Peter O’ Toole (1932 – 2013)

Ha muerto Peter O’ Toole y con él una de las carreras más prolíficas del cine de todos los tiempos. El irlandés O’ Toole saltó al estrellato por su papel en la épica Lawrence of Arabia (1962). Los primero años de su carrera fueron marcados por papeles históricos que le permitían explotar tanto su gran talento como su atractiva apariencia. De esta época vienen títulos como Lord Jim (1965) y The Bible (1966). Peter O’ Toole era de esos actores que no le gustaba aparecer en público, se consideraba así mismo un profesional y estaba dispuesto a actuar en cine, televisión, teatro y cualquier trabajo actoral que se le presente.

Así, el actor de grandes ojos azules se convirtió en el Quijote de la Mancha, en la poco recordada Man of La Mancha (1972), en el emperador Tiberio en Caligula (1979) y le volvió a dar vida al querido profesor Arthur Chipping en el musical Goodbye Mr. Chips (1968), una de sus mejores actuaciones. En The Ruling Class (1972) interpretó a un hombre que creía ser Dios.

Peter O’Toole como el entrañable Mister Chips.

A partir de la década del 80, después de haber superado problemas de salud provocados por el alcohol, O’ Toole tuvo un par de actuaciones memorables como actor principal en My Favorite Year (1982) y The Stunt Man (1980) donde interpreta a un obsesivo director de cine. Los años siguientes verían a O’ Toole, ya alejado de su imagen juvenil, convertirse en un actor de carácter sólido, con papeles secundarios pero claves en películas como la premiada The Last Emperor (1987), Troy (2004) o la voz del crítico culinario Anton Ego en Ratatouille (2007).

En una carrera que incluye casi cien créditos y cinco décadas, Peter O’ Toole se convirtió en una de las figuras más importantes del cine. Su poderosa y suave voz se convirtió en la marca registrada de un actor que tenía entre sus mejores amigos a Richard Harris y a Albert Finney.

Peter O’Toole recibe el Oscar Honorífico de manos de Meryl Streep en el 2003

Peter O’ Toole tiene el infame record de haber estado nominado al Oscar en 8 ocasiones como Mejor Actor Principal, sin embargo nunca ganó el premio. En el año 2002, la Academia decidió darle un Oscar Honorífico por su carrera. La primera reacción del actor fue pedir a sus colegas que retrasaran el premio unos años puesto que él sentía que aún tenía carrera por adelante y quería ganarse uno de la manera correcta. Cuando la Academia le dijo que le darían el premio así no esté presente, O’ Toole finalmente decidió asistir a la ceremonia a recibir su Oscar. Su discurso es uno de los más brillantes que se haya escuchado en la historia del premio.

En este blog hemos hecho un ranking con las que consideramos con las 5 mejores actuaciones en la carrera de Peter O’ Toole. Que descanse en paz.

#5 Becket (1964)

En Becket, Burton y O’Toole dan un duelo de actuaciones increíble.

En esta película, que recibió 12 nominaciones al Oscar incluyendo una para O’ Toole como Mejor Actor, el gran Peter tuvo no solo la oportunidad de interpretar al calculador rey Enrique II sino también de actuar junto a su gran amigo Richard Burton. Burton y O’ Toole fueron los dos actores británicos que dominaron el cine en la década del 60. El duelo actoral que vemos en pantalla es increíble, los provocadores diálogos son interpretados por dos profesionales en su mejor momento. El personaje de Enrique II era el favorito de O’ Toole, el actor sentía afinidad por la mente perturbada y ambiciosa que tenía el monarca inglés.

# 4 Venus (2006)  

Escena de Venus, junto a Jodie Whitaker

Peter O’ Toole tenía  74 años cuando hizo esta pequeña película donde interpreta a un veterano actor de teatro cuya vida monótona y triste se ve alterada al conocer a una joven de 20 años de la cual se enamora. Si bien es cierto, Venus (2006) no es una cinta ambiciosa como las demás del actor, la actuación de O’ Toole tiene un elemento de intimidad sorprendente. El actor pareciera estar dibujando por momentos la imagen de sí mismo, enfrentando su propia historia. Esta fue la última gran actuación de Peter O’ Toole, donde el actor pudo demostrar que seguía siendo una fuerza actoral importante. Todo el carisma, el encanto y los matices que el actor le aporta al rol de Maurice son entrañables.

 

#3 My Favorite Year (1982)

En My Favorite Year, demostró sus grandes dotes para la comedia

Cuando uno menciona a Peter O’ Toole, inmediatamente se vienen a la cabeza las películas épicas que hizo, sin embargo muy pocos recuerdan que el actor era tan versátil que también hizo comedias. La mejor de todas ellas es esta película donde O’ Toole interpreta a Alan Swann, un excéntrico y alborotado actor de cine venido a menos. La interpretación del actor es exagerada, llena de gestos absurdos, con toda la influencia de la comedia del cine mudo donde los movimientos tenían que hacer la comedia. Sin embargo, su interpretación nunca deja de tener clase y el control del personaje. My Favorite Year es un claro ejemplo donde la comedia más corporal puede ser manejada de modo impecable por un verdadero profesional. Este papel es la influencia de comediantes como Jim Carrey, Steve Carrell e incluso mal copiada por Will Ferrell.

