OSCAR 2015: MEJOR ACTOR SECUNDARIO

El recientemente fallecido Robin Williams ganó su único Oscar en esta categoría,
fue el Mejor Actor Secundario por Good Will Hunting (1997)

Cuando la Academia se equivoca, sus críticos suelen saltarle a la yugular para atacarla. Este año en varias categorías, la Academia se ha equivocado. Sin embargo, hay algunos rubros donde su buen gusto sale a flote. Ese es el caso de la categoría de Mejor Actor Secundario, donde los académicos han seleccionado cinco impecables trabajos de cinco grandes actores. Desgraciadamente, el Oscar ya está cantado pero en términos de calidad, esta es una de las competencias más reñidas de la gala del cine. Un pequeño dato: dos actores que han interpretado a Hulk se encuentran entre los nominados. 

Los candidatos son:

Robert Duvall in The Judge

Historia con la Academia: es su séptima nominación al Oscar y la cuarta en esta categoría. Estuvo nominado como Mejor Actor por The Great Santini (1980) y The Apostle (1997);  como Mejor Actor Secundario ha estado nominado por su papel de Tom Hagen en The Godfather (1972), por Apocalypse Now (1979) y por A Civil Action (1998). Ganó su único Oscar, en el rubro de Mejor Actor por Tender Mercies (1983).

Premios por este papel: ninguno, pero ha estado nominado al Golden Globe, al SAG, y al BFCA.

A favor: Duvall es una leyenda viva en Hollywood, pocos actores de su generación aún pueden pasear sus trabajos por las alfombras rojas de la temporada de premios. Si el premio fuera a la trayectoria, este veterano de casi 80 años se llevaría el premio de encuentro. Su trabajo en The Judge es lo mejor de la película, una actuación sobria, detallada, entregada al papel, al mejor estilo clásico de un intérprete que tiene casi 6 décadas frente a la pantalla.

En contra: la competencia en la categoría es fuerte y The Judge es una cinta que no puede ser comparada con las demás películas que presentan a sus co-nominados. La nominación pareciera ser el mayor premio al que puede aspirar Duvall. El mismo actor ha reconocido que esta vez no ganará.

Ethan Hawke en Boyhood

Historia con la Academia: es su cuarta nominación al Oscar y la segunda en esta categoría. Estuvo nominado a Mejor Guion Adaptado por Before Sunset (2004) y Before Midnight (2013), películas ambas dirigidas y co-escritas por Richard Linklater, director de Boyhood. También fue nominado como Mejor Actor Secundario por Training Day (2001). No ha ganado el Oscar hasta el momento.

Premios por este papel: ninguno, pero ha estado nominado al Golden Globe, al SAG, al BAFTA y al BFCA.

A favor: Boyhood es una de las películas más importantes del año y fuerte competidora a ganar el Oscar a Mejor Película, si la Academia realmente se enamora de la cinta, Hawke podría verse beneficiado. Sus colaboraciones con Linklater le han permitido mostrar a Hawke lo mejor de su talento, pero en Boyhood su actuación es maravillosa, de una humanidad notable y con ese estilo fresco propio del actor.

En contra: en un año con tantas buenas actuaciones y de competencia tan ajustada, es raro que la Academia premie una sola cinta en varias categorías, lo más probable es que reparta el oro como se dice. Dicho eso, la atención actoral de Boyhood se ha concentrado en Patricia Arquette, que está nominada como Actriz Secundaria y no en el buen Ethan Hawke, por lo que es probable que ella gane el premio en su categoría y el no. Merecida nominación.

Edward Norton en Birdman or The Unexpected Virtue of Ignorance

Historia con la Academia: es su tercera nominación al Oscar y la segunda en esta categoría. Estuvo nominado como Mejor Actor Secundario por Primal Fear (1996) y como Mejor Actor por American History X (1998).

Premios por este papel: ninguno, pero ha estado nominado al Golden Globe, al SAG, al BAFTA y al BFCA.

A favor: después de ver Birdman uno se pregunta cuál de las actuaciones vistas es la mejor del reparto. Lo cierto es que Norton da una actuación soberbia como un actor que entiende el teatro como forma de vida. El actor que alguna vez fue Hulk se apodera por completo del papel y le entrega vitalidad, carisma y una fuerte dosis de realidad que hace que uno se olvide de todo lo que ha visto antes en la carrera de Norton. Es una de las mejores actuaciones del año.

