistas por primera vez y que mantienen ese estatus toda la historia, 12 Years a Slave es una de esas películas. La mejor película del año. Totalmente recomendable.

5 de 5

El Mayordomo de la Casa Blanca y La Ladrona de Libros

Casi todos los años, en el cine vemos al menos una película que trate sobre alguna historia relacionada a la Segunda Guerra Mundial y otra que se centre en el racismo vivido en Estados Unidos durante el tiempo. Este año no es la excepción; The Book Thief (2013) entra dentro del primer grupo y The Butler (2013) entra en el segundo. A continuación, pequeños comentarios sobre ambas películas.

El Mayordomo de la Casa Blanca

El racismo vivido en Norteamérica ha sido objeto de innumerables películas, por ejemplo en estos días se estrenará 12 Years a Slave (2013), la fuerte competidora al Oscar y que trata el tema de la esclavitud negra. En The Butler (2013) se va contando como era el racismo durante el siglo XX en Estados Unidos, a través de la vida de un hombre que termina siendo mayordomo en la Casa Blanca.

Cecil, un niño negro, es testigo del asesinato de su padre, de la violación de su madre y de todos los abusos cometidos hacia la gente de su raza en una plantación de algodón. Bajo el cuidado de una “hada madrina protectora” el joven deja los campos y aprende a trabajar dentro de casa como sirviente. Su deseo por no convertirse en esclavo lo obliga a escapar e ir ascendiendo, siempre dentro del terno de mayordomo. Su capacidad y la simpatía que genera en la gente de raza blanca hacen que termine siendo convocado para atender al mismo Presidente de los Estados Unidos.

The Butler es una película que busca inspirar a quien la ve, tiene como objetivo presentar el trabajo sacrificado como una muestra de redención. Cecil tiene una familia a la que ve muy poco, una mujer que parece infeliz y se sumerge en el alcohol, un hijo rebelde que se vuelve activista antirracismo y otro hijo obediente que termina en Vietnam.

Cecil el mayordomo, se convierte en el Forrest Gump negro, es decir una persona que presencia en primera fila la historia de un país que parece abrazarlo por momentos y darle la espalda por otros. El tono de The Butler es condescendiente con sus personajes y ciertamente la historia misma. Si bien hay un par de escenas que reflejan el horror de los ataques racistas de la época, el resultado final termina siendo demasiado edulcorado como para ser tomado muy en serio. Pareciera que el mismo director quisiera congraciarse con la historia que va contando.

Lo mejor de la cinta es la puesta en escena que va evolucionando desde la plantación en el sur hasta los interiores de la Casa Blanca. Además, es un deleite poder ver varios cameos de grandes actores como Vanessa Redgrave; o Jane Fonda y Alan Rickman que interpretan a la pareja Ronald y Nancy Reagan. Los siempre menospreciados John Cusack y Liev Schrieber se ponen la piel de Nixon y Lyndon Johnson respectivamente.  

Pero la película se sostiene en la actuación de Forest Whitaker como Cecil, un hombre que no busca ser incómodo y que representa la vieja guardia de una raza que se entendía inferior. Whitaker nos tiene acostumbrados a dar interpretaciones logradas y esta no es la excepción.

Lástima que Lee Daniels, director de la muy realista y dolorosa Precious (2009), ceda al facilismo en muchos momentos; como si quisiera incluso filmar escenas para el brillo de algunos actores como Oprah Winfrey o Cuba Gooding Jr., lo cual además no consigue. Por lo demás, The Butler es una película para ver una vez, que da una mirada más a la historia turbulenta del país gringo, pero que le da un fin de cuento de hadas innecesario a una cinta con un tema que sigue siendo incómodo y vigente. Recomendable.

3.5 de 5

La Ladrona de Libros

La Segunda Guerra Mundial sigue sirviendo como fuente de inspiración para el cine y el arte en general. Como no puede ser de otra manera, no puede existir una cinta sobre este tema que no escape al horror que produce la violencia generada por la guerra y el impacto que tiene en las personas, sobre todo en los niños. The Book Thief (2013) del director Brian Percival sigue la fórmula de la gran mayoría de películas de este género.