#2 The Lion in Winter (1968)

Dos reyes del cine, Peter O’Toole y Katharine Hepburn en The Lion in Winter.

La formación clásica que recibió O’ Toole cuando se convirtió en actor, lo convertía en una opción obvia para interpretar roles de hombres con una vida más grande que la vida misma. En The Lion in Winter, el actor se vuelve a poner la piel del rey Enrique II, ya lejos de los pleitos juveniles con Thomas Becket y convertido en un rey maduro que no sabe a cuál de sus hijos dejará la corona. Desde el inicio de la cinta vemos a O’ Toole como un hombre cuya sonrisa mueve a todo un pueblo, que está enamorado de una mujer joven la cual debe casarse con uno de sus hijos, que ha encerrado a su esposa en una torre del reino y que siente que su vida está acabando. El actor muestra la sensibilidad de un padre decepcionado por la ambición de sus hijos, la ternura que aun esconde su mirada lasciva y la fuerza que lo ha convertido en un monarca temido por todos. Peter O’ Toole nunca demostró toda su influencia shakesperiana como lo hizo con este papel. A pesar que vemos las depravaciones que comete en pantalla no dejamos de estar a su favor. The Lion in Winter también le dio la oportunidad a O’ Toole de actuar junto a otra leyenda del cine, Katharine Hepburn interpretaba a su esposa Eleonor de Aquitania. Ambos comparten varias escenas donde los diálogos son tan cortantes como el filo de una espada, la química entre ambos actores es electrificante. Solo un gran actor como Peter O’ Toole podía darle ese contrapeso a una inmensa actriz como Kate Hepburn, mujer a la cual el actor mucha veces confesó que idolatraba. De las 8 veces que Peter O’ Toole estuvo nominado al Oscar, esta debió ser la nominación por la que debió ganar. Su actuación era de lejos la mejor de su categoría pero ya sabemos que la Academia a veces suele equivocarse. Grandes actuaciones y buena película que además muestra a los jóvenes Anthony Hopkins y Timothy Dalton como los aspirantes al trono del rey Peter O’ Toole.   

#1 Lawrence of Arabia (1962)

Qué duda cabe que el papel más representativo de la carrera de Peter O’ Toole sea el de T.E. Lawrence en la obra maestra de David Lean, Lawrence of Arabia. Sobre la película se han escrito tesis y libros, nadie pone en duda que quizás sea una de las 10 mejores películas de todos los tiempos. De igual modo, nadie pone en duda que uno de los secretos del film es justamente la actuación de O’ Toole. T.E. Lawrence fue un rebelde, un hombre que supo salir del cuadro y convertirse en leyenda; el actor que lo interpretara tenía que tener la capacidad de mostrar su grandiosidad sin endiosarlo y eso es exactamente lo que hizo Peter O’ Toole. Su actuación como Lawrence está alejada de los clichés del cine épico, tiene un elemento de humanidad y sensibilidad que convierten al aventurero Lawrence en una figura cercana y comprensible. El desafío del actor de tener que soportar las altas temperaturas del desierto, en un rodaje que presentaba las peores condiciones de trabajo y aun así lograr convertirse en un hombre para el recuerdo, hacen que cualquiera valore más el talento de Peter O’ Toole. Su actuación conduce toda la película, incluso en las escenas en las que no aparece, su presencia pareciera estar como un fantasma en todo momento. O’ Toole tuvo la oportunidad de compartir pantalla con grandes rostros de la actuación como Anthony Quinn, Alec Guinness, Claude Rains, Jack Hawkins y José Ferrer, de quien el actor dijo: “he aprendido más sobre actuación viendo trabajar a José Ferrer que en todas mis clases como estudiante”.   

Como T.E. Lawrence, Peter O’ Toole nos entregó un personaje inolvidable, un héroe que se emocionaba con la gente, un forajido que entendía la vida al límite, que con una mirada podía mostrar sus más profundos sentimientos. En el año 2006, la revista Premiere hizo un ranking consultado a varios críticos de cine sobre la mejor actuación de todos los tiempos, la número 1 de la lista con 100 actuaciones fue esta. Sea eso cierto o no, la verdad es que la actuación de Peter O’ Toole en Lawrence of Arabia es esencial en la historia del cine y convirtió al actor en una verdadera leyenda.

Capitán Phillips

Una de las películas que ha llamado la atención en esta temporada de premios que empieza es Captain Phillips (2013). basada en hechos reales, la cinta está dirigida por Paul Greengrass y protagonizada por Tom Hanks, quien interpreta al exigente capitán Phillips; quien tiene a su cargo un barco de carga pesada el cual debe recorrer el “cuerno africano”, zona conocida así por su peligrosidad.

El instinto del capitán Phillips, lo hace planear ejercicios de emergencia durante su viaje, cuando su barco es repentinamente atacado por piratas somalíes. A partir de ese momento, vemos en la pantalla el relato de la captura del barco, las estrategias para deshacerse de los captores y varios giros inesperados que hacen de la cinta una experiencia fílmica emocionante.