En contra: J.K. Simmons es el gran favorito de la categoría, pero en otro año Norton hubiera arrasado en la temporada de premios. Desgraciadamente, Birdman tiene tantos puntos fuertes que va ser difícil que la Academia se decida solo por una categoría.

Mark Ruffalo en Foxcatcher

Historia con la Academia: Es su segunda nominación al Oscar, ambas en este rubro. Estuvo nominado como Mejor Actor Secundario por The Kids Are All Right (2009).

Premios ganados por este papel: ninguno, pero ha estado nominado al Golden Globe, al BAFTA, al BFCA y al SAG.

A favor: Ruffalo es uno de los mejores actores del cine actual, siempre dispuesto a perderse en sus personajes. En Foxcatcher, Ruffalo vuelve a demostrar todo su talento, engorda más de 20 kilos y se convierte en el corazón de la cinta, notable actuación en uno de los mejores títulos del año.

En contra: Ruffalo padece ese pequeño complejo que padecen y han padecido muchos grandes del cine en el Oscar, es decir que son tan buenos que la Academia se ha acostumbrado a tenerlos presente siempre y nada más. Foxcatcher no está nominada a Mejor Película lo cual no habla bien del respaldo a la cinta en la Academia, es una pena porque Ruffalo sería un justo ganador.

J.K. Simmons en Whiplash

Historia con la Academia: es su primera nominación al Oscar.

Premios ganados por este papel: el Golden Globe, el BAFTA, el LAFCA, el NYFCC, el BFCA y el SAG, además de innumerables premios de críticos en todo Estados Unidos.

A favor: Simmons es la definición moderna de un actor de carácter, lo vemos en varias películas en roles secundarios y siempre acierta en dar el apoyo necesario a su reparto. Es un actor respetado dentro la industria y ya era hora que empiece a ser reconocido por la misma. Los expertos coinciden en que su actuación en Whiplash tiene la fórmula ganadora que le encanta a la Academia, un hombre dominante, carismático, que se roba todas sus escenas y que juega un papel influyente en la vida de alguien que lo necesita. Simmons es la apuesta fija para el Oscar, más aun considerando que Whiplash está nominada como Mejor Película.

En contra: nada, no hay forma que pierda, sería una gran sorpresa y el único que podría quitarle el premio sería Edward Norton.

Quien va ganar? J.K Simmons en Whiplash

Quien debería ganar? Con toda honestidad, cualquiera de los 5 sería un justo ganador. Este año la Academia ha nominado muy bien en este rubro.

Por quién votaría yo? Por Edward Norton en Birdman, una actuación para la historia!

Quien debió estar nominado? Quizás Channing Tatum por Foxcatcher, aunque la lista me parece perfecta.

* Debido al gran número de premios que se entregan, solo se consideraron los más importantes para este comentario, las siglas citadas se refieren a:

NYFCC: New York Film Critics Circle; LAFCA: Los Angeles Film Critics Association; NBR: National Board of Review; BFCA: Broadcast Film Critics Association y BAFTA: British Academy of Film and Television.

Mike Nichols (1931 – 2014)

 Ha muerto Mike Nichols. Fue uno de los directores más queridos dentro de la industria del cine y una de las pocas personas que ha recibido casi todos los honores que un artista puede recibir en Estados Unidos. Para sus críticos, Nichols nunca fue un director extraordinario, sus películas son consideradas muy simples para que aquellos seguidores de las poses intelectuales.

Junto a Elaine May cuando eran duo de comedia

 Lo cierto es que Nichols tuvo una carrera muy influyente en la industria del entretenimiento. Fue una pieza esencial en la definición de la nueva comedia americana teatral de los años sesenta cuyos aires se sienten hasta estos días. En el teatro, Nichols también experimentó el fracaso y supo reinventarse en varias ocasiones con bastante éxito.  Las obras de Neil Simon lograron convertirse en parte de la cultura teatral en mucho gracias a la dirección que Nichols le dio a las mismas.