Liesel es una niña adoptada por padres alemanes, quienes la hacen sentir una hija querida durante los años de la expansión nazi a finales de los años 30. La pequeña vive con el recuerdo de su madre natural, una rusa que la abandona tras la muerte de su otro infante hijo. Sin embargo, Liesel logra pertenecer a la sociedad alemana que la acoge, se hace rápidamente amiga de su vecino e incluso entabla una relación secreta con la esposa del alcalde nazi de la ciudad.

Al estallar la guerra, la familia de Liesel esconde a un joven judío que ha escapado de los nazis y la relación perdida con su hermano muerto se traslada hacia este muchacho que quiere a Liesel como si fuera de su sangre. La historia avanza junto a la guerra hasta un desenlace que busca sacar lágrimas a la audiencia.

The Book Thief es una película lineal, que introduce elementos de comedia y drama para poder desarrollar la historia de Liesel. Es también una cinta familiar, que no tiene un realismo a lo Schindler’s List (1993) sino más bien una buena dosis de liviandad a lo La Vita E Bella (1998) de Roberto Benigni. Como esta última, Liesel tiene un padre amoroso que se convierte en el cómplice de su hija y que la previene de vivir los horrores que la rodean.

A pesar que la cinta no rompe ningún molde, lo cierto es que no deja de ser disfrutable y entretenida. A pesar de durar más de dos horas, el film nunca cae en el tedio y en todo momento logramos sentirnos parte del testimonio de la niña rubia. Liesel se convierte en una nueva versión de Anna Frank pero que cuenta el relato de la historia desde el lado de aquellos que no fueron los perseguidos, pero que también fueron víctimas de una guerra que parecía preocuparse por todos menos por ellos.

Otro elemento interesante es que la película empieza y termina con el relato de la muerte, que al mejor estilo de Ingmar Bergman se presenta como un personaje individual en la narración. Durante la cinta, la veremos relatar momentos y también pasearse por los espacios de la vida de Liesel y los suyos.

The Book Thief es una grata sorpresa, una magnifica opción para ver con la familia y para tener unos momentos de sentimentalismo en el cine. La banda sonora de la cinta, a cargo del maestro John Williams, es simplemente un deleite. El trabajo actoral es consistente, sobretodo el de los niños, que se muestran convincentes en sus respectivos roles. Como en ese clásico Jeux Interdits (1952) de René Clemént, al final son niños queriendo vivir como adultos en un mundo de adultos que juegan a ser niños.

Recomendable.

4 de 5

Blue Jasmine

 En medio de la controversia suscitada por las acusaciones de abuso del hijo adoptivo de su ex pareja Mia Farrow, se estrena la más reciente película de Wood Allen, Blue Jasmine (2013). La película cuenta la historia de Jasmine, una mujer de la alta sociedad neoyorquina que se ve obligada a recurrir a su hermana en San Francisco, después que su esposo ha causado la bancarrota de sus negocios por distintas estafas.

Durante la cinta, veremos como estas dos hermanas se relacionan, entre peleas y comentarios agudos, como son cómplices por momentos pero que nunca renuncian a las identidades que las han diferenciado siempre.

Woody Allen es uno de esos directores que ha sabido mostrar de manera brillante en el cine las relaciones entre mujeres. En una época de escasez de personajes femeninos interesantes, Blue Jasmine presenta dos papeles con matices, que por momentos causan simpatía y en otros cierto recelo, pero que comprimen una realidad que es muy fácil de reconocer.

En Blue Jasmine, Wood Allen vuelve a ese cine con una perspectiva íntima, donde la mayoría del relato se realiza dentro de un hogar, donde los lazos familiares son los que llevan toda la cinta. La Jasmine que diseña Allen, es una mujer nerviosa, cuya lucha es tanto de identidad como con sus propios recuerdos, no deja sus poses de superación bajo ninguna circunstancia y tiene claro que su destino en la vida debe ser aquel que sus fantasías han creado. La influencia de Blanche Dubois, ese trágico personaje femenino creado por Tennessee Williams  en Un Tranvía Llamado Deseo y que fue interpretado por Jessica Tandy en el teatro y por Vivien Leigh en el cine, es más que evidente.