Paul Greengrass es un director que se interesa por contar historias donde personas comunes tienen que salir de su comodidad y luchar por superar una emergencia. En United 93 (2006) nos mostraba de manera impecable y ruda como los pasajeros del avión secuestrado por terroristas de Al Qaeda lograban que este no sea utilizado como misil contra algún edificio norteamericano.  En Captain Phillips, Greengrass vuelve a mostrar esa experiencia de ayuda comunitaria. Los hombres de la tripulación del Alabama, barco conducido por Phillips, son trabajadores nada excepcionales, con una vida que los espera al terminar el trabajo, “gente de sindicato” como dice uno de ellos. Como hizo, en United 93, Greengrass utiliza actores poco conocidos, con rostros comunes y alejados del glamour hollywoodense.

Al director le importa la sensación de realidad que se tiene que ver en la pantalla gigante. Para esto apuesta por una fotografía natural, por filmar en ambientes reales y por generar la acción no con grandes efectos sino más bien con el lente de la cámara. Captain Phillips no es un drama sino más bien una película de acción dramática. Y la acción se puede sentir en todo momento de la narración, sobretodo porque la película es filmada con planos cerrados, la cámara persigue a los actores, los movimientos de cámara son rápidos, la edición es marcada, se crea una atmosfera asfixiante por momentos; como si estuviéramos secuestrados junto a estos obreros marinos.

Tom Hanks y el hombre al que interpreta en la cinta, el verdadero Capitán Rich Phillips

Otro gran acierto de Captain Phillips es la presentación de sus personajes. Desde un inicio vemos como el capitán Phillips deja a su familia para enrumbarse en su trabajo, pero también conocemos a Muse, el frío y delgado somalí que será quien secuestre el barco norteamericano.

Para entender a Muse, el director nos muestra el pueblo de donde viene, el cuarto donde duerme, lo vemos tener su mirada perdida hasta que encuentra alguien o algo que lo interesa, todo el tiempo mascando una hierba que parece ser su único alimento. Muse, es el capitán de los piratas y tiene que manejar a su propia gente. Enfrenta las mismas disputas internas en su equipo, como las enfrenta Phillips quien no es un capitán carismático. La relación de Phillips y Muse es de dos líderes que tienen problemas y que tratan de engañarse el uno al otro pero que en el fondo se conocen muy bien.

Hay quienes han visto en Captain Phillips una película que muestra los efectos de la globalización. El barco Alabama, pertenece a una de las empresas más grandes del mundo y representa el capitalismo en su más clara expresión, es decir el comercio exterior que es defendido incluso por la más despiadada milicia. Mientras que los somalíes vienen de una parte del mundo que se siente ignorada, con las necesidades más básicas insatisfechas y que ve como los poderosos viajan por sus mares sin dejar nada de trabajo para ellos. El discurso social que se esconde en Captain Phillips es tan esclarecedor como cualquier documento político.

  

Póster publicitario de la película con sus dos protagonistas.

La fuerza de la película se concentra en las imágenes, que rozan con la naturaleza de un documental; pero también en el soberbio trabajo de Tom Hanks como el capitán Phillips y de Barkhad Abdi como Muse. En el caso de Hanks, el rostro de Forrest Gump es convertido en un gringo común y corriente, un navegante que sigue los procedimientos y que confía ciegamente en el sistema. La actuación de Hanks está despojada de muchos los manierismos que tiene el actor, su papel evoluciona del cansado y aburrido hombre de trabajo hacia el inteligente y humano estratega que debe negociar con los piratas. El resto de la película, el capitán Phillips es una figura capturada no solo por los piratas sino por sus propios miedos; la secuencia final del film es desgarradora y Hanks logra probablemente el momento más memorable de toda su carrera fílmica. Solo con esa última escena, Hanks se ganará una muy merecida nominación al Oscar.

El complemento del logrado personaje principal es justamente el Muse que interpreta Barkhad Abdi. Abdi hace su debut fílmico en este papel que lo muestra como el despiadado pirata cuya ambición lo motiva a secuestra barcos en la costa de su país. Muse tiene una presencia fantasmagórica pero perturbadora, sus gestos pasan de una calma casi alucinógena a los gritos violentos de un ataque de nervios. Cuando hacia la mitad de la historia, Muse ha perdido el control de sus actos, la actuación de Abdi justamente se absorbe para mostrar a un hombre que debe replantear un nuevo plan que lo beneficie. No debe sorprender que Barkhad Abdi consiga una nominación al Oscar como actor secundario, sería un justo honor a uno de los personajes más turbulentos del año.

Captain Phillips es un trabajo que acierta en todo momento, una película con una apuesta narrativa lineal y definida por la emoción. Sin lugar a duda una de las más logras películas de este 2013, que parece que termina con buenos filmes en la cartelera. Desde acá, predecimos que Captain Phillips será una de las cintas nominadas al Oscar como Mejor Película, lo cual ya es bastante razón para verla, incluso más de una vez. Totalmente recomendable.

5 de 5

Y la temporada de premios 2014 arranca!

La temporada de premios 2014 ha empezado oficialmente. La ceremonia de los Oscar Honoríficos hace dos semanas no solo congregó a los homenajeados por la Academia sino que tuvo entre sus invitados a muchos de los cineastas y actores que esperan llamar la atención en esta época de alfombras rojas.