Al final de su carrera, Nichols se volcó a la televisión y una vez más consiguió impactar un medio. Su miniserie Angels in America (2003) es probablemente la mejor producción para la televisión de las últimas décadas y fue una pieza clave para los nuevos shows de los últimos años, en términos de tratar temas controversiales y apostar por innovar el lenguaje televisivo. Nichols ganó un merecido segundo Emmy a Mejor Director por Angels in America, que además se convirtió en la miniserie más premiada en la historia del premio y que tiene un trabajo actoral impresionante, destacando Meryl Streep, Al Pacino, Mary-Louise Parker y Jeffrey Wright.

Pero como este es un blog de cine, hay que mencionar la filmografía de Mike Nichols, la cual además no es bastante extensa y tiene apenas 20 títulos. El director se inició en el cine luego de triunfar en Broadway y después de haber terminado su dúo de comedia con la genial Elaine May. Su primera película fue Who’s Affraid of Virginia Woolf? (1966), basada en la obra de Edward Albee sobre la turbulenta reunión de dos parejas casadas que en una noche enfrentan sus mayores demonios. La cinta estaba protagonizada por Richard Burton y Elizabeth Taylor como los esposos George y Martha, una destructiva pareja que encuentra en los ataques verbales la única forma de comunicación. Who’s Affraid of Virginia Woolf tiene mucho de la influencia teatral de Nichols pero es una gran película, con una atmósfera sofocante y con unas soberbias actuaciones de todo el reparto que además incluía a George Segal y la maravillosa Sandy Dennis. En esta cinta, Nichols logró la que es sin lugar a dudas la mejor actuación de Elizabeth Taylor, quien alejada del glamour de sus anteriores papeles supo darle la batalla a ese monstruo de la actuación que era su esposo Richard Burton.

Nichols junto a Elizabeth Taylor y Richard Burton en pleno rodaje

Rodaje de The Graduate

Su siguiente película The Graduate (1967) es una de las cintas más recordadas de todos los tiempos y un ícono dentro de la cultura pop de la época. La historia gira alrededor del triángulo amoroso entre Benjamin Braddock y su novia Elaine y su madre la señora Robinson. Este film presenta como pocos, la confusión de una generación que se siente ahorcada por sus padres, una sociedad que vive de las apariencias y es hasta profética en señalar que el futuro era el plástico. Como en su anterior cinta, Nichols logró de su reparto notables actuaciones y lanzó al estrellato a Dustin Hoffman y creó un personaje salvaje y seductor en la señora Robinson interpretada magistralmente por Anne Bancroft. Nichols ganó el Oscar a Mejor Director por esta cinta en uno de los mejores años que haya tenido el Premio de la Academia.

Muchos creen que la filmografía de Nichols se acabó con estos dos títulos, sin embargo en las siguientes décadas el director también estuvo a cargo de otras películas interesantes. La poco recordada Carnal Acknowledge (1971) es una de las películas que mejor han tratado la psicología sexual y tiene una visión oscura de las relaciones, además de tener impecables trabajos de Jack Nicholson y Ann-Margret. Otra cinta poco recordada es Silkwood (1983), la cual presenta papeles femeninos fuertes y plantea temas como la contaminación ambiental y sus impactos en la salud. Silkwood es una película muy lograda, seria y de lo mejor de la década del 80. Meryl Streep y Cher dan dos actuaciones soberbias, cuando ambas estaban en el mejor momento de sus carreras. 

La colaboración entre Nichols y Streep ha producido además dos películas en las que el trabajo actoral es notable. La primera es Heartburn (1986) en la que Streep comparte roles con Jack Nicholson y la segunda es Postcards from the Edge (1990), basada en las memorias de la actriz Carrie Fisher y su relación con su madre, la también actriz Debbie Reynolds. Streep interpreta a la hija de Shirley MacLaine y la película muestra agudamente la relación entre ambas dentro de un Hollywood inmoral y falso. La década del 80 terminaría con la taquillera Working Girl (1988) una comedia romántica sobre amor en el mundo empresarial neoyorquino.