Blanchett brilla como Jasmine, se merece el Oscar y todos los premios que ha ganado por este trabajo

Jasmine no es un personaje simple y su complejidad es interpretada de manera brillante por Cate Blanchett. La actriz australiana asume desde la piel tanto la neurosis como la elegancia de la socialité. La vulnerabilidad que tiene la actuación de Blanchett rompe por completo con esas actuaciones acaparadoras que estamos acostumbrados a ver. No cabe duda que la actriz crea un personaje perfecto, totalmente identificable y que presenta una humanidad casi dolorosa.

El contrapeso perfecto de Jasmine lo da la inglesa Sally Hawkins interpretando a su hermana Ginger, una mujer que conoce sus limitaciones, con una mediocridad que se opone a la opulencia que ambiciona su hermana. Ginger es para jasmine lo que Stella Kowalski era para Blanche Dubois en la conocida obra de Williams.

Con un guión logrado, una narración relajada, una puesta en escena sencilla al mejor estilo de un director que apuesta por relatar cuentos personales y no grandes historias; Blue Jasmine es una película entretenida que logra la empatía entre su relato y la audiencia. Hay que verla sobre todo para disfrutar la actuación de sus actrices, la Blanchett es el bolo fijo para el Oscar a Mejor Actriz. Recomendable.

4 de 5

El Sueño de Walt

El Sueño de Walt es el inapropiado y casi estúpido título con el que los distribuidores han traído a la cinta de Disney, Saving Mr. Banks (2013). La película relata el proceso de adaptación a la pantalla gigante del clásico infantil Mary Poppins, por parte de su autora P.L. Travers y el mismo Walt Disney.

Debo reconocer que mi primera impresión sobre el film era que se trataba de una cinta familiar más de los estudios Disney, sin embargo Saving Mr. Banks es toda una sorpresa agradable que supera las expectativas iniciales sobre ella.

Para empezar, Saving Mr. Banks, como toda película de Disney, apuesta por cuidar todos los detalles de su realización, desde la dirección de arte hasta la maravillosa banda sonora que mezcla partituras originales con las recordadas canciones de los hermanos Sherman para Mary Poppins (1964). El diseño técnico de la cinta funciona perfectamente, la fotografía y la edición son notables y los adecuados para la historia.

Por otro lado, la narración de Saving Mr. Banks es convencional, simple como corresponde a una película familiar; si bien es cierto por un lado se relatan las reuniones creativas en los estudios Disney y por otra parte la infancia de la misma Travers, esta alternancia de historias nunca llega a ser complicada y responde a la moraleja que se quiere lograr con el film.

John Lee Hancock, que antes ha dirigido otra cinta de corte familiar como The Blind Side (2009), parece estar especializándose en estas películas que buscan hacer sentir bien a quien las ve, que esconden detrás de las imágenes un mensaje inspirador en el sentido más sentimental posible. Y es ahí donde Saving Mr. Banks encuentra sus puntos más débiles, cuando se cae en un innecesario sentimentalismo, pareciera que se obliga a querer a los personajes que vemos en pantalla, como si la realidad tuviera que ser un poco manipulada para poder ser aceptada.

Emma Thompson está brillante como la escritora P.L. Travers

Los mejores momentos de la cinta son contrariamente cuando Emma Thompson le imprime al personaje de P.L. Travers ese sarcasmo británico que la convierte en una mujer interesante, que se presenta sin maquillaje y que no quiere agradar a nadie más que a ella misma. El retrato que hace Thompson de Travers es fascinante, porque la muestra como una mujer con sentimientos controlados pero vulnerable; no podría haber una mejor actriz para este papel, la carismática Thompson llena la pantalla, se convierte en el centro de la historia y demuestra que incluso en una película familiar se puede dar una actuación  memorable.

Desafortunadamente, no se puede decir lo mismo de Tom Hanks quien por el contrario se llena de clichés para hacer de Walt Disney y apuesta casi por una imitación y no por la creación de un personaje como lo hace Thompson.