A pesar de los muchos grupos de críticos que existen en la actualidad y de los muchos premios que hay en el cine, siguen siendo pocos los que realmente significan algo. Todos ellos, sin embargo, son la antesala al gran premio de la industria que es el Oscar. Entre los grupos de críticos hay cuatro que destacan por su influencia dentro del medio y por el prestigio que tienen sus miembros. Estos son el Círculo de Críticos de Nueva York (New York Film Critics Circle o NYFCC), la Asociación de Críticos de Los Ángeles (Los Angeles Film Critics Association o LAFCA), la Asociación Nacional de Críticos de Cine (Broadcast Film Critics Association o BFCA) y la National Board of Review que no congrega únicamente críticos de cine sino intelectuales y artistas de otros rubros.

Ingrid Bergman y Kirk Douglas muestran sus premios a Mejor Actriz y Mejor Actor respectivamente, entregados por el Círculo de Críticos de Nueva York en 1956.

Estos cuatro grupos revelan los nombres de sus favoritos antes que acabe el año, en la época precisa para poder llamar la atención de los miembros de la Academia al momento de elegir a los nominados para sus premios.

El día de ayer el New York Film Critics Circle presentó a sus ganadores y hoy día lo hizo la National Board of Review. A continuación la lista de los elegidos y un pequeño comentario sobre el impacto de estos premios con miras al Oscar.

Ganadores del NYFCC

Mejor Película: American Hustle

Mejor Director: Steve McQueen – 12 Years a Slave

Mejor Actor: Robert Redford – All Is Lost

Mejor Actriz: Cate Blanchett – Blue Jasmine

Mejor Actriz Secundaria: Jennifer Lawrence – American Hustle

Mejor Actor Secundario: Jared Leto – Dallas Buyers Club

Mejor Película Extranjera: Blue is the Warmest Color

Mejor Guión: American Hustle

Mejor Película Animada: The Wind Rises

Mejor Documental: Stories We Tell

Mejor Obra Prima: Ryan Coogler – Fruitvale Station

Mejor Cinematografía: Bruno Delbonnel – Inside Llewyn Davis

La cinta American Hustle empieza a cosechar sus primeros premios en la temporada. Llegará al Oscar?

Comentarios

American Hustle, cinta dirigida por David O. Russell recibió tres premios por parte del Círculo de Críticos de Nueva York, incluyendo Mejor Película. Esto le da un gran empujón en su campaña hacia el Oscar; a pesar que la cinta aún se distribuye de manera limitada, es un hecho que su nombre suene entre las nominadas al Oscar a Mejor Película del 2013. La cinta desplazó a la gran favorita que es 12 Years a Slave, que solo ganó el premio a Mejor Director para Steve McQueen. McQueen también es fijo entre los nominados a Mejor Director y podría convertirse en el primer director negro en ganar un Oscar.

El nombre de Cate Blanchett ya sonaba fuerte, su mención por la NYFCC solo reafirma su estatus de favorita de la temporada. Lo mismo ocurre con el legendario Robert Redford que según los entendidos da la mejor actuación de su carrera en All Is Lost, este va ser un año con varios veteranos compitiendo por premios.

Todo parece indicar que veremos a Robert Redford desfilar por la alfombra roja del Oscar este año, ya ganó su primer premio por All Is Lost.

El premio a película extranjera para la francesa Blue is the Warmest Color es una elección arriesgada, si bien es cierto la cinta ya se llevó la Palma de Oro en Cannes, su temática controversial sobre una pareja de lesbianas podría no encajar dentro de los gustos conservadores de la Academia. Que vaya ganando estos premios menores, sin embargo, aumenta sus posibilidades.

Este año el Círculo de Críticos de Nueva York se ha mantenido dentro del consenso de lo que ya se esperaba, no ha habido ninguna mayor sorpresa. La gran mayoría de nombres se irán repitiendo hasta las nominaciones al Oscar en enero.

Ganadores de la NBR

Mejor Película:  HER

Mejor Director: Spike Jonze, HER

Mejor Actor: Bruce Dern, NEBRASKA

Mejor Actriz: Emma Thompson, SAVING MR. BANKS

Mejor Actor Secundario: Will Forte, NEBRASKA

Mejor Actriz Secundaria: Octavia Spencer, FRUITVALE STATION

Mejor Guión Original: Joel y Ethan Coen, INSIDE LLEWYN DAVIS

Mejor Guión Adaptado: Terence Winter, THE WOLF OF WALL STREET

Mejor Película Animada: THE WIND RISES

Mejor Película Extranjera:  THE PAST

Mejor Documental: STORIES WE TELL

Top 10 del año

(en orden alfabético)
12 YEARS A SLAVE
FRUITVALE STATION
GRAVITY
INSIDE LLEWYN DAVIS
LONE SURVIVOR
NEBRASKA
PRISONERS
SAVING MR. BANKS
THE SECRET LIFE OF MITTY
THE WOLF OF WALL STREET

Top 5 película extranjeras

(En orden alfabético)
BEYOND THE HILLS
GLORIA
THE GRANDMASTER
A HIJACKING
THE HUNT

Comentarios:

La poco convencional Her sorprendió al ser elegida la Mejor Película del Año por la NBR. 