La doble moral de la sociedad vuelve a ser tocada en Primary Colors (1998), inspirada en el escandalo Clinton/Lewinski y donde John Travolta encarna a un Presidente envuelto en líos de faldas. Con un tono y estilo más ligero, Nichols hizo un remake de La Cage Aux Folles (1978), The Birdcage (1996) es quizás una de las cintas más entretenidas de su década.

Las últimas dos películas de Nichols fueron las irregulares Closer (2004) y Charlie Wilson’s War (2007), en la primera destaca lo sombrío del guion y las actuaciones de Natalie Portman y Clive Owen; mientras que la segunda tiene un tono irónico político que nunca termina de redondear la trama.

El trabajo de Mike Nichols en el cine se ha caracterizado sobre todo por el resultado obtenido de sus actores. Algunos de ellos han conseguido sus mejores papeles bajo su dirección y eso hizo que este director sea tan cotizado dentro da la industria. Nichols se va de este mundo con un mantel lleno de laureles que incluye un Oscar, un par de Emmys, varios Tonys y un par de Grammys; es decir los cuatro premios más importantes del entretenimiento en Estados Unidos. Nichols además recibió el AFI Lifetime Achievement Award en el año 2010.

Se trata de un director que siempre trató de imprimir un discurso de protesta en su trabajo, incluso en aquellas cintas que parecen ligeras. Su influencia se puede sentir en varios directores contemporáneos que privilegian el trabajo actoral, el contenido del guion y la creación de un espacio reconocible dentro de la narración. Ha muerto un grande. Descansa en paz Mike Nichols.

Oscar Honorífico 2014: Hayao Miyazaki y Harry Belafonte

Hayao Miyazaki

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas es una organización que no se encuentra ajena a la crítica, sobre todo en algunas de las elecciones de sus ganadores y nominados a lo largo de su historia. Sin embargo, hay que destacar que esta organización es la única que desde sus inicios ha sabido reconocer a géneros como el cortometraje, el documental y el cine animado. Este año, la Junta de Gobernadores de la Academia ha decidido entregarle un Oscar Honorifico al japonés Hayao Miyazaki, uno de los hombres más importantes en la historia del cine de animación.

Miyazaki y algunos de sus personajes

Los inicios de su carrera fueron como dibujante en una compañía de mangas para la televisión. Miyazaki siempre supo darle un toque personal a cada una de sus creaciones, las cuales siempre mostraban un interés por reflejar sentimientos humanos escondidos, experimentar con los sueños, darle importancia a roles femeninos y en general crear mundos de fantasía con mensajes subliminales como trasfondo. Como era de esperar, su paso por la televisión le sirvió como trampolín al cine donde Miyazaki llevó al manga a niveles sorprendentes en términos de calidad y expresión artística.

La filmografía como director de Miyazaki cuenta únicamente con 11 títulos, algunos de los cuales pueden ser considerados en cualquier lista sobre las 10 o 5 mejores películas animadas de todos los tiempos. La primera etapa de la carrera de Miyazaki abarca la época entre su debut con Rupan Sansei: Kariosutoro no Shiro (1979) o El Castillo de Cagliostro, seguido por Kaze no Tani no Naushika (1984), Tenku no Shiro Rapyuta (1986), Majo no Takkyubin (1989) y Kurei no Buta (1992). En esta época además resaltan dos de sus obras maestras, la Princesa Mononoke o Mononoke-hime (1997) y Mi Vecino Totoro o Tonari no Totoro (1988). Estas dos últimas presentan personajes memorables al mundo de la animación en el cine.

 

Recibiendo el León de Oro en el Festival de Venecia

La carrera de Miyazaki adquiere fama mundial y un nuevo nivel en sus producciones con Spirited Away o Sen to Chihiro no Kamikakushio (2002), ganadora del Oscar a la Mejor Película Animada y reconocida como un punto culmen en la historia de la animación. Miyazaki introducía un discurso maduro en sus historias, con fuerte contenido social y con una humanidad nunca antes vista. A Spirited Away le seguirían Hauru no Ugoku Shiro o Howl’s Moving Castle (2004) que también estuvo nominada al Oscar a Película Animada, Gake no Ue no Ponyo (2008) y Kaze Tachinu o The Wind Rises (2013), su canto de cisne y que ha sido aplaudida unánimemente por la crítica mundial y volvió a nominar a Miyazaki al Oscar, lamentablemente perdió ante la millonaria Frozen (2013). El genio de la animación anunció que The Wind Rises sería su última película.