Saving Mr. Banks es un deleite para los cinéfilos y más aún para los fanáticos de ese clásico llamado Mary Poppins, la cinta sorprende en el estudio de personalidad que hace de una mujer que supo poner en páginas su propia historia y a la vez crear una de las historias infantiles más populares de todos los tiempos. Es una película para compartir con la familia pero con un mensaje que impresiona tanto a adultos como a niños, pero que sobretodo sirve para ver una clase magistral de actuación a cargo de Emma Thompson. Recomendable.

4 de 5

Escándalo Americano

Y las películas del Oscar siguen llegando a la cartelera, esta semana se estrenó American Hustle, el trabajo más reciente del director David O. Russell. La cinta, que ha recibido fuerte respaldo de la crítica norteamericana, relata las historias de un estafador, su esposa y su amante, un agente del FBI en busca de la fama y un alcalde querido por su gente. El guion está basado en hechos reales pero el director sabe aportar obvios elementos de ficción a la trama.

El relato de American Hustle empieza sembrando el misterio en la audiencia, con una escena cuyo desarrollo es incomprensible pero que empieza a mostrar los rasgos de los personajes principales. La narración de la cinta girará en torno justamente a estos hombres y mujeres que juegan cada uno su propio partido. Dentro de un mundo donde todo se aparenta, donde todos engañan y donde la confianza parece ser un elemento histórico, el que logra estafar a todos es el vencedor.

Las relaciones personales en American Hustle son simples pretextos para los negocios y los intereses personales, incluso entre las parejas enamoradas pareciera existir una distorsión de los sentimientos. El mundo donde ocurren los hechos pareciera estar yendo a un ritmo donde hasta el más noble de los líderes sucumbe ante la tentación de la ambición.

Russell nos transporta a la Nueva York de fines de los años 70, a la era post Nixon donde la desconfianza se parece haber apoderado de la sociedad norteamericana. La dirección artística del film es impecable, las locaciones, el vestuario y el uso de peluquines convierten a rostros conocidos del cine en figuras pintorescas. La banda sonora que acompañan las escenas reúne canciones de la época harto conocidas por lo que se genera atención en el relato.

David O. Russell y el reparto de American Hustle, todos menos Jeremy Renner están nominados al Oscar. 

Sin embargo, American Hustle está lejos de ser la mejor película de Russell, su enfoque en las relaciones personales ha sido mejor explotado en trabajos previos como Silver Linings Playbook (2012) o la muy superior The Fighter (2010). Para empezar el guion de American Hustle se muestra por momentos confuso, el desarrollo de sus personajes es irregular y peca por momentos de excesivo. Russell busca copiar demasiados estilos, quiere ser Scorsese y Tarantino, pero no alcanza la espontaneidad de ninguno de los dos.

El gran acierto del film es el trabajo de sus actores y es que básicamente se trata de una pieza actoral, resalta el camaleónico Christian Bale como el estafador Irving Rosenfeld, un hombre al cual vemos arreglar su cabellera para ocultar su calvicie, que se enamora de una mujer que no es su esposa pero que cede a las manipulaciones de la segunda. El personaje de Bale evoluciona a través del film, pasa de ser un emprendedor despiadado hacia un hombre que busca la redención ayudando a sus víctimas.

La actriz de moda Jennifer Lawrence otorga otra actuación lograda como la lunática esposa de Rosenfeld, con sus peinados abultados, su imagen de mujer sensual reprimida y una inocencia torpe. Lawrence se apodera de las escenas en las que aparece y su actuación a pesar de ser secundaria, otorga las mayores risas de la cinta.

Amy Adams y Jennifer Lawrence son lo mejor de la película 

Pero la película le pertenece a Amy Adams como la engatusadora Sidney Prosser, una mujer con una sexualidad avasalladora y de una presencia hipnotizante. La actuación de Adams no se parece en nada a ninguna de las actuaciones previas de la actriz, la princesa de Enchanted (2009) se convierte en una femme fatale con una ambición feroz, que aparenta ser pieza de ajedrez cuando es en realidad la reina del tablero. Adams está maravillosa, su actuación no es ostentosa pero es la columna vertebral de todo el relato.

Como nota aparte, las actuaciones de Jeremy Renner y Bradley Cooper son poco menos que logradas. En el caso de Cooper, sorprende su nominación al Oscar, ya que su personaje no va más allá de la permanente que tiene en el cabello. Resalta la participación pequeña de Robert de Niro como un mafioso italiano que pone en jaque toda la operación de nuestros estafadores.