En los últimos 20 años, 18 ganadoras como Mejor Película por la National Board of Review han sido al menos nominadas al Oscar a Mejor Película. Esa estadística podría aumentar si es que tenemos en cuenta que la NBR también hace su lista con las 10 mejores películas del año.

La ganadora este año es Her del genial Spike Jonze, director de las brillantes Being John Malkovich y Adaptation. La elección de Her es una sorpresa puesto que los gustos de la NBR son generalmente más conservadores y Her es una cinta independiente que sin embargo ha recibido de las mejores críticas del año.  Muchos pensaban que la NBR apostaría por 12 Years a Slave o incluso Gravity.

Con esta victoria en la NBR, Her recibe un fuerte auspicio que obligará a que los miembros de la Academia la vean y la tomen en cuenta. Ya es hora que el talento de Spike Jonze sea reconocido por la Academia de Hollywood. Las demás categorías no ofrecen sorpresas, el veterano Bruce Dern se sigue consolidando como nombre fuerte para las nominaciones por Nebraska, lo mismo que Emma Thompson por Saving Mr. Banks donde interpreta a la autora del libro Mary Poppins.

Dos favoritos del año, Tom Hanks y Emma Thompson. Hanks no solo puede competir por Saving Mr. Banks sino también por Captain Phillips.

Thompson y Sandra Bullock serán las principales contendoras de Cate Blanchett en el rubro de Mejor Actriz. Mientras que Dern y Chiwetel Eijoffor por 12 Years a Slave tendrán una dura batalla junto a Robert Redford y otros nombres de peso como Tom Hanks, Michael Fassbender, Christian Bale, Matthew McConaughey y otros en la categoría de Mejor Actor.

Los dos films que van generando más consenso son la animada The Wind Rises de Hayao Miyazaki y el documental Stories We Tell de la canadiense Sarah Polley, ambos títulos ganaron en sus categorías tanto ayer como hoy y se perfilan como fijos en toda la temporada. Hay que destacar la presencia de la chilena Gloria en el Top 5 de cintas extranjeras, esperemos que la Academia la incluya entre sus nominadas en esa categoría. 

Los Juegos del Hambre: En Llamas

Se ha estrenado el segundo episodio de la última gran saga que veremos este año en el cine. The Hunger Games: Catching Fire (2013) cierra un año para las trilogías fílmicas que ha incluido buenos trabajos y otros varios para el olvido.

The Hunger Games: Catching Fire y su predecesora The Hunger Games (2012) están basadas en la novela de acción futurista The Hunger Games, escrita por Suzanne Collins. Al igual que los libros de Harry Potter o El Señor de los Anillos, estas obras literarias tienen miles de seguidores y todos los elementos para poder ser explotados por el séptimo arte.

The Hunger Games fue una cinta que entusiasmó a quienes conocían los libros y a quienes no. Era una película de acción que se concentraba en el drama personal de la adolescente Katniss Everdeen. En esa primera entrega, la figura de Katniss, interpretada brillantemente por la ganadora del Oscar Jennifer Lawrence, se convertía en una heroína poco habitual.  Alejada de una belleza convencional sino más bien con un estilo propio definido por su deseo de permanecer en el anonimato en rivalidad con su voluntad de salvar a su familia.

Esa personalidad que descubrimos en esa primera película es terminada de ser delineada en The Hunger Games: Catching Fire. Katniss no busca la atención sino que la encuentra una necesidad incómoda, es inconsciente de la dimensión de su influencia en un plan mayor. El gran aporte de este segundo capítulo de Los Juegos del Hambre es justamente esa atmosfera envolvedora que genera el caos político, el complot de quienes ven en Katniss el rostro de la revolución.

La matanza propia de Los Juegos del Hambre se convierte no en un fin en sí mismo sino tan solo en un elemento de un plan de liberación. Las alianzas que se forman entre los tributos y los brillantes efectos visuales hacen de esta cacería no solo impresionante a nivel visual sino conmovedora en un plano humano.

El tour de los ganadores de Los Juegos del Hambre abrirá los ojos de Katniss hacia una realidad que encenderá en ella el fuego de la revolución

Pero The Hunger Games: Catching Fire está lejos de ser un film aburrido; es una cinta de acción que abarca todos los elementos del mejor cine de entretenimiento, romance, aventura, personajes interesantes y una gran dosis de adrenalina. En ningún momento cae en facilismos, por el contrario es por momentos arriesgada en su propuesta. Su mayor acierto es que se mantiene muy fiel al estilo de los libros que dan origen a la saga fílmica.

El final de la cinta es probablemente uno de los más atractivos y emocionantes de los últimos tiempos, donde la imaginación del espectador puede empezar a crear los escenarios del siguiente episodio de la trilogía. The Hunger Games: Catching Fire es una película muy lograda, que juega con las emociones de la audiencia y acierta en mantener un ritmo inquietante en sus casi dos horas y media de duración.

Un ejemplo de buen cine de fantasía y acción. En este blog, estaremos atentos a la tercera parte de esta saga que se ha convertido en una de las mejores y más interesantes en el cine. Recomendable.