Hayao Miyazaki, de 73 años,  se convertirá el sábado en el cuarto animador en ganar un Oscar Honorífico, entrando al selecto grupo formado por Walt Disney, Walter Lantz el creador del Pájaro Loco y Chuck Jones el creador de los Looney Tunes. No cabe duda que se trata de un premio más que merecido a un hombre cuyo trabajo ha cambiado la forma de hacer cine en el mundo.

El universo de Hayao Miyazaki

Harry Belafonte

Aparte de los tres Oscar Honoríficos que se entregarán el sábado, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas también presentará el Jean Hersholt Humanitarian Award a Harry Belafonte. El premio Jean Hersholt reconoce a algún miembro de la comunidad cinematográfica que haya tenido a lo largo de su vida y su carrera aportes considerables a causas sociales o humanitarias.

Belafonte empezó su carrera como cantante, llegando a ser bastante exitoso con sus canciones. Hizo el paso al teatro llegando a ganar un Tony como Mejor Actor Secundario en un Musical por Almanac en 1954. Hizo su debut en el cine con Bright Road (1953) junto a Dorothy Dandridge con quien además protagonizaría Carmen Jones (1954) dirigida por Otto Preminger y uno de los primeros musicales protagonizados por afro americanos. Belafonte no solo tenía aptitudes para los musicales sino también para el drama y lo demostró en cintas controversiales para su época como Island in the Sun (1957) junto a Joan Fontaine, Odds Against Tomorrow (1959) dirigida por Robert Wise y The World, the Flesh and the Devil (1959).

 

Belafonte y Martin Luther King Jr.

Belafonte rechazó muchísimos papeles por considerar que estereotipaban a la gente de su raza y a diferencia de Sidney Poitier, dejó la gran pantalla para volver a la música y ocasionalmente a la televisión. La década del 60 fue además la más importante en términos políticos y sociales para Belafonte. El artista fue uno de los voceros principales de la campaña contra el racismo impulsada por Martin Luther King Jr. con quien además mantuvo una estrecha amistad.

Aprovechando su condición de figura del espectáculo, Belafonte ayudo a conseguir fondos (los cuales muchas veces salían de su bolsillo) para apoyar marchas, manifestaciones y comités en todo Estados Unidos por la lucha de los derechos de las minorías raciales. Militante demócrata, Belafonte fue nombrado por el presidente John F. Kennedy como asesor cultural del Cuerpo de Paz de ese país.

Belafonte dando un discurso en Washington, años 60.

En 1985, Belafonte fue uno de los promotores de la canción “we are the world” que reunió a varios artistas y recaudó fondos para el África. Fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de UNICEF y en este puesto ha visitado varios países, concentrando sobre todo su ayuda en niños con VIH y SIDA, así como niños abandonados por guerras civiles en países africanos. El artista fue claro opositor al gobierno de George W. Bush y a la intervención de Estados Unidos en Irak y es considerado un referente en temas sociales y políticamente sensibles en su país.

El actor no ha abandonado su carrera como actor y aparece ocasionalmente en algunas cintas o producciones para la televisión, destaca su rol secundario en Kansas City (1996) de Robert Altman, papel por el cual muchos aseguraban una nominación al Oscar. La Academia nunca reconoció el trabajo del intérprete y nunca estuvo nominado a los Premios de la Academia.

Ganador del Emmy y del Grammy Harry Belafonte, de 87 años, es la persona perfecta para recibir el premio Jean Hersholt, no sólo por ser dueño de una carrera notable en el entretenimiento sino porque supo usar la misma en distintas causas humanitarias y como luchador por los derechos civiles en una época complicada para la gente de su raza. Bien merecido.

 

Harry Belafonte, embajador de la UNICEF

Oscar Honorífico 2014: Maureen O'Hara y Jean-Claude Carriere

Hace poco más de un mes la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció a los ganadores de los Premios Honoríficos de la Academia de este 2014. A pesar de las omisiones, hay que reconocer que se trata de una buena selección que sorprende por su diversidad y buen gusto. La noche del sábado 08 de noviembre se entregarán tres Oscar Honoríficos a la actriz Maureen O’Hara, al productor, director y guionista Jean Claude Carriere y al director y productor de animación Hayao Miyazaki; de igual modo se premiará con el Jean Hersholt Humanitarian Award al actor Harry Belafonte.