American Hustle es una cinta lograda pero irregular, con escenas innecesarias y que apuesta mucho y no logra todo. No es una mala película pero creo que no se merece muchos de los aplausos que viene recibiendo en esta temporada de premios, más aun cuando hay otras cintas de mayor calidad en la balota. De todos modos, es un film interesante que vale la pena ver, para que cada uno saque sus conclusiones.

4 de 5

El Lobo de Wall Street

Una de las películas nominadas al Oscar que más está dando que hablar es The Wolf of Wall Street (2013), dirigida por Martin Scorsese. El veterano director quería filmar este proyecto desde hace varios años. Su interés era mostrar de manera desinhibida la jungla del mundo de Wall Street a través de la vida de Jordan Belfort, un joven bróker que se hizo millonario estafando a la bolsa de valores gringa.

El neoyorquino Scorsese siempre se ha interesado en presentar historias que ocurren en su ciudad natal; así como woody Allen, Scorsese tiene una fascinación por Nueva York, su gente, su historia, su modo de ser vista por el mundo, sus distintas realidades, etc.

En sus primeros trabajos como Mean Streets (1972), Alice Doesn’t Live Here Anymore (1974) o Taxi Driver (1976), Martin Scorsese mostraba una ciudad oscura, guarida de gente marginal, donde la clase trabajadora prácticamente se mezcla con lo más bajo de una urbe llena de diversidad. Más adelante en su carrera, Scorsese se sumergiría en mostrar la historia de la gran manzana en trabajos infravalorados como The Age of Inocence (1995) o Gangs of New York (2002), ambas obras magistrales del director.

En Goodfellas (1990) el director ítalo americano mostraba de modo descarado la historia de un grupo de mafiosos italianos que parecían ser los reyes de la ciudad. Pero la visión del director sobre su Nueva York querida se ha visto alimentada a través de algunas personas cuyas vidas han sido tan tumultuosas como las de la ciudad que los albergaba. La mejor de todas estas películas, quizás la mejor de toda su filmografía, es Raging Bull (1980). El Jake La Motta de Robert de Niro es un verdadero toro salvaje, un hombre que no puede controlar su vida en una ciudad que no puede controlarse a sí misma. Raging Bull  no es una película de deportes, es un estudio de personalidad, al igual que lo es The Wolf of Wall Street (2013), donde Leonardo DiCaprio termina de consumarse en el nuevo Robert de Niro del director, es decir su actor fetiche.

Leonardo DiCaprio, Martin Scorsese y Jonah Hill van al Oscar este año por este film

DiCaprio es Jordan Belfort, un joven de clase media que descubre en la venta de acciones y valores la forma de hacerse rico. La inocencia con que vemos llegar a Belfort a Wall Street nos recuerda a Ray Liotta en los primeros minutos de Goodfellas. Luego Belfort, se ve consumido por la vorágine del mercado de valores, donde todo se vende y todo se compra, el paraíso de la especulación donde solo hay espacio para la ambición. Una escena clave de la película es el encuentro entre Belfort y su primer gerente, papel que interpreta Matthew McConaughey, este último le explica al joven practicante la fórmula para el éxito. Mientras uno toma agua tímidamente, el otro bebe un Martini y aspira cocaína. El absurdo canto que es obligado a hacer el papel de DiCaprio es el rito de iniciación en este reino del exceso.

Durante las siguientes casi tres horas, veremos el ascenso, los abusos, el apogeo y el descenso del lobo de Wall Street, nombre que adquiere debido a las orgias que organiza en su empresa. La narración que hace Scorsese es ágil, mezcla distintos estilos, tiene flashbacks que nos hacen repetir momentos desde otra perspectiva, por momentos apuesta por cámaras lentas que enfatizan generalmente los efectos de los narcóticos en los protagonistas. Pero también hay escenas fugaces, como si el director quisiera que tomemos un viaje alucinógeno a través de las imágenes. La película empieza siendo narrada por el propio Belfort, luego por momentos lo vemos dirigirse a la audiencia directamente; Scorsese utiliza momentos sacados de comerciales televisivos, acompaña la narración con música moderna conocida, apuesta por mostrar todo el exceso que puede. El guion del legendario Terence Winter, es complejo, marcado por la presencia de Belfort, quien se convierte en el modelo a seguir de una generación que tiene al placer y al dinero como única divinidad.