4 de 5

Gravedad

Se ha estrenado en nuestros cines una de los títulos más esperados del año, Gravity (2013) dirigida por el mejicano Alfonso Cuarón. Desde su presentación en distintos festivales, la película llamaba la atención por su alto contenido visual y su ambiciosa puesta en escena.

En Gravity, seguimos los eventos de una tragedia que se desencadena cuando una lluvia de satélites impacta una misión de astronautas en el vacío del espacio. Desde un primer instante, las imágenes nos transportan hacia una realidad donde no existe gravedad y donde la existencia humana se ve reducida a ser un simple punto blanco en un mar negro.

Los primeros minutos, Cuarón los aprovecha para generar cierta comodidad por parte de sus personajes, mostrándolos seguros de su trabajo pero con la sombra de un mal presentimiento que los persigue. Al momento que se desencadena el caos, las emociones de la audiencia ya se han visto manipuladas por las imágenes de la Tierra alrededor de toda la pantalla y por esa sensación de descontrol evocada por la falta de gravedad.

Lo que viene a continuación es una de las historias de supervivencia más difíciles que se hayan visto en el cine, la cual mezcla no solo el impacto visual que generan las imágenes y los maravillosos efectos especiales logrados sino el trabajo impecable de los actores, cuyo pánico se puede sentir a flor de piel. El desenlace de la historia es un reconocimiento a la lucha humana y a la voluntad necesaria para vivir.

Pero esta entrada no quiere detallar la historia de Gravity, la cual debe ser vista para ser apreciada en toda su dimensión. Nuestra misión es rescatar el impecable trabajo que logra Alfonso Cuarón en esta película. Cuarón, recoge los legados de lo mejor del cine de ciencia ficción que se haya puesto en celuloide para generar una atmosfera envolvente entre la pantalla de cine y la audiencia. Qué duda cabe, que Gravity está altamente influenciada por esa obra maestra llamada 2001: A Space Oddisey (1969). Pero Cuarón no copia la obra maestra de Stanley Kubrick, sino que a partir de la misma crea nuevas emociones, haciendo un uso total de todos los recursos que provee el lenguaje cinematográfico.

Así como 2001: A Space Oddisey, Gravity es un film que busca llamar la conciencia sobre la naturaleza y el sentido de la vida humana a partir de su confrontación con la inmensidad del espacio. Es por eso que en un momento la figura de Sandra Bullock adquiere posición fetal en una capsula espacial que puede ser considerada un nuevo útero. Para la doctora Ryan Stone, que interpreta Bullock, esta aventura representa una nueva vida.

Los aspectos técnicos de Gravity contribuyen a generar una narración perfecta, el detalle en el trato de la imagen y la fotografía, el vértigo causado por los decorados pequeños y asfixiantes y una música que repite la formula clásica de preparar a la audiencia en los momentos de tensión; todos son elementos puestos al servicio de la historia.

La mejor actuación de la carrera de Sandra Bullock

Pero Gravity no es solo sus efectos especiales, porque la verdadera empatía la causan las actuaciones de sus dos protagonistas, George Clooney y Sandra Bullock. Un gran acierto es presentar imágenes tanto alrededor de los personajes como por momentos sustituir los ojos de Ryan Stone por la cámara, de manera tal que podemos ver lo que ella está viendo.

En este blog no somos muy fanáticos del trabajo de Sandra Bullock como actriz, de hecho nunca la hemos considerado más que una comediante regular. Su Oscar por The Blind Side (2009) fue un tributo a su carrera más que un premio a una actuación que consideramos mediocre. Pero en Gravity, Sandra Bullock crea una actuación para la eternidad. Su trabajo destaca entre lo mejor que se pueda ver este año, se permite ser moldeada por el director de manera casi plástica, su control de emociones es notable, se aleja de todas sus interpretaciones previas para presentar una mujer herida pero que quiere vivir. Gravity no podría funcionar sin el gran papel de Sandra Bullock, que ha creado uno de los personajes femeninos más importantes de la historia del cine, en una época donde no existe mucho espacio para mujeres de su edad. Su nominación al Oscar es un hecho y ciertamente será una de las principales candidatas para llevarse el premio.

En los últimos años hemos visto un par de películas cuyo contenido visual y contenido narrativo desafían nuestros sentimientos más primigenios. Tree of Life (2011) y Life of Pi (2012) hicieron justamente eso, son viajes espirituales a través del séptimo arte. Gravity se une a estas películas que se convierten en piezas de arte porque tocan alguna fibra de la humanidad. Recomendamos que para vivir la experiencia total, vean la película en 3D y en la mejor calidad posible.

El viaje al espacio y la lluvia de emociones que provoca Gravity la convierten en una de las mejores películas del año, la primera gran competidora a ganar el Oscar a Mejor Película y en una cinta imprescindible. Totalmente recomendable.

5 de 5

Poster de Gravity con estilo Vintage, influenciado por 

las películas de ciencia ficción de los años 50

Jobs

Uno de los géneros favoritos de este blog es el biopic. Es decir esas películas que se concentran en una etapa o en toda la vida de un personaje importante en la historia. Es por eso que las expectativas sobre Jobs (2013) eran altas. La figura de Steve Jobs es una de las más impactantes en la cultura de las últimas tres décadas, su revolución tecnológica ha cambiado el mundo en muchos aspectos y lo colocan como un hombre fundamental de la modernidad.