Dedicamos las siguientes entradas a darle una rápida mirada a la carrera de los primeros oscarizados de esta temporada de premios. Pero antes hay que nombrar a algunos de los artistas que aún están esperando su Oscar Honorífico: Doris Day, Agnes Varda, Jeanne Moreau, Robert Evans, Michel Piccoli, Manoel de Oliveira, Jean-Louis Trintignant, Alain Delon, Omar Shariff, entre otros.

Maureen O’Hara

Mítica escena de The Quiet Man, junto a John Wayne

Cuando se habla del Hollywood clásico, se habla de grandes películas, de buenos directores pero sobretodo de estrellas de cine en el sentido más puro del término. Una de esas estrellas que aún viven es Maureen O’Hara. Esta bella pelirroja protagonizó westerns, cintas de acción, comedias románticas, películas familiares e incluso dramas de época. Con su alta figura y su porte de mujer fuerte, era el contrapeso perfecto para actores como John Wayne. Maureen O’Hara era nada menos que la actriz favorita de John Ford, considerado por muchos como el mejor director de todos los tiempos. Fue Ford quien convirtió a O’Hara en un rostro imprescindible del cine, teniéndola como protagonista de algunos de sus mejores trabajos como la Ganadora del Oscar How Green was my Valley (1941), Rio Grande (1950) y la excelente The Quiet Man (1952). Cualquier persona se llevaría un Oscar sólo por estas cintas. Pero O’ Hara también trabajó para genios como Alfred Hitchcock en Jamaica Inn (1939) y fue la Esmeralda de Charles Laughton en la maravillosa The Hunchback of Notre Dame (1939). Junto a Tyrone Power protagonizó las taquilleras Sinbad, the Sailor (1947), Bagdag (1949) y The Black Swan (1942). También hizo comedia en Sitting Pretty (1948) con Clifton Webb, The Parent Trap (1961) con Hayley Mills donde madre e hija entran en el cuerpo de la otra. Fue la esposa de Henry Fonda en Mr. Hobbs Takes a Vacation (1963) y fue la actriz principal del clásico navideño Miracle on the 34th Street (1947). 

La pelirroja por excelencia del cine

A pesar de una vasta filmografía y de ser una de las actrices más versátiles de su época, Maureen O’Hara nunca recibió una nominación al Oscar. Al parecer la industria ya estaba acostumbrada a su increíble talento y su imborrable presencia en la gran pantalla. La actriz se retiró del cine en la década del 70 para dedicarse a su familia, volvió en la comedia Only the Lonely (1991) con John Candy pero volvió al retiro luego de esta cinta. A sus 94 años, ya era hora que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le dé un justo premio a uno de los últimos rostros de la era dorada de Hollywood. Es un Oscar que tiene varias décadas de retraso y que esperemos permita que el nombre de esta legendaria actriz vuelva a los oídos de los cinéfilos más jóvenes. Será un gran momento ver a esta gran intérprete recibir, por fin, el Oscar.

O'Hara hace unos años en los premios SAG

Jean-Claude Carriere

Luis Buñuel y Carriere bromean ante el lente de la cámara

La gran sorpresa de los Premios Honoríficos de la Academia este año fue la inclusión del francés Jean-Claude Carriere entre los homenajeados. Es sorpresivo puesto que Carriere es uno de esos artistas que siempre se mantuvo alejado de Hollywood y que ha tenido una prominente carrera en Europa. Su nombre se encuentra asociado a maestros del séptimo arte como Jacques Tati y Luis Buñuel, además de haber trabajado junto a Jean-Luc Godard, Andrzej Wajda y Louis Malle, entre otros. Carriere es uno de esos intelectuales que se volcaron al cine a finales de la década del 50, pero que mantuvo esa identidad académica a lo largo de su carrera. Fue Jacques Tati quien introdujo a Carriere a la meca del cine, usándolo primero como escritor de historias basadas en sus cintas y luego como escritor de las mismas. Había cumplido 30 años cuando se unió al comediante Pierre Etaix para realizar el cortometraje Heureuz Anniversaire (1962) por el cual recibió el Oscar a Mejor Corto. En 1964, empezó su colaboración con Buñuel, ya alejado de México y asentado en Europa. Carriere es el guionista y a veces productor de algunos de los mejores títulos del maestro surrealista, entre ellos Le Journal d’une Femme de Chambre (1964), Le Fantome de la Liberte (1974) y las imprescindibles Belle de Jour (1967), Ese Oscuro Objeto del Deseo (1977) y la ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera Le Charme Discreet de la Bourgeoisie (1972).
 