Scorsese dirige a DiCaprio y a la bella Margot Robbie en una de las escenas más picantes de la cinta

El éxito de The Wolf of Wall Street radica tanto en la dirección atrevida de Scorsese y su magistral puesta en escena,  como en la actuación de Leonardo DiCaprio. En su quinta película juntos, DiCaprio y Scorsese han logrado una colaboración artística perfecta. En el trabajo de DiCaprio no queda nada del Jack Dawson de Titanic (1997), el actor ha evolucionado en un intérprete de muchos matices, capaz de dominar con una tranquilidad sorprendente un papel que mezcla la comedia física con la realidad. Es interesante que DiCaprio interprete a Belfort el mismo año que interpreta el rol principal en The Great Gatsby (2013), ambas cintas muestran las excentricidades de una sociedad que pareciera estar apartada del mundo. Pero ambos films son radicalmente distintos, y en ambos el buen Leo está a la altura del encargo. En The Wolf of Wall Street, el actor logra la mejor actuación de su carrera hasta el momento, es un hombre carismático, capaz de vender cualquier cosa, que en la búsqueda de sí mismo encuentra su propia perdición.

The Wolf of Wall Street es otra obra maestra de Martin Scorsese; es una película atractiva, sexy, atrevida e interesante. Después de Hugo (2011), Scorsese nos vuelve a dar una cinta para adultos, con un mensaje subliminal aterrador y escalofriante que se esconde detrás de un relato en apariencia banal o cómico. Después de todo, el director ha buscado mostrar una realidad donde el sentido de humanidad pareciera haberse esfumado como se aspira una línea de cocaína. Brillante trabajo de un genio del cine, que ha logrado uno de los mejores títulos del año. Totalmente recomendable.

5 de 5

La Resaca de las Nominaciones al Oscar 2014

Las 9 nominadas a Mejor Película del 2013

Hoy día la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció la lista de nominados a su premio más importante, el Oscar. Como todos los años, las reacciones a la selección de la Academia han recibido el entusiasta respaldo de muchos y la acalorada crítica de otros.

Vengo cubriendo la temporada de premios desde 1998, y todas las mañanas de nominaciones son iguales. Los cinéfilos del mundo se enfrentan porque están o no están de acuerdo con los gustos de la Academia. Lo cierto es que tratándose de opiniones subjetivas, es imposible que el Oscar, algún año pueda hacer felices a todos.

Así que, desde este blog le damos una mirada a las sorpresas del día, aquellos nombres que se quedaron con las ganas, algunos records que se rompen y como, con las nominaciones ya descubiertas, se pinta el panorama para la 86 entrega anual del Oscar.

Las sorpresas:

-       En primer lugar hay que agradecerle a la Academia que el anuncio se haya hecho del modo convencional, sin ningún show con chistes sobre los nominados como el año pasado. Chris Hemsworth y la Presidenta de la Academia, Cheryl Boone Isaacs fueron los encargados de ir dando los nombres de las películas y personas nominadas este año. De igual modo, hay que agradecerle a la Academia que haga el anuncio tan temprano, es la única mañana del año que quien escribe estas líneas se levanta antes de las 8 con buen humor.

-       Philomena se perfilaba como la sorpresa en los últimos días, muchos escépticos como yo, pensaron que no lograría estar entre las 9 nominadas a Mejor Película. El voto británico probablemente haya puesto a esta controversial cinta entre las finalistas.

-    Todo parece indicar que a la Academia le ha encantado Nebraska, tanto así que han nominado a Alexander Payne como Mejor Director. Payne ha desplazado a otros favoritos como Paul Greengrass por Captain Phillips o Spike Jonze por Her.