Su temprana muerte hizo que la atención sobre su persona incrementara aún más. En Jobs, vemos el ascenso de un excéntrico estudiante hacia un exitoso visionario, el film busca mostrar además los fantasmas y rasgos menos humanos que tenía el genio de la Apple.

Sin embargo, Jobs es una cinta fallida, que no logra cumplir con la ambición de su planteamiento. A lo largo de sus casi dos horas de duración, nunca existe un estudio de la personalidad de Steve Jobs sino simplemente pincelazos sobre aspectos superficiales. El engranaje entre historia y personaje nunca logra concretarse.

Por momentos, la edición de la película es confusa y tan rápida que hace pensar que estamos viendo un comercial o un corto publicitario. Y es que, a pesar de entrar en algunos detalles, la historia nunca logra envolver del todo a la audiencia. Esto ocurre porque el guion es bastante lineal y en algunos momentos demasiado sencillo. La dirección se ve limitada entonces a un film con una narración casi televisiva.

Otro elemento que no contribuye en Jobs es ciertamente la mediocre actuación de Ashton Kutcher. El actor de la comedia Two and a Half Men, busca ser tomado en serio asumiendo los jeans y las zapatillas de Steve Jobs; para eso asume gestos y algunas manías que más parecen la exageración de las suyas propias. Kutcher no puede despojarse de su propia imagen para presentar a Jobs y nunca vemos un personaje consolidado en la pantalla.

Jobs tiene algunos momentos que son buenos, sobre todo aquellos que buscan mostrar el trabajo del equipo inicial de la Apple, en ellos se rescata la identidad de estos hombres que buscaban romper moldes desde un simple garaje. El ascenso de estos nerds hasta la consolidación de un mini imperio, están filmadas de manera dinámica y con una dirección de arte que resaltan la ambición de estos inadaptados rebeldes. Desgraciadamente, esa emoción nostálgica se pierde en lo que sigue de la película y vemos un intento de presentar a un hombre atrapado por su propia creación, como el Howard Hughes de The Aviator (2004) pero sin el genio de Martin Scorsese.

A pesar de todo, Jobs es una película que se deja ver sin aportar nada más. Quizás Steve Jobs hubiera querido que su vida sea presentada de mejor manera y con el esfuerzo que él supo transmitirle a todo lo que hacía.

2.5 de 5

Thor: Un Mundo Oscuro

Parece que el 2013 ha sido el año de las franquicias en el cine. La gran mayoría de blockbusters han sido segundas o terceras entregas de sagas basadas en algún súper héroe o en alguna película previa. Hace unos días, cuando se anunciaron los nominados a la película favorita de los People’s Choice en Estados Unidos, ocurrió un hecho inédito, por primera vez las cinco finalistas eran películas pertenecientes a alguna trilogía o saga.

Uno de los héroes más esperados este año era Thor, que después de una interesante primera película hace un par de años, despertaba el interés de sus seguidores y cinéfilos en el mundo. Thor (2011) era una película que destacaba dentro del grupo de películas de la Marvel. Su director, el también actor Kenneth Brannagh, le había sabido aportar ese aire shakesperiano a la historia de la figura de acción.

Thor: The Dark World (2013) es una película que se aleja del estilo de su predecesora, su director ya no es Brannagh y el resultado es poco alentador. En esta segunda parte, el ritmo narrativo del film trata de volver a su raíz del comic pero además a los estereotipos repetitivos de las cintas de acción de Hollywood.

En Thor, los personajes de la historieta eran presentados de un modo casi novelesco, otorgándole más peso a la historia misma que a los efectos que la sostenían. Esos retratos se pierden en Thor: The Dark World, donde los actores se ven poco menos que entusiastas en sus respectivos personajes.

Los pocos momentos buenos son justamente aquellos donde la acción se concentra en las personalidades de las actuaciones, los cuales son escasos. Por lo demás, Thor: The Dark World tiene la dosis suficiente de escenas de acción con grandes efectos especiales, unas cuantas escenas de luchas entre héroes y villanos y uno que otro momento que pudieron ser eliminados en la sala de edición.

La trama de Thor: The Dark World es por momentos atractiva y logra sorprender con un par de giros inesperados, pero también hay ciertos elementos cuya fantasía bordea con el ridículo. En esta oportunidad, se trata de introducir nuevos personajes a la historia pero ninguno adquiere relevancia dentro de la narración.

Thor: The Dark World es una de esas películas que uno ve una vez para no perderse uno de los capítulos de la saga, pero que no vuelve a ver de nuevo por interés propio. Le sigue los pasos a Iron Man 3 (2013), en términos arruinar la calidad de sus predecesoras. Una decepción.

2 de 5

Parece que en Hollywood se han quedado con tan pocas ideas que hasta los posters de sus héroes siguen el mismo estilo.