Foto histórica: Carriere rodeado de los genios del séptimo arte,
reconocen a alguno?

Sólo esta filmografía hace de Carriere merecedor de todo tipo de honores. Sin embargo, entre sus créditos como guionista también están La Derniere Image (1982), The Unbereable Lightness of Being (1988), Cyrano de Bergerac (1990), Birth (2004) y otra ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera, la alemana Die Blechtrommel (1979). Carriere fue además el productor de numerosas series, documentales y películas para la televisión europea y ha escrito numerosos libros sobre distintos temas, entre ellos la biografía de su amigo Luis Buñuel. A sus 83 años, Carriere es uno de los nombres más importantes en el cine europeo y lo ha sido desde los años 60; es además una de las pocas figuras en que la intelectualidad del arte y la magia del cine han podido unirse con éxito. La Academia de Hollywood demuestra su buen gusto con este premio a Jean-Claude Carriere.

Carriere el año pasado en el Festival de Cannes

Desaparecida

Se encuentra en cartelera Gone Girl (2014), la más reciente película del director David Fincher. La película ya empieza a sonar como una fuerte competidora en la próxima temporada de premios. A continuación algunas razones por las cuales no hay que dejar de ver el film.

1.    David Fincher se ha posicionado como uno de los mejores directores de estos tiempos. Sus películas mezclan una narración dinámica, moderna, atrevida sin dejar de incluir estilos clásicos de maestros como Alfred Hitchcock o Billy Wilder. En Gone Girl se ponen de manifiesto justamente la influencia de estos dos directores de manera más notoria. La cinta es emocionante, construye situaciones complejas, diseña personajes desde los principales hasta los secundarios, apuesta por el cuidado de los detalles, no deja cabos sueltos y mantiene un ritmo interesante a pesar de lo largo de la duración del film.

 

2.    Gone Girl es una película que pone muchos temas en debate. El manejo de la información por parte de los medios de comunicación, las complejidades de una relación matrimonial, los problemas que presenta la cultura del éxito, los estereotipos de la sociedad y los problemas mentales que aquejan a muchos en apariencia sanos son tratados de modo impecable e implacable por la película. Sin embargo, la critica de Fincher no se muestra pretensiosa sino mas bien subliminal y aguda, mezclándose con el entretenimiento de la historia.

3.    La elección de reparto es impecable. Sobre todo el caso de Ben Affleck que es el actor perfecto para esta película. Su personaje es el de un esposo que se ve acusado por la desaparición de su mujer bajo la premisa de sus errores de actitud e infidelidades. El Nick Dunne que crea Affleck es un hombre agobiado por las circunstancias, mediocre en su madurez, incapaz de controlar el peso mediatico que lo rodea. En cierta manera, Nick Dunne es el Ben Affleck de hace unos años cuando sus escándalos personales pesaban más que su carrera y su matrimonio era el platillo de la prensa más amarilla. Affleck logra una actuación creíble, acertada en todo momento, con elementos personales que el actor sabe usar en los instantesprecisos sin caricaturizar y en favor de la historia. Fincher no solo ha logrado colocar a Ben Affleck como un actor interesante sino que ha obtenido la mejor actuación en la carrera de la estrella hollywoodense.