Leo tiene razones para reír, The Wolf of Wall Street puede dar la gran sorpresa

-          Otra cinta que sorprende por su buen número de nominaciones es The Wolf of Wall Street, su estreno es Estados Unidos se dio tarde cuando ya casi todas las grandes películas habían sido estrenadas. Además, sus detractores la consideran muy provocadora e incluso vulgar. Parece que el amor por Scorsese y DiCaprio es fuerte y la cinta obtuvo 5 nominaciones entre ellas Mejor Película y Mejor Director.
-          Pero los más felices del día deben ser los realizadores de American Hustle. Esta comedia, que para muchos no tiene la trascendencia de una cinta del Oscar, ha recibido 10 nominaciones! Y ha logrado estar presente en las 7 categorías más importantes de la gala, por lo cual se coloca delante en la carrera a Mejor Película. Sorprenden de manera especial, las nominaciones de Christian Bale como Mejor Actor y de Bradley Cooper como Mejor Actor Secundario, ambos han logrado reemplazar a pesos pesados en sus categorías.

El reparto de American Hustle, la favorita para ganar el Oscar

-    Otra sorpresa es que 12 Years a Slave, para muchos la favorita del año, solo haya recibido 9 nominaciones, cuando muchos esperaban que logre de 10 a 12. Los productores de la cinta van a tener que hacer una buena campaña si quieren que su film logre el oro la noche del Oscar.

Los olvidados:

-         Soy un gran fanático de Robert Redford, su nominación como Mejor Actor por All is Lost parecía algo asegurado. Algunos conocedores incluso pensaban que ganaría el premio. Redford, una leyenda viva del cine, fue olvidado por la Academia esta mañana; lo cual demuestra que la gente de la industria no está dispuesta a darte un Oscar si saben que no te importa ganarlo. Redford es más una figura respetada que querida, y es conocido que no participa de estos eventos como lo hacen otros artistas. Una pena.

Robert Redford y el Oscar que ganó como Mejor Director en 1980. Este año no irá a la fiesta.

-          Captain Phillips es una de las mejores cintas del año, sorprende que ni su director Paul Greengrass, ni su protagonista Tom Hanks hayan sido nominados. Greengrass incluso está nominado al Sindicato de Directores por este trabajo, por lo que sorprende su ausencia. En el caso de Hanks, qué duda cabe que esta es la mejor actuación de su carrera, es de lejos mejor que los papeles por los que ganó el Oscar. Al parecer la Academia piensa que con dos premios en su mantel, Hanks debía darle espacio a rostros que merecen más oportunidad. Lamentable.

-          Desde su estreno en Cannes, Inside Llewyn Davis de los hermanos Coen parecía tener un sitio fijo en la carrera al Oscar. Su presencia en casi todos los premios precursores la habían colocado como nominada fija a Mejor Película y otros rubros. Este musical que ha sido ovacionado por la crítica ha recibidos apenas dos nominaciones a Mejor Fotografía y Mejor Sonido. Increíble.

Emma Thompson y Tom Hanks, se quedaron con las ganas.

-          La británica Emma Thompson, una de las actrices más queridas de la industria era uno de los bolos fijos por su papel de la autora de Mary Poppins en Saving Mr. Banks. A pesar de una fuerte campaña por los estudios Disney, la actriz no consiguió la nominación. Thompson que ya tiene dos Premios de la Academia en su haber, fue desplaza por Amy Adams y el tren de American Hustle. Saving Mr. Banks solo ha conseguido una nominación a Mejor Partitura Musical.

-          Una de las categorías que más polémica ha causado este año es la de Mejor Documental. Los expertos coincidían que Stories We Tell de la canadiense Sarah Polley era ya la ganadora, después de haber ganado prácticamente todos los premios que se entregan antes del Oscar. La cinta Blackfish también parecía inamovible dentro de los seleccionados. Ninguna de las dos logró ser incluida en la lista final. Un escándalo.

Los records:

-      American Hustle entra al selecto grupo de 15 películas con nominaciones en las cuatro categorías de actuación. El año pasado Silver Linings Playbook consiguió este mismo record. Ambas cintas están dirigidas por David O. Russell.
-      Gravity se convierte en la sexta película en 3D en ser nominada como Mejor Película, ninguna ha ganado hasta el momento. Gravity también se ha convertido en la quinta película en obtener nominaciones en las 7 categorías técnicas. Todo un logro, teniendo en cuenta que puede ganar en todas.
-     Steve McQueen es la tercera persona de color en ser nominada como Mejor Director. De ganar, se convertiría en el primer Mejor Director negro del Oscar.