Antes de la Medianoche

Desde hace unos días tenemos en nuestras salas de cine, Before Midnight (2013) el último capítulo de la historia de amor que empezara con Before Sunrise (1995) y que continuara Before Sunset (2004). Las tres entregas de esta saga romántica han sido dirigidas por Richard Linklater y protagonizadas por Ethan Hawke y Julie Delpy. El trío también ha escrito el guion de la trilogía.

Hawke es Jesse, el estadounidense que conquista a Celine en un viaje a Europa marcado por el desamor. Celine, interpretada por Delpy, es una abogada ambientalista, una abanderada de la independencia femenina que no puede resistirse a los encantos del complicado y tierno Jesse.

Before Midnight repite la fórmula de su predecesora y nos va contando de a pocos cuales fueron los hechos que ocurrieron desde la última vez que vimos a la pareja en la pantalla. El tiempo transcurrido entre film y film es el mismo que pasa en la ficción de esta historia de amor.

Tanto Before Sunrise como Before Sunset tuvieron finales abiertos, donde no sabemos que es lo que ocurre con nuestros protagonistas. Before Midnight parte de ir respondiendo las preguntas que tenemos quienes vimos el final de la última entrega de la saga en el 2004. Después de una escena entre Jesse y su hijo, ya convertido en casi un adolescente, sabemos que el escritor sigue con Celine. Ambos se han convertido en padres de unas gemelas y se encuentran frente a las dificultades cotidianas de toda relación que ha durado tanto tiempo.

En Before Midnight vemos como Linklater nos sumerge en la intimidad de esta pareja que ha compartido varios momentos juntos, los jovencitos turistas de Before Sunrise se han convertido en dos cuarentones presos de las decisiones del mundo maduro. La cinta es una historia de amor pero está lejos de los moldes hollywoodenses que pretenden mostrar una relación sencilla o llena de felicidad. El retrato del amor que vemos es realista, por momentos desolador, confrontante, sin embargo no deja de ser tierno como Jesse trata de llamar la atención de su Celine, o como ella a pesar de todo no puede resistirse a entregarse a su Jesse.

Mientras la historia va avanzando, nos vamos enterando que nuestros amantes nunca se casaron, que la sombras de la desconfianza los han perseguido mucho tiempo, que ella no conoce a la familia de él, que ambos no han podido terminar de renunciar a sus propias personalidades; que el amor es un concepto que se va construyendo en cada paso y no una realidad de cuento de hadas.

El director Richard Linklater nos desnuda lo que pasa entre las cuatro paredes del cuarto de Jesse y Celine. La cinta solo transcurre en cuatro escenas largas y llenas de diálogos extensos, profundos, que van al pasado, que plantean dudas y que en algunos momentos ocasionan estallidos emocionales. En la primera escena larga nuestra pareja maneja del aeropuerto a la casa donde están pasando las vacaciones, la conversación es tensa, el plantea la posibilidad de volver a usa y ella se atormenta por la inevitabilidad del fin de la relación.

En una segunda escena, ambos comparten con otras parejas la mesa. Es un diálogo de aprendizaje, donde distintas edades y generaciones comparten sus propias visiones del enamoramiento. Se habla de sexo pero también se habla de muerte. En la tercera escena, Jesse y Celine van caminando por este pueblo griego que parece haberse estancado en el tiempo. Ambos coinciden que su relación es una burbuja donde no hay crisis, no hay turistas, solo ellos dos. La cámara siempre está frente a ellos, como demostrando que el camino recorrido es un elemento poderoso para mantenerlos juntos, en pocos momentos la cámara se pone detrás de los caminantes quizás insinuando que no hay mucho camino adelante.

Finalmente, está la escena del clímax en el cuarto del hotel, una habitación que refleja la inevitable presencia de lo cotidiano en esta relación. Ya no pueden escapar a sus problemas, los persigue hasta en su deseo de volver a la juventud. Celine se ha convertido en una mujer con unos kilos de más, con un rostro que refleja los años de trabajo y sacrificios, cuya belleza radica en una plenitud de su personalidad y ya no en la frescura de la aventura. Jesse también ha envejecido, su intento de vestirse juvenilmente no esconde su mirada de preocupación, la barba que antes pintaba tonos rojos ahora pinta canas grises, tiene miedo de ser un padre ausente y sabe que su legado no serán sus libros sino su familia.

Before Midnight es una película maravillosa, la imagen resalta prudentemente la preciosa villa griega donde están los personajes, pero no deja de centrar su atención en ellos. Todos los elementos tienen un significado dentro de la vida de Jesse y Celine, el guion está perfectamente construido, de manera tal que la cinta puede ser vista varias veces y tener impactos distintos en la audiencia, incluso para aquellos que no han visto las dos precuelas del film. Este guion merece una nominación al Oscar definitivamente.

Las actuaciones de Ethan Hawke y Julie Delpy son acuciosas en ser naturales. No existen exageraciones sino más bien dos personajes introspectivos. Sobre todo la actuación de Julie Delpy es impresionante, sin temores, cruda y acompañada de un encanto que se convierte en el centro de la historia.

En una cartelera llena de películas con fantasmas, zombies, muertos y demás espectros; Before Midnight se convierte en la mejor opción para ver una película interesante. De lo mejor que he visto este año. Totalmente recomendable.

5 de 5.