Pike, Affleck y Fincher

4.    La otra gran actuación de la cinta es la de Rosamund Pike. Esta bella actriz inglesa por fin ha encontrado un papel que le permite mostrar toda su versatilidad y vaya si lo consigue. Amy Dunne, la mujer que desaparece y que es el verdadero centro de la historia, se convertirá en uno de los personajes femeninos más aterradores de la historia del cine. Pike ha conseguido con esta actuación lo que Kathy Bates logró con Misery (1990) y le ha dado a la locura y la psicopatía un nuevo rostro. La actriz explota su imagen de perfección y a diferencia del personaje de Affleck, su papel evoluciona de una presencia fantasmagórica a una monstruosa. Rosamund Pike se merece ser nominada al Oscar a Mejor Actriz el próximo año.

5.    Otro gran acierto de la cinta es el uso de los actores secundarios. Todos los papeles que en la mayoría de películas son de relleno son explotados por el guion de la película. Y la dirección de Fincher logra articularlos de tal forma que todos se convierten en tuercas de una misma rueda.

La cinta es por momentos grotesca.

6.    Los aspectos técnicos del film también están logrados. El director recurre a sus colaboradores usuales y tal como en sus recientes The Social Network (2010) y The Girl with the Dragon Tattoo (2011) consigue una fotografía oscura y lúdica, apropiada para el contexto grotesco de la trama. La música del film es absorbente y con tonos fuertes esporádicos, con una sobriedad apropiada.

7.    La escena favorita: hacia al final de la cinta, Amy y Nick tienen que enfrentarse a una rueda de prensa en la sala de su casa. La pareja baja las escaleras de su casa mientras la cámara los graba desde abajo y con una visión de la gente que los mira atónitos. Pareciera que el tiempo se detiene en esos segundos. La escena es una clara referencia a ese momento en el cual Gloria Swanson sale de su habitación para comparecer ante la prensa y la policía en ese clásico de Billy Wilder llamado Sunset Boulevard (1950). Amy Dunne y Norma Desmond son dos figuras de cera, que han construido una imagen alrededor de sus delirios y que han conseguido manipular la realidad a su locura, son dos muertas en vida cuya putrefacción está cubierta en maquillaje y por las luces del espectáculo.

8.    Nuestro ranking: 4.5 de 5

Boyhood, Retrato de una Vida

Boyhood (2014) es la más reciente película de Richard Linklater, filmada a lo largo de 12 años. La cinta relata la vida de una familia norteamericana concentrando la atención en la mirada de Mason, el único hijo varón de una pareja separada.

Linklater es conocido por querer usar el cine como testigo del paso del tiempo. Su trilogía al amor formada por Before Sunset (1995), Before Sunrise (2004) y Before Midnight (2013) mostraba cómo la relación formada por los personajes de Ethan Hawke y Julie Delpy iba cambiando en el tiempo, con cada uno de los capítulos reflejando los años transcurridos en la vida real.

Boyhood fue realizada de modo interesante, cada cierto tiempo el director juntaba a su equipo de producción y grababan un pedazo más de la cinta. El resultado permite que a través del film veamos a los mismos actores ir cambiando de verdad, adecuándose a los periodos de la narración. El cinema verité en su más pura expresión.

En 3 horas vemos como Mason crece 12 años.

Linklater logra una película ligera de narración pero poderosa en su contenido, es un drama familiar pero también el testimonio de una generación. El hecho de poder haber filmado las secuencias a través de los años le otorga un realismo a la cinta que es sorprendente. El director logra consolidar un sentimiento de colaboración entre su equipo y actores que es evidente, de tal modo que vemos un film donde el guion pareciera estar realizándose mientras las cámaras ruedan.

El trabajo actoral es igual de sensible. Linklater recurre a Ethan Hawke, su actor fetiche y logra una interpretación notable de Patricia Arquette, quien asume en carne viva el papel de una madre que pasa por tres matrimonios y suma esfuerzos para sacar a sus hijos adelante. Arquette logra acertar en cada nota de ternura, sensualidad, madurez y emocionalidad necesaria para el papel; es la mejor actuación en la carrera de la actriz y una nominación al Oscar como Actriz Secundaria es más que justa.

En Boyhood, Richard Linklater ha conseguido una película innovadora, tierna, testimonial,  correctamente hecha y con la humanidad que tiene el buen cine. Boyhood es la mejor película de lo que va del año y la primera gran competidora para el Oscar 2015, desde ya puedo asegurar una nominación en la categoría de Mejor Película. Totalmente recomendable.

4.5 de 5