Con 77 años, Bruce Dern vuelve a estar en la carrera al Oscar

-          Bruce Dern recibe su segunda nominación al Oscar, 35 años después  de haber recibido la primera! El único actor que le gana en tiempo entre una y otra nominación es Henry Fonda, nominado por primera vez en 1940 por The Grapes of Wrath y que tuvo que esperar 41 años hasta que volvió a ser nominado por On Golden Pond en 1981. Fonda ganó el Oscar en su segunda nominación, Dern espera repetir la tendencia.

-      Meryl Streep, la reina de los records, consigue su nominación número 18 y la 15va como Mejor Actriz Principal. Es la actriz más nominada de la historia del Oscar y de lejos. 

Meryl Streep entra a los Oscar de 1978, era la primera nominación que recibía, han pasado 35 años y sigue sumando laureles en su impresionante carrera

-          La bella Jennifer Lawrence se convierte en la actriz más joven con 3 nominaciones al Oscar. Con apenas 23 años, la actriz ya es una favorita de la Academia. Este año está nominada como Actriz Secundaria por American Hustle.

-          En esa misma categoría, June Squibb, nominada por Nebraska, se convierte en la tercera mujer de mayor edad en ser nominada al Oscar en esta categoría. De ganar, Squibb, de 84 años sería la ganadora de mayor edad en este rubro.

-          Woody Allen es ahora la persona con más nominaciones en la categoría de Mejor Guion Original, esta es su nominación número 16. Allen ha ganado 3 veces el premio como escritor.

John Williams y uno de los 5 Oscars que ha ganado, este fue en 1982 por E.T. The Extraterrestrial

-          El músico John Williams se convierte en la segunda persona más nominada al Oscar en su historia. Su trabajo en la partitura musical de The Book Thief le da a Williams su nominación número 49!!! Solo es superado por Walt Disney que obtuvo 54 nominaciones en su carrera.

-          Williams es la persona viva con más nominaciones al Oscar, seguido de Woody Allen que incluyendo sus nominaciones como guionista tiene en total 24 nominaciones.

Un joven Walt Disney y un recién creado Mickey Mouse, posan con el Oscar que recibieron en 1932.

-          Y hablando de Disney, Mickey Mouse está nominado en la categoría de Mejor Corto Animado por Get a Horse!. Es la décima vez que un corto del ratón se encuentra nominado al Oscar. El primer corto de Mickey nominado fue Mickey’s Orphans en 1932, hace 81 años!!!! Mickey perdió en esa ocasión pero su creador Walt Disney recibió un Premio Especial por su obra. Se puede afirmar que Mickey es la celebridad más duradera del cine y del Oscar. Mickey Mouse solo ha ganado el Oscar una vez, en 1941 por Lend a Paw, esta puede ser su segunda vez casi 60 años después!!

-          El genio Hayao Miyasaki se convierte en la única persona en haber tenido 3 cintas nominadas en la categoría de Mejor Película Animada. Ganador del Oscar por la brillante Spirited Away y nominado por Howl’s Moving Castle, este genio de la animación está nominado este año por The Wind Rises. Esperemos que gane!

La cancha post – nominaciones

Con el anuncio de hoy, las fichas han cambiado y muchos de los que parecían ya ganadores ya no lo son tanto. Lo cierto es que aún es muy pronto para decir quién va ganar el Oscar en cualquier categoría. Pero se puede afirmar que American Hustle le ha sacado ventaja a 12 Years a Slave y a Gravity.

Aún falta ver a quienes premiaran los sindicatos estas semanas; el sábado el Sindicato de Actores podrá consolidar el estatus de algunos nominados o hará chocolatear aún más las categorías de actuación. De igual modo, este fin de semana el Sindicato de Productores entrega sus premios; el Sindicato de Directores  lo hace la próxima semana, así que aún hay pan por rebanar.

Ahora solo quedar ver todas las películas nominadas, elegir a sus favoritos y empezar las apuestas por ver quien se lleva el Oscar 2